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Un ballet, en tant qu'œuvre unifiée, comprend la chorégraphie et la musique d'une production. Les ballets sont chorégraphiés et interprétés par des danseurs de ballet professionnels . Les ballets classiques traditionnels sont généralement accompagnés de musique classique et utilisent des costumes et une mise en scène élaborés, tandis que les ballets modernes sont souvent présentés en costumes simples et sans décors sophistiqués.
diminutif de ballo (danse) qui vient du latin ballo , ballare , signifiant « danser », qui à son tour vient du grec « βαλλίζω » ( ballizo ), « danser, sauter ». Le mot est entré dans l'usage anglais à partir du français vers 1630.En français, le mot désigne un spectacle de ballet, une œuvre de ballet, et éventuellement le genre de danse lui-même, bien que l'expression « danse classique » existe également pour ce dernier sens, soit moins équivoque et soit plus couramment utilisée lorsqu'il s'agit de l'apprentissage de cette danse.
Le ballet trouve son origine dans les cours italiennes de la Renaissance des XVe et XVIe siècles. Sous l'influence de Catherine de Médicis , devenue reine, il se répandit en France, où il connut un essor encore plus important. Les danseurs de ces premiers ballets de cour étaient pour la plupart des amateurs issus de la noblesse. Les costumes ornés étaient destinés à impressionner les spectateurs, mais ils limitaient la liberté de mouvement des interprètes.
Les ballets étaient joués dans de grandes salles où les spectateurs étaient disposés sur trois côtés. L'introduction du cadre de scène à partir de 1618 a permis d'éloigner les artistes des spectateurs, qui pouvaient ainsi mieux voir et apprécier les prouesses techniques des danseurs professionnels.
Le ballet de cour français atteignit son apogée sous le règne de Louis XIV . Ce dernier fonda l' Académie royale de danse en 1661 afin d'établir des normes et de certifier les professeurs de danse. En 1672, Louis XIV nomma Jean-Baptiste Lully directeur de l'Académie royale de musique ( Opéra de Paris ), d'où naquit la première compagnie de ballet professionnelle , le Ballet de l'Opéra de Paris . Pierre Beauchamp fut le maître de ballet de Lully . Leur collaboration influença considérablement le développement du ballet, comme en témoigne la création des cinq positions principales des pieds qui leur est attribuée. Dès 1681, les premières ballerines firent leurs débuts sur scène après des années de formation à l'Académie.
Le ballet commença à décliner en France après 1830, mais continua de se développer au Danemark, en Italie et en Russie. L'arrivée en Europe des Ballets russes, dirigés par Serge Diaghilev, à la veille de la Première Guerre mondiale, raviva l'intérêt pour le ballet et marqua le début de l'ère moderne.
Au XXe siècle, le ballet a eu une grande influence sur d'autres genres de danse, Toujours au XXe siècle, le ballet a connu une transformation, passant du ballet classique à l'introduction de la danse moderne , ce qui a conduit à des mouvements modernistes dans plusieurs pays.
Parmi les danseurs célèbres du XXe siècle, on peut citer Mikhaïl Barychnikov , Erik Bruhn , Maria Tall Chief , Jeanne Devereaux , Suzanne Farrell , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Gelsey Kirkland , Natalia Makarova , Arthur Mitchell , Rudolf Noureev , Anna Pavlova , Maïa Plisetskaïa , et Galina Oulanova .
Styles
Les variations stylistiques et les sous-genres ont évolué au fil du temps. Les premières variations classiques sont principalement associées à une origine géographique. On peut citer comme exemples le ballet russe , le ballet français et le ballet italien . Les variations plus récentes, telles que le ballet contemporain et le ballet néoclassique, intègrent à la fois des éléments du ballet classique et des techniques et mouvements non traditionnels. Le style de ballet le plus connu et le plus pratiqué est sans doute le ballet romantique tardif (ou ballet blanc ).
ballet classique
Le ballet classique repose sur la technique et le vocabulaire traditionnels du ballet . Différents styles ont émergé dans différents pays, tels que le ballet français , le ballet italien , le ballet anglais et le ballet russe . Plusieurs styles de ballet classique sont associés à des méthodes d'entraînement spécifiques, généralement nommées d'après leurs créateurs (voir ci-dessous). La méthode de la Royal Academy of Dance est une technique et un système d'entraînement au ballet fondés par un groupe diversifié de danseurs de ballet. Ils ont fusionné leurs méthodes de danse respectives (italienne, française, danoise et russe) pour créer un nouveau style de ballet propre à l'organisation et reconnu internationalement comme le style anglais. Parmi les exemples de ballets classiques, citons Le Lac des cygnes , La Belle au bois dormant et Casse-Noisette .
ballet romantique
Le ballet romantique était un mouvement artistique du ballet classique, et plusieurs productions figurent encore aujourd'hui au répertoire classique. L'époque romantique fut marquée par l'apparition du travail sur pointes , la prédominance des danseuses et l'utilisation de tutus longs et fluides, symboles de douceur et de délicatesse. Ce mouvement s'est développé du début au milieu du XIXe siècle (l' époque romantique ) et mettait en avant des thèmes privilégiant l'émotion intense comme source d' expérience esthétique . L'intrigue de nombreux ballets romantiques tournait autour de figures féminines envoûtantes (sylphides, wilis et fantômes) qui asservissaient le cœur et les sens des hommes. Le ballet La Sylphide (1827 ) est généralement considéré comme le premier du genre, et Coppélia ( 1870 ) comme le dernier. Parmi les danseuses de ballet célèbres de l'époque romantique, on peut citer Marie Taglioni , Fanny Elssler et Jules Perrot . Jules Perrot est également connu pour ses chorégraphies, notamment celle de Giselle , souvent considérée comme le ballet romantique le plus célèbre.
ballet néoclassique
Le ballet néoclassique est généralement abstrait, sans intrigue, costumes ni décors clairement définis. Le choix musical est varié et inclut souvent des œuvres également néoclassiques (par exemple, Stravinsky et Roussel ). Tim Scholl, auteur de * From Petipa to Balanchine* , considère *Apollo* de George Balanchine (1928) comme le premier ballet néoclassique. *Apollo* marquait un retour aux sources en réaction aux ballets abstraits de Serge Diaghilev . Balanchine a collaboré avec la chorégraphe de danse moderne Martha Graham et a intégré à sa compagnie des danseurs modernes tels que Paul Taylor , qui a interprété des *Episodes* de Balanchine en 1959.
Bien que Balanchine soit largement considéré comme la figure emblématique du ballet néoclassique, d'autres y ont apporté une contribution significative. Les Variations symphoniques de Frederick Ashton (1946) constituent une œuvre majeure pour le chorégraphe. Sur la partition éponyme de César Franck , il s'agit d'une interprétation purement dansée de la partition.
Une autre forme, le ballet moderne , a également émergé comme une émanation du néoclassicisme. Parmi les innovateurs de ce mouvement figurent Glen Tetley , Robert Joffrey et Gerald Arpino . Bien qu'il soit difficile de distinguer le ballet moderne du néoclassicisme, le travail de ces chorégraphes privilégiait une plus grande athlétisme, rompant avec la délicatesse du ballet. La physicalité était plus audacieuse, l'atmosphère, les sujets et la musique plus intenses. On peut citer en exemple Astarte (1967) de Joffrey, qui intégrait une musique rock et des connotations sexuelles dans la chorégraphie.
ballet contemporain
Ce style de ballet est souvent exécuté pieds nus. Les ballets contemporains peuvent inclure du mime et du jeu d'acteur , et sont généralement mis en musique (le plus souvent orchestrale, mais parfois vocale). Il peut être difficile de distinguer cette forme du ballet néoclassique ou moderne. Le ballet contemporain est également proche de la danse contemporaine car nombre de ses concepts proviennent des idées et innovations de la danse moderne du XXe siècle, notamment le travail au sol et la rotation interne des jambes. La principale différence réside dans le fait que la technique du ballet est essentielle à l'interprétation d'un ballet contemporain.
George Balanchine est considéré comme un pionnier du ballet contemporain. Twyla Tharp , autre chorégraphe pionnière du ballet contemporain, a créé Push Comes To Shove pour l' American Ballet Theatre en 1976, puis In The Upper Room pour sa propre compagnie en 1986. Ces deux œuvres ont été saluées pour leur innovation, mêlant des mouvements résolument modernes à l'utilisation de pointes et à la présence de danseurs de formation classique.
Aujourd'hui, la danse contemporaine compte de nombreuses compagnies et de nombreux chorégraphes. Parmi eux, on peut citer Alonzo King et sa compagnie LINES Ballet ; Matthew Bourne et sa compagnie New Adventures ; Complexions Contemporary Ballet ; Nacho Duato et sa Compañia Nacional de Danza ; William Forsythe et la Forsythe Company ; et Jiří Kylián du Nederlands Dans Theater . Les compagnies traditionnellement « classiques », telles que le Ballet Mariinsky (Kirov) et le Ballet de l'Opéra de Paris, présentent également régulièrement des œuvres contemporaines.
Le terme « ballet » a évolué pour englober toutes les formes qui y sont associées. Un danseur en formation classique doit désormais être capable d’interpréter des œuvres néoclassiques, modernes et contemporaines. On attend d’un danseur qu’il soit majestueux et royal pour les œuvres classiques, libre et lyrique pour les œuvres néoclassiques, et sobre, voire austère, pour les œuvres modernes et contemporaines. Par ailleurs, plusieurs styles de danse moderne, comme le Hiplet , fusionnent la technique du ballet classique et la danse contemporaine, et exigent des danseurs qu’ils maîtrisent des styles de danse non occidentaux.
Méthodes techniques d'enseignement du ballet
Il existe six méthodes d'enseignement ou d'étude du ballet largement utilisées et reconnues internationalement : l' école française , la méthode Vaganova , la méthode Cecchetti , la méthode Bournonville , la méthode de la Royal Academy of Dance (style anglais) et la méthode Balanchine (style américain). De nombreuses autres écoles techniques existent dans divers pays.
Bien que les enfants d'âge préscolaire constituent une source de revenus lucrative pour un studio de ballet, l'enseignement du ballet n'est généralement pas adapté aux jeunes enfants. Les premiers cours consistent à rester immobile et à se concentrer sur la posture, plutôt que sur la danse. C'est pourquoi, traditionnellement, de nombreux programmes de ballet n'acceptent pas d'élèves avant l'âge de 8 ans environ. L'éveil corporel et les cours préparatoires au ballet, peu exigeants, sont recommandés comme alternatives pour les enfants.
La méthode française est à la base de toute formation en ballet. Lorsque Louis XIV créa l' Académie Royale de Danse en 1661, il contribua à l'élaboration de la technique codifiée encore utilisée aujourd'hui par les danseurs, quelle que soit leur méthode de formation. L'école française a connu un renouveau particulier sous Rudolf Noureev , dans les années 1980. Son influence a revitalisé et renouvelé l'appréciation de ce style, et a profondément transformé le ballet dans son ensemble. De fait, l'école française est parfois appelée « école Noureev ». La méthode française se caractérise souvent par sa précision technique, sa fluidité, sa grâce et l'élégance de ses lignes. Dans ce style, un jeu de jambes rapide est souvent utilisé pour donner l'impression que les danseurs se déplacent avec légèreté sur scène. Deux caractéristiques importantes de cette technique sont la manière spécifique dont sont exécutés le port de bras et l'épaulement, plus arrondis que dans le style russe, mais moins arrondis que dans le style danois.
Méthode Vaganova
La méthode Vaganova est un style de formation en ballet issu du ballet russe , créé par Agrippina Vaganova . Après avoir pris sa retraite de la danse en 1916, Vaganova se tourne vers l'enseignement à l'École chorégraphique de Leningrad en 1921. Sa méthode est aujourd'hui reconnue internationalement et son ouvrage, « Les Fondements de la danse classique » (1934), est une référence incontournable. Cette méthode se caractérise par la fusion du style classique français, notamment d'éléments de l'époque romantique, avec l'athlétisme de la méthode italienne et la passion expressive du ballet russe. Elle développe une méthode d'enseignement extrêmement précise dans son livre « Principes fondamentaux de la danse classique russe » (1948). Celle-ci détaille notamment le moment opportun pour enseigner les composantes techniques aux élèves, la durée à y consacrer et l'importance à accorder à chaque étape de leur formation. Ces ouvrages restent aujourd'hui encore essentiels à l'enseignement du ballet.
La méthode met l'accent sur le développement de la force, de la souplesse et de l'endurance pour une bonne exécution du ballet. Elle défendait l'idée qu'il fallait accorder une importance égale aux bras et aux jambes lors de la pratique du ballet, car cela permettrait d'harmoniser et d'exprimer davantage le corps dans son ensemble.
Méthode Cecchetti
Développée par Enrico Cecchetti (1850-1928), cette méthode est reconnue internationalement pour son approche rigoureuse de l'anatomie appliquée au ballet classique. Son objectif est d'inculquer aux élèves les qualités essentielles à l'interprétation du ballet, afin qu'ils n'aient plus besoin d'imiter leurs professeurs. Cette méthode met l'accent sur l'équilibre, les élévations, le volume , la posture et la force.
Cette méthode souligne l'importance de reconnaître que toutes les parties du corps bougent ensemble pour créer des lignes belles et gracieuses, et met ainsi en garde contre une conception du ballet qui considère les bras, les jambes, le cou et le torse comme des parties séparées. Cette méthode est notamment connue pour les huit ports de bras utilisés.
méthode de Bournonville
La méthode Bournonville est une méthode danoise initialement conçue par August Bournonville . Ce dernier fut fortement influencé par la méthode du ballet français ancien, grâce à sa formation auprès de son père, Antoine Bournonville , et d'autres maîtres de ballet français de renom. Cette méthode présente de nombreuses différences stylistiques qui la distinguent des autres méthodes de ballet enseignées aujourd'hui. Un élément clé est l'utilisation des épaulements diagonaux, le haut du corps se tournant généralement vers le pied d'appui. Cette méthode intègre également une utilisation très élémentaire des bras, des pirouettes à partir d'une position de développé bas vers la seconde, et l'utilisation de la cinquième position bras en bas pour le début et la fin des mouvements.
La méthode Bournonville produit des danseurs qui ont un beau ballon (« l’illusion d’une légèreté impondérable »).
La méthode de la Royal Academy of Dance (RAD)
La méthode de la Royal Academy of Dance , également appelée style anglais de ballet, a été créée en 1920 par Genee, Karsavina, Bedells, E. Espinosa et Richardson. Son objectif est de promouvoir la formation académique en ballet classique à travers la Grande-Bretagne. Ce style s'est également répandu aux États-Unis et y est encore largement pratiqué aujourd'hui. La formation à cette méthode comprend des niveaux spécifiques que l'élève doit franchir. Le principe fondamental de cette méthode d'enseignement est que la technique de base du ballet doit être enseignée lentement, la progression de la difficulté étant souvent beaucoup plus lente que dans d'autres méthodes. L'idée sous-jacente est que si l'élève consacre beaucoup d'efforts à la maîtrise des pas de base, la technique acquise lui permettra d'exécuter des pas plus difficiles beaucoup plus facilement.
Méthode Balanchine
Développée par George Balanchine au New York City Ballet , sa méthode s'inspire largement de sa propre formation de danseur en Russie. Cette technique est réputée pour son extrême rapidité d'exécution, l'importance accordée aux lignes et les pliés profonds. L'une des particularités les plus marquantes de ce style réside dans le positionnement atypique du corps. Les danseurs de ce style ont souvent les mains et même les pieds fléchis, et sont placés dans des positions déséquilibrées. Parmi les écoles de ballet importantes enseignant cette méthode figurent le Miami City Ballet , le Ballet Chicago Studio et la School of American Ballet de New York.
Costumes
Les costumes de ballet jouent un rôle important dans la communauté du ballet. Ils sont souvent les seuls vestiges d'une production, représentant une image vivante et imaginaire de la scène.
Renaissance et baroque
Les origines du ballet remontent à la Renaissance en France et en Italie, où les vêtements de cour ont donné naissance aux costumes de ballet. Ces derniers existent depuis le début du XVe siècle. Le coton et la soie étaient mélangés à du lin, tissés en gaze semi-transparente pour créer des costumes de ballet d'une grande finesse.
XVIIe siècle
Au XVIIe siècle, différents types de tissus et de motifs furent utilisés pour rendre les costumes plus spectaculaires et attrayants. La robe de cour demeura de mise pour les femmes durant ce siècle. Les soies, les satins et les tissus brodés d'or véritable et de pierres précieuses rehaussèrent le niveau de décoration des costumes de ballet. Les costumes féminins se composaient également de vêtements lourds et de jupes arrivant aux genoux, ce qui limitait leurs mouvements et leurs gestes.
XVIIIe siècle
Au XVIIIe siècle, les costumes de scène restaient très semblables aux tenues de cour, mais évoluèrent au fil du temps, notamment grâce au danseur et maître de ballet français Jean-Georges Noverre (1727-1810), dont les propositions de modernisation du ballet sont exposées dans ses Lettres sur la danse et les ballets (1760), un ouvrage révolutionnaire. Ce livre déplaça l'attention des costumes vers les mouvements et les émotions des danseurs, la mettant ainsi davantage au centre du spectacle.
Le ballet européen était centré sur l' Opéra de Paris . À cette époque, les jupes étaient relevées de quelques centimètres. Fleurs, volants, rubans et dentelles soulignaient ce style féminin opulent, tandis que les tons pastel doux de citron, pêche, rose et pistache dominaient la palette de couleurs.
XIXe siècle
Au début du XIXe siècle, les costumes moulants, les couronnes de fleurs, les corsages et les bijoux étaient de mise. Les idéaux du romantisme se reflétaient dans les mouvements féminins.
Avec l'apparition des corsets, les costumes se sont considérablement resserrés afin de mettre en valeur les courbes des ballerines. Les bijoux et les costumes ornés de strass ont connu un essor important.
XXe siècle
Au cours du XXe siècle, les costumes de ballet ont subi une nouvelle influence du ballet russe. Les jupes des ballerines sont devenues des tutus arrivant aux genoux, notamment pour mettre en valeur la précision de leurs mouvements sur pointes. Les couleurs des costumes de scène sont également devenues beaucoup plus vives. Les créateurs ont utilisé des couleurs comme le rouge, l'orange, le jaune, etc., pour créer une expressivité visuelle lors des représentations des danseuses.
Le ballet comme carrière
Les danseurs professionnels sont généralement mal payés et gagnent moins qu'un travailleur lambda. En 2020, les danseurs américains (y compris les danseurs de ballet et d'autres formes de danse) étaient payés en moyenne 19 dollars américains de l'heure, les professeurs étant légèrement mieux rémunérés que les interprètes.
Les perspectives d'emploi ne sont pas favorables et la concurrence est intense, le nombre de candidats dépassant largement le nombre de postes disponibles. La plupart des emplois consistent à enseigner dans des écoles de danse privées .
Les chorégraphes sont mieux payés que les danseurs. Les musiciens et les chanteurs sont mieux payés à l'heure que les danseurs ou les chorégraphes, environ 30 dollars américains de l'heure ; cependant, le travail à temps plein est rare pour les musiciens.
Effets sur la santé
Teenage girl ballet dancers are prone to stress fractures in the first rib. Posterior ankle impingement syndrome (PAIS) most commonly affects people who perform repetitive plantar flexion, such as ballet dancers.Eating disorders are thought to be common, and a 2014 meta-analysis suggests that studies do indicate that ballet dancers are at higher risk than the general population for several kinds of eating disorders. In addition, some researchers have noted that intensive training in ballet results in lower bone mineral density in the arms.
Criticism
Most ballet choreography is written so that it can only be performed by a relatively young dancer. The structure of ballet – in which a (usually) male choreographer or director uses (mostly) women's bodies to express his artistic vision, has been criticized as harming women.
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