Obtenez Carter

Get Carter est un thriller de gangsters britannique de 1971, écrit et réalisé par Mike Hodges pour ses débuts en tant que réalisateur et avec Michael Caine , Ian Hendry , John Osborne , Britt Ekland et Bryan Mosley . Basé sur le roman de Ted Lewis de 1970 , Jack's Return Home , le film suit le nom de Jack Carter (Caine), un gangster londonien qui revient dans sa ville natale du nord-est de l'Angleterre après la mort de son frère. Soupçonnant un acte criminel et avec la vengeance en tête, il enquête et interroge, retrouvant une idée de la ville et de son élément criminel endurci.

Le producteur Michael Klinger a pris une option sur le roman de Lewis peu après sa publication et a conclu un accord avec la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) en difficulté pour financer et sortir le film, faisant de Get Carter le dernier projet à être approuvé par la division Borehamwood du studio avant sa fermeture. La production est passée du roman au film fini en 10 mois, le tournage principal ayant eu lieu de juillet à septembre 1970 à Newcastle upon Tyne , Gateshead et County Durham . Hodges, Klinger et Caine avaient l'intention de créer une représentation plus réaliste de la violence et du comportement criminel que ce qui avait été vu auparavant dans les films britanniques : Caine, qui a également servi de coproducteur non crédité, a incorporé des aspects de connaissances criminelles dans sa caractérisation de Carter, tandis que Hodges a mené des recherches sur le monde criminel de Newcastle, en particulier le meurtre du bandit manchot . Le directeur de la photographie Wolfgang Suschitzky a travaillé avec Hodges pour donner aux scènes une sensation naturaliste, en s'inspirant largement de leurs antécédents dans les films documentaires .

Engagé un bénéfice respectable lors de sa sortie initiale au Royaume-Uni, Get Carter a d'abord suscité des critiques mitigées. Les critiques ont apprécié à contrecœur les prouesses techniques du film et la performance de Caine tout en critiquant l'intrigue complexe, la violence et l'amoralité, en particulier le manque apparent de remords de Carter pour ses actes. Les critiques américains étaient généralement plus enthousiastes, mais le film a langui sur le circuit des drive-in , tandis que MGM a concentré ses ressources sur la production de Hit Man , un remake du film sur le thème de la blaxploitation de 1972.

Get Carter a fini par susciter un culte , et d'autres soutiens de réalisateurs tels que Quentin Tarantino et Guy Ritchie ont conduit le film à être réévalué par la critique, avec sa représentation de la structure de classe et de la vie dans la Grande-Bretagne des années 1970 et la bande originale de jazz minimaliste de Roy Budd recevant des éloges considérables. En 1999, Get Carter a été classé 16e sur le BFI Top 100 des films britanniques du XXe siècle ; cinq ans plus tard, une enquête auprès des critiques de cinéma britanniques dans le magazine Total Film l'a choisi comme le plus grand film britannique de tous les temps. Un deuxième remake mal reçu sous le même titre est sorti en 2000, avec Sylvester Stallone interprétant Jack Carter et Caine dans un rôle secondaire.

Jack Carter, un gangster originaire de Newcastle, vit à Londres depuis des années et travaille pour les chefs du crime organisé Gerald et Sid Fletcher. Jack a une liaison avec la petite amie de Gerald, Anna, et prévoit de s'enfuir avec elle en Amérique du Sud , mais il doit d'abord retourner à Newcastle et Gateshead pour assister aux funérailles de son frère, Frank, décédé dans un accident de conduite sous l'emprise de l'alcool. Les patrons de Jack l'avertissent de ne pas provoquer de troubles, car ils sont amis avec la mafia de Newcastle. Insatisfait de l'explication officielle, Jack enquête par lui-même. Lors des funérailles, Jack rencontre sa nièce adolescente Doreen et la maîtresse évasive de Frank, Margaret.

Jack se rend à l'hippodrome de Newcastle , à la recherche de sa vieille connaissance Albert Swift pour obtenir des informations sur la mort de son frère, mais Swift lui échappe. Jack rencontre un autre ancien associé, Eric Paice, qui refuse de dire à Jack qui l'emploie comme chauffeur. La filature d'Eric le conduit à la maison de campagne du chef du crime Cyril Kinnear. Jack affronte Kinnear mais n'apprend pas grand-chose de lui ; il rencontre également une femme ivre et glamour, Glenda. Alors que Jack part, Eric le met en garde contre les relations néfastes entre Kinnear et les Fletchers. De retour en ville, Jack est menacé par des hommes de main qui veulent qu'il quitte la ville, mais il les repousse, en capturant et en interrogeant un pour découvrir qui veut le faire partir. On lui dit le nom de "Brumby".

Jack connaît Cliff Brumby comme un homme d'affaires qui détient des parts majoritaires dans les salles de jeux d'arcade du bord de mer . En visitant la maison de Brumby, Jack découvre que l'homme ne sait rien de lui et, croyant qu'il a été piégé, il part. Le lendemain matin, deux des collègues londoniens de Jack - Con McCarthy et Peter le Hollandais - arrivent, envoyés par les Fletchers pour le récupérer, mais il s'échappe. Jack rencontre Margaret pour parler de Frank, mais les hommes des Fletchers l'attendent et le poursuivent. Il est secouru par Glenda, qui l'emmène dans sa voiture de sport Sunbeam Alpine pour rencontrer Brumby dans son nouveau complexe de restaurants au sommet d'un parking à étages . Brumby identifie Kinnear comme étant derrière la mort de Frank, expliquant également que Kinnear essaie de reprendre son entreprise. Il offre à Jack 5 000 £ pour tuer le chef du crime, ce qu'il refuse.

Jack couche avec Glenda dans son appartement, où il découvre et regarde un film pornographique intitulé "Teacher's Pet", dans lequel Doreen est forcée d'avoir des relations sexuelles avec Albert. Les autres participants du film sont Glenda et Margaret. Jack devient furieux et pousse la tête de Glenda sous l'eau alors qu'elle prend un bain. Elle lui dit que le film était celui de Kinnear et qu'elle pense que Doreen a été entraînée dans la production par Eric. Forçant Glenda à monter dans le coffre de sa propre voiture, Jack part à la recherche d'Albert.

Jack retrouve Albert, qui avoue avoir dit à Brumby que Doreen était la fille de Frank. Brumby montre le film à Frank pour l'inciter à appeler la police sur Kinnear, alors Eric et deux de ses hommes organisent la mort de Frank. Après avoir obtenu cette information, Jack poignarde mortellement Albert. Jack est attaqué par les gangsters londoniens et Eric, qui a informé Fletcher de la liaison de Jack et Anna. Dans la fusillade qui s'ensuit, Jack tue Peter. Alors qu'Eric et Con s'échappent, ils poussent la voiture de sport dans la rivière, ignorant que Glenda est dans le coffre. De retour au parking, Jack retrouve et bat Brumby avant de le jeter à mort. Il envoie ensuite le film à la brigade des mœurs de Scotland Yard .

Jack enlève Margaret. Il téléphone à Kinnear (qui est en plein milieu d'une fête chez lui), lui disant qu'il a le film, et conclut un accord pour que Kinnear lui donne Eric en échange de son silence. Kinnear accepte, envoyant Eric à un endroit convenu ; cependant, il téléphone ensuite à un associé. Jack conduit Margaret sur le terrain de la propriété de Kinnear, la tue d'une injection mortelle et y laisse son corps. Il appelle ensuite la police pour faire une descente à la fête de Kinnear.

Jack poursuit Eric le long d'une plage. Il force Eric à boire une bouteille de whisky comme Eric l'avait fait à Frank, puis le bat à mort avec son fusil de chasse. Après avoir vengé Frank et Doreen, Jack marche le long du rivage, où il est abattu à distance par l'associé de Kinnear.

• Michael Caine dans le rôle de Jack Carter. Mike Hodges a écrit le scénario avec Ian Hendry en tête pour Carter, mais a appris que Michael Klinger avait déjà signé Caine pour le rôle. Avec le soutien d'un grand studio, Klinger était désireux de s'assurer un grand nom pour le rôle principal, et Caine était très en vue à l'époque, ayant joué dans Alfie , The Italian Job et The Ipcress File . Hodges a été surpris qu'une star de la stature de Caine veuille jouer une personne aussi antipathique que Carter. Expliquant ses raisons de vouloir être impliqué dans le film, l'acteur a déclaré : « L'une des raisons pour lesquelles je voulais faire ce film était mon passé. Dans les films anglais, les gangsters étaient soit stupides, soit drôles. Je voulais montrer qu'ils ne sont ni l'un ni l'autre. Les gangsters ne sont pas stupides, et ils ne sont certainement pas très drôles ». Il s'identifie à Carter comme un souvenir de son éducation dans la classe ouvrière , ayant des amis et des membres de sa famille impliqués dans le crime et estime que Carter représente un chemin que sa vie aurait pu prendre dans d'autres circonstances : « Carter est le produit sans issue de mon propre environnement, de mon enfance ; je le connais bien. C'est le fantôme de Michael Caine ». Il apporte des changements subtils à la représentation de Carter par Hodges dans le scénario, supprime les plaisanteries et lui donne un côté froid et dur, plus proche de la vision originale du personnage par Lewis. Bien qu'il ne soit pas crédité en tant que tel dans le film, Caine a été reconnu rétrospectivement comme coproducteur. Par une étrange coïncidence, le remplaçant de Caine dans le film était un homme appelé Jack Carter.
• Ian Hendry dans le rôle d'Eric Paice. Hendry avait déjà été choisi par le producteur Klinger pour jouer Repulsion de Roman Polanski et était le premier choix de Hodges pour jouer Carter, mais en 1970, sa carrière déclinait rapidement. L'alcoolisme de Hendry et sa mauvaise condition physique étaient apparents sur le tournage à Newcastle , et son envie du succès de son contemporain Caine était exacerbée par son alcoolisme. Hodges et Caine ont utilisé son animosité envers Caine à leur avantage pour créer une tension supplémentaire dans les scènes entre Carter et Paice.
• John Osborne dans le rôle de Cyril Kinnear, le principal adversaire de Jack. Osborne, un dramaturge célèbre, était un choix inhabituel d'acteur ; il avait été suggéré par l'agent de Hodges. L'écrivain a apprécié le changement et y a vu un moyen d'effacer dans l'esprit du public l'image d'un jeune homme en colère . Osborne n'avait jamais joué aux cartes auparavant et avait pratiqué le poker avant le tournage pour donner du réalisme à la scène du jeu. Le portrait d'Osborne contrastait avec la description de Kinnear dans le roman de Ted Lewis , Jack's Return Home , comme un escroc corpulent et inculte , lui donnant un comportement urbain et détendu, sa voix étant si détendue et calme qu'il était difficile pour l' ingénieur du son de la capter, mais Hodges aimait la « menace dans ce calme ».
• Britt Ekland dans le rôle d'Anna. Ekland a été choisie pour jouer le rôle principal du film, car elle était un sex-symbol important de l'époque et aurait déjà été familière au public américain grâce à son travail dans The Night They Raided Minsky's et Stiletto . En conséquence, son rôle mineur dans le film a été surestimé dans la publicité. Ekland avait peur d'être cataloguée, ayant déjà joué deux filles de gangsters avant Carter dans Stiletto et Machine Gun McCain . Elle était également réticente à accepter le rôle car elle ne voulait pas se déshabiller ; cependant, elle avait des problèmes financiers à l'époque en raison de mauvaises décisions d'investissement de son comptable. Elle était plus tard heureuse d'avoir été impliquée dans le projet.
• Bryan Mosley dans le rôle de Cliff Brumby. Les dirigeants de la MGM voulaient initialement Telly Savalas pour le rôle du « grand homme », mais ont été impressionnés par la performance de l'acteur de Coronation Street Mosley dans les scènes de combat dans Loin de la foule déchaînée . Catholique romain fervent , Mosley était préoccupé par sa participation à un film aussi violent avec des représentations de comportements criminels , et a consulté son prêtre sur les implications morales.
• George Sewell dans le rôle de Con McCarty. Sewell est l'homme qui a présenté Barbara Windsor à Charlie Kray . Il a grandi dans la classe ouvrière de Hoxton et s'est mis à jouer tard lorsqu'en 1959, il a rejoint le Theatre Workshop de Joan Littlewood . Visage bien connu de la télévision britannique dans les années 1960, ses traits sablés et son regard louche et hanté en faisaient un personnage idéal pour jouer des personnages méchants ou des détectives endurcis. Il semblait idéal pour incarner un gangster londonien collègue de Carter. Après Carter , Sewell est devenu plus connu pour jouer des policiers plutôt que des méchants.
• Tony Beckley dans le rôle de Peter le Hollandais. Lewis a dépeint Peter comme un homosexuel misogyne dans son roman ; ces éléments n'ont pas été mis en avant dans le film, bien que le personnage soit flamboyant et camp . Beckley s'était spécialisé dans le rôle de criminels sadiques, son rôle dans Carter était donc quelque peu similaire à son rôle de « Camp Freddy » aux côtés de Caine dans The Italian Job .
• Glynn Edwards dans le rôle d'Albert Swift. Comme Sewell, Edwards était un apprenti du Theatre Workshop de Joan Littlewood qui s'était lancé dans le métier d'acteur à la trentaine. Il avait déjà joué aux côtés de Caine dans Zulu et The Ipcress File . Après le film, Edwards a trouvé du travail en tant qu'acteur de caractère et est apparu régulièrement dans la série télévisée Minder .
• Alun Armstrong dans le rôle de Keith Lacey. C'était les débuts d'Armstrong à l'écran. Les thèmes de Get Carter font écho dans une certaine mesure à ceux du rôle plus connu d'Armstrong 25 ans plus tard dans le drame de la BBC Our Friends in the North . Il a écrit une lettre à la MGM lorsqu'il a appris qu'elle tournait le film à Newcastle, et il a été invité à rencontrer le réalisateur Mike Hodges, qui voulait engager des acteurs locaux.
• Bernard Hepton dans le rôle de Thorpe. Né à Bradford , Hepton a été choisi par Hodges pour jouer le rôle du messager nerveux de Kinnear.
• Petra Markham dans le rôle de Doreen Carter. Petra Markham était une actrice de théâtre expérimentée de 24 ans lorsqu'on lui a demandé de jouer le rôle de la nièce de Carter, âgée de 16 ans. Son apparition dans seulement quatre scènes du film lui a permis d'équilibrer son travail au cinéma avec son apparition à la Royal Court et son rôle dans la série télévisée Albert and Victoria . Elle a ensuite joué la malheureuse Rose Chapman dans EastEnders .
• Geraldine Moffat dans le rôle de Glenda. Moffatt était une actrice expérimentée qui avait été formée à la Bristol Old Vic Theatre School . Elle a attiré l'attention de Hodges non seulement pour sa beauté, mais aussi pour son travail sur les pièces de télévision d' Alun Owen, Stella et Doreen .
• Dorothy White dans le rôle de Margaret. White a connu une carrière réussie en tant qu'actrice de télévision et était particulièrement connue pour Z-Cars , mais le rôle de Margaret était son premier rôle cinématographique crédité (le seul autre étant un rôle dans le film Touch & Go de 1955 ). Elle avait déjà travaillé avec Mike Hodges sur la pièce télévisée Suspect .
• Rosemarie Dunham incarne Edna Garfoot, la propriétaire de Carter. Bien qu'elle soit apparue dans The Avengers et A Family at War à la télévision, c'est la première fois que Rosemarie Dunham joue au cinéma.
• John Bindon dans le rôle de Sid Fletcher. Il était le fils d'un chauffeur de taxi londonien qui a été découvert par Ken Loach dans un pub. En tant que jeune homme, Bindon avait fait des séjours dans des maisons de correction et avait passé la majeure partie de sa vie d'adulte à fréquenter des criminels. Il était donc parfaitement adapté pour jouer un chef de gang , malgré son jeune âge et sa connaissance intime de ce monde. À la fin des années 1970, sa carrière a souffert lorsqu'il s'est retrouvé empêtré dans des accusations de racket de protection à Fulham et a été acquitté de meurtre à Old Bailey .
• Terence Rigby dans le rôle de Gerald Fletcher, l'un des frères chefs du crime organisé de Londres. Rigby était un autre acteur choisi par Hodges en raison de sa familiarité avec les séries policières télévisées.

Mike Hodges a recruté un groupe d'acteurs expérimentés pour jouer les petits seconds rôles. Godfrey Quigley a été choisi pour incarner Eddie Appleyard, un collègue de Frank Carter. Kevin Brennan apparaît dans le rôle de Harry le joueur de cartes. Ben Aris , qui joue l'un des architectes, avait déjà joué dans des films tels que If... , The Charge of the Light Brigade et Hamlet .

Le personnage de l'assassin de Carl Howard, "J", n'est identifié que par l'initiale de sa bague, dans son seul rôle au cinéma, et un mystère approprié entoure sa véritable identité. Son nom n'apparaît pas au générique de certaines copies. Mike Hodges a expliqué que Howard était un figurant dans son téléfilm Rumour , et que le réalisateur lui avait donné une réplique à dire, mais un autre figurant a été crédité à tort. Hodges a promis qu'il se rattraperait et le ferait jouer dans Carter , mais son nom a été omis de certaines des copies originales. Lorsque les crédits du film ont été imprimés dans le Radio Times et le TV Times , Howard a également été coupé. Hodges a déclaré en 2002 que "Carl et les crédits ne semblent pas destinés l'un à l'autre".

À la fin des années 1960, un relâchement de la censure cinématographique a donné lieu à une augmentation des films sombres et sans compromis, de nombreux réalisateurs repoussant les limites de l'acceptabilité. Get Carter était un film qui explorait cette liberté. Le projet est passé du concept au film fini en seulement 10 mois.

En 1969, le producteur Michael Klinger élabore des plans pour un film de gangsters afin de capitaliser sur l'intérêt du public pour le monde criminel britannique après la condamnation des jumeaux Kray . Klinger est invité à voir une première copie de Man of Violence (1969) de Peter Walker et n'est pas impressionné, disant au réalisateur « Je vais faire un film de gangsters, mais cela va coûter beaucoup plus cher que cela et ce sera mieux ». Après avoir cherché auprès de nombreux éditeurs du matériel à adapter en film, Klinger achète les droits du roman de Ted Lewis, Jack's Return Home . Andrew Spicer a écrit qu'« il [Klinger] sentait son potentiel pour imprégner le thriller policier britannique du réalisme et de la violence de ses homologues américains ».

En 1969, Klinger avait été approché par un autre producteur, Nat Cohen , pour réaliser des films pour la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). En difficulté financière et en train de fermer ses opérations britanniques, la MGM était en train de fermer ses studios britanniques de Borehamwood et cherchait à faire des films à petit budget pour faire des bénéfices. À cette époque, l'ami de Klinger, Robert Littman, avait été nommé à la tête de MGM Europe et Klinger lui avait donc présenté sa proposition. MGM avait accepté un budget raisonnable mais inférieur à la moyenne de 750 000 dollars (il existe un différend quant à savoir si ce chiffre se réfère à des dollars ou à des livres) pour la production. Quelques mois après avoir accepté l'accord, la MGM s'était retirée du Royaume-Uni. Klinger avait vu le téléfilm de Mike Hodges Suspect (1969) et avait immédiatement décidé qu'il était le candidat idéal pour réaliser son nouveau projet. Hodges avait également travaillé auparavant sur le programme d'actualité World in Action , le programme artistique Tempo et une série télévisée pour enfants de 1968, The Tyrant King , et toutes ces expériences passées ont influencé son approche de ses débuts au cinéma.

Klinger contacte Hodges le 27 janvier 1970 avec une copie de Jack's Return Home et l'engage pour écrire et réaliser le film, en lui versant un forfait de 7 000 £ (135 700 £ en 2024) pour ses services. Le titre de travail original de Hodges pour le film était Carter's The Name . Steve Chibnall écrit : « son traitement a conservé la structure essentielle du roman de Lewis avec sa forte dynamique narrative, mais a introduit quelques changements mineurs dans la caractérisation et des modifications plus fondamentales dans la narratologie ». Étant donné que Ted Lewis n'avait pas précisé où se déroulait son roman, Hodges s'est senti libre de déplacer l'histoire dans un endroit qu'il connaissait, en considérant Grimsby , Lowestoft , Hull et North Shields avant de décider de Newcastle upon Tyne. Hodges a déclaré qu'il avait été influencé dans son écriture par les œuvres de Raymond Chandler et les films de série B hollywoodiens tels que Kiss Me Deadly , car ils montraient « comment utiliser l'histoire policière comme une autopsie des maux de la société ». Il n'a cependant pas utilisé une technique noire traditionnelle consistant à utiliser une voix off pour exposer les sentiments intérieurs du personnage. Il a également renoncé aux flashbacks sur la jeunesse de Carter présentés dans le roman qui explore sa relation avec son frère Frank, rationalisant l'intrigue en un récit linéaire s'étendant sur un seul week-end. Comme l'écrit Chibnall :

La conséquence immédiate fut la perte des informations sur les motivations de Carter fournies par ses souvenirs d'enfance et ses relations avec son frère Frank et le chef de gang délinquant Albert Swift. On perdit également l'histoire des relations de Carter avec Eric Paice pendant leur période de gangsters rivaux à Londres, en particulier le traitement violent d'Eric envers l'amante de Carter, Audrey (Anna dans le scénario), dont le souvenir alimente la haine de Carter.

L'importance du fusil à double canon comme arme de choix de Carter (qui dans le roman symbolise les liens familiaux et les souvenirs de Carter de moments plus innocents de chasse avec son frère) a été perdue dans l'adaptation cinématographique.

Le meurtre de Brumby par Carter et son propre assassinat étaient d'autres modifications du roman, soulignant les parallèles du film avec la tragédie de la vengeance et le rôle de Carter comme ce que Geoff Mayer appelle « l' agent moral [...] un « chevalier » forcé de dispenser son propre sens de la justice dans un monde corrompu ». Cependant, dans son commentaire sur le DVD, Hodges implique qu'il ne considère pas Carter comme moralement plus justifié que ceux qu'il tue, et sa mort est destinée à présenter ses actions au public comme moralement en faillite et futiles : « Je voulais qu'il soit traité exactement de la même manière qu'il traitait les autres. C'est une sorte d'éthique chrétienne en quelque sorte [...] C'était une condition préalable du film pour moi, que le tueur à gages fasse [clic] et c'est tout ». La décision de Hodges de tuer Carter a d'abord été contestée par les dirigeants de la MGM, car ils voulaient que le personnage survive au cas où le film se révélerait suffisamment réussi pour justifier une suite .

La MGM a fait pression pour que davantage de stars américaines de renom apparaissent dans le film, mais Hodges a résisté avec succès. Outre Telly Savalas, les noms avancés par Klinger et les dirigeants du studio étaient ceux de Joan Collins et d'une personne que Hodges a décrite comme « l'actrice principale canadienne de Peyton Place », ce qui est probablement une référence à Barbara Parkins . La production a également utilisé un grand nombre de figurants, dont la plupart étaient des locaux qui se trouvaient par hasard sur les lieux du tournage. D'autres ont été recrutés par la société de casting locale Beverley Artistes, qui a envoyé tous ceux qui s'étaient inscrits auprès d'elle pour des auditions, l'une d'entre elles étant Denea Wilde, qui a été choisie pour jouer le rôle de la chanteuse de pub. Plusieurs des acteurs de la société étaient également présents dans les plans d'arrière-plan du film, notamment dans le casino, les rues, les bars et la scène du raid de la police.

Hodges et Klinger avaient exploré des lieux le long de la côte est de l'Angleterre au printemps 1970, pour trouver un paysage qui suggère un « arrière-plan dur et défavorisé ». Newcastle a été choisi après que le premier choix de Hodges, Hull, se soit avéré inapproprié. Hodges a fait des recherches approfondies sur la scène de crime locale de Newcastle, adaptant le scénario pour utiliser les décors et incorporant des éléments de ses recherches dans l'histoire. Son expérience à World in Action l'avait habitué à faire des films basés sur des enquêtes difficiles et cela a influencé son approche de Get Carter . L'un des premiers lieux qui a attiré l'attention de Hodges était le parking à étages de Trinity Square , qui dominait le centre de Gateshead . Pour Hodges, le parking et les ponts en fonte sur la Tyne « semblaient capturer la nature de Jack Carter lui-même ». Le parking incarne l'un des thèmes les plus subtils du film, à savoir la destruction d'un ancien paysage urbain et sa reconstruction en accord avec le brutalisme moderne . Hodges a décrit comment, en errant seul dans la structure supérieure, il a réalisé comment les différents niveaux pouvaient être utilisés pour révéler le chasseur, Carter, et la proie, Brumby, simultanément mais sans qu'aucun des deux ne soit conscient de l'autre - ajoutant au suspense. Le centre commercial et le parking ont été fermés début 2008 et démolis fin 2010.

L'emplacement de la maison de Cyril Kinnear, Dryderdale Hall, près de Hamsterley, Bishop Auckland , a fourni un lien réel avec le crime organisé. Il s'agissait de la maison de campagne récemment libérée de l'homme d'affaires du Nord-Est, Vince Landa, qui avait fui le pays en 1969 après le meurtre de son bras droit Angus Sibbett, le soi-disant meurtre au bandit manchot . Beaucoup pensaient que le crime faisait partie d'une tentative ratée des jumeaux Kray pour prendre le contrôle du monde souterrain de Newcastle. Michael Klinger et le porte-parole de la publicité de la MGM ont rejeté l'utilisation de l'emplacement comme une simple coïncidence ; cependant, Hodges était conscient de l'importance de la maison et l'a choisie délibérément. Steve Chibnall écrit : « Cela s'est avéré être un emplacement parfait, imprégné d' authenticité et plein de détails utiles tels que le papier peint à motifs de cow-boys et d'Indiens [...] le bouclier africain et les lances croisées sur le mur du salon du seigneur du crime ». L'affaire Landa est également évoquée au début du film avec un plan d'un journal portant le titre « Guerres du jeu ». D'autres lieux à Newcastle et Gateshead, Northumberland et County Durham ont également été utilisés.

Le tournage principal a eu lieu dans le Nord-Est entre le 17 juillet et le 15 septembre 1970. Hodges a privilégié l'utilisation d'objectifs à longue focale (comme il l'avait déjà fait sur Rumour ) dans de nombreuses scènes pour créer une sensation documentaire naturaliste, en particulier dans les scènes de foule. Le film a été tourné en Metrocolor , qui était le nom commercial de MGM pour les films traités dans son laboratoire Eastmancolor . Ce laboratoire a traité le négatif couleur Eastman de Kodak , il est donc très probable que le film ait été tourné sur ce support. Invité à commenter ce qu'il recherchait pour l'apparence du film, le directeur de la photographie Wolfgang Suschitzky a déclaré : « Le travail de la caméra [...] a été très influencé par Mike Hodges qui a un très bon œil pour les réglages et il a bien sûr conféré avec son opérateur et moi-même, mais il nous a tous influencés, et une grande partie de la bonne apparence lui est due, je l'avoue. Ma tâche principale était d'éclairer sur place, très modérément, et d'attendre la bonne lumière du jour et de régler l'exposition sur l'objectif ». Au cours de la première semaine de tournage à Newcastle, l' ACTT a appelé l'équipe à une grève d'un jour. Sur les conseils de Richard Lester , Hodges et son assistant réalisateur ont séjourné dans un hôtel séparé du reste de la distribution et de l'équipe, ce qui lui a permis d'avoir un peu de répit de la production une fois la journée de tournage terminée. Klinger était présent sur le plateau pendant une grande partie du tournage du film. Cependant, Hodges a déclaré qu'il n'avait rencontré que très peu d'interférences de la part du producteur. À un moment donné, Klinger et Caine ont demandé si Hodges pourrait travailler dans une « séquence de poursuite », mais il les a persuadés que cela entraînerait trop de comparaisons avec Bullitt (une séquence de poursuite entre Carter et les gangsters de Londres est mentionnée dans le scénario du tournage). Hodges a essayé de répéter la scène de course entre Caine et Hendry dans leur hôtel la nuit avant le tournage, mais « l'état d'ébriété et de ressentiment d'Hendry a forcé Hodges à abandonner [la] tentative ». Hodges a décrit Caine comme « un rêve absolu avec qui travailler ». Caine n'a perdu son sang-froid qu'une seule fois sur le plateau, pendant la journée très tendue et émotionnelle de tournage dans l'appartement de Glenda, lorsque le tireur de la mise au point a ruiné sa première prise . Caine s'est immédiatement excusé.

La scène la plus compliquée à tourner fut celle de la partie de cartes de Kinnear. Il y a quatre conversations simultanées, avec beaucoup d'explications sur l'intrigue et la présentation de deux personnages importants, Kinnear et Glenda. La complexité technique était aggravée par la variation de la lumière entrant par les fenêtres et par le chuchotement d'Osborne qui rendait le placement du microphone difficile. Hodges a rapproché la caméra et la perche d'Osborne au fur et à mesure de la progression de la scène. Chibnall dit que Hodges a regretté de ne pas avoir répété la scène plus en profondeur.

Pour filmer la scène dans laquelle Carter jette Brumby à mort depuis le parking à étages, Hodges a utilisé quatre plans : un du couple luttant en haut des escaliers ; un du niveau le plus bas de la cage d'escalier où Caine a jeté Bryan Mosley par-dessus bord sur des matelas ; un plan d'un mannequin tombant ; et un plan du corps de Brumby sur le toit d'une voiture écrasée.

La poursuite d'Eric par Carter a utilisé une combinaison de deux lieux espacés de 56 km : Blyth Staithes et Blackhall Beach près de la mine de charbon de Blackhall . La scène de poursuite a été tournée à l'envers, Hodges filmant d'abord la scène de la mort d'Eric en raison du mauvais état de santé d'Hendry, Hodges craignant qu'il soit trop essoufflé pour jouer la scène de la mort après avoir couru. Hodges a choisi la plage pour son atmosphère sombre et morne, mais lorsqu'il est revenu pour filmer la scène, il l'a trouvée baignée d'un soleil éclatant, inadapté à la sombre conclusion qu'il espérait. Il a attendu des heures jusqu'à ce que le soleil commence à se coucher pour capturer l'éclairage ombragé et couvert vu dans le film. Le film montre la plage noire de résidus de charbon, déversés là par le système de convoyeur de la mine. Le convoyeur, un spectacle courant sur la côte de l'est de Durham, était connu localement sous le nom de The Flight. Au début des années 2000, 10 millions de livres sterling ont été dépensés pour retirer ces convoyeurs et les tours en béton, et pour nettoyer des tonnes de déchets de charbon des plages de l'est de Durham. Le programme de nettoyage a été baptisé Turning the Tide.

Klinger était un producteur très présent tout au long du tournage et de la post-production. Il a suggéré à Hodges d'utiliser John Trumper comme monteur. Hodges a déclaré que Trumper et lui se disputaient et étaient constamment en désaccord, mais il pensait toujours qu'il était un « brillant, brillant monteur » et lui était « très reconnaissant pour [...] sa contribution ». Le montage sonore et le doublage ont été effectués par Jim Atkinson, que Hodges a décrit comme « tellement obsessionnel par son travail ». Il a donné à Hodges de multiples possibilités de doublage du son et a exploré tous les angles. Klinger craignait que le réalisateur débutant ne soit submergé par trop d'options, mais Hodges a déclaré que lui et Atkinson s'entendaient très bien.

Alors que Carter quitte le garage avec Glenda dans le coffre, les pneus émettent un bruit strident. Ce son a été échantillonné plus tard par Vangelis , qui l'a utilisé sur la chanson-titre de l' album de Jon et Vangelis, The Friends of Mr Cairo , paru en 1981 .

La majorité de la musique du film a été composée par Roy Budd , pianiste de jazz et compositeur, qui avait déjà travaillé sur les bandes sonores de Soldier Blue et Flight of the Doves . En plus de sa partition, Budd a également composé trois chansons : « Looking For Someone », « Love Is A Four Letter Word » (avec des paroles de Jack Fishman) et « Hallucinations ». Le thème (autrement connu sous le nom de « Carter Takes a Train »), le morceau le plus connu du film, a été joué par Budd et les autres membres de son trio de jazz, Jeff Clyne ( contrebasse ) et Chris Karan ( percussions ), et a été enregistré avec un budget de 450 £ (8 700 £ en 2024). Les musiciens ont enregistré la bande sonore en direct, directement sur l'image, en jouant avec le film. Pour économiser du temps et de l'argent, Budd n'a pas utilisé de surimpressions, jouant simultanément sur un vrai clavecin , un piano électrique Wurlitzer et un piano à queue . Budd a décrit l'expérience comme « inconfortable, mais elle semblait agréable ». La musique du générique reprend les sons du voyage en train du personnage de Londres à Newcastle.

Le thème est sorti en single vinyle 7" par Pye Records en 1971, intitulé simplement "Carter" et accompagné de "Plaything", un autre morceau composé pour la bande originale. Les exemplaires originaux du disque sont très recherchés par les collectionneurs et se vendent environ 100 £. La bande originale, comprenant des morceaux non utilisés dans le film, n'était à l'origine disponible dans son intégralité qu'au Japon, où elle est sortie sur Odeon Records . Elle est sortie au Royaume-Uni en 1998 par le label Cinephile, une filiale de Castle Communications . En 2012, le thème a été inclus dans la compilation de Soul Jazz Records British TV, Film and Library Composers .

Le film comprend d'autres musiques qui ne sont pas incluses dans la bande originale. La musique jouée dans la scène de la boîte de nuit est une reprise rythmée de la chanson de Willie Mitchell de 1969 "30-60-90" interprétée en direct par le Jack Hawkins Showband, qui était le groupe résident de la boîte de nuit Oxford Galleries. La ​​chanteuse de pub, jouée par Denea Wilde, interprète une reprise de " How About You ? " de Burton Lane et Ralph Freed , une chanson plus associée aux films glamour d'Hollywood qu'aux coulisses des pubs de Newcastle. Les Pelaw Hussars, un groupe de jazz local pour jeunes et une troupe de majorettes , apparaissent également et interprètent deux numéros, " When The Saints Go Marching In " et " Auld Lang Syne ".

La première mondiale de Get Carter a eu lieu à Los Angeles le 3 février 1971. Le film est finalement sorti en salle au Royaume-Uni le 10 mars 1971 et aux États-Unis le 18 mars, où il a été classé « X » pour violence et nudité féminine, ce qui signifie qu'il était réservé aux adultes. Il a ensuite été reclassé « R » , ce qui signifie que les enfants de moins de 17 ans devaient être accompagnés d'un adulte. Une version censurée est sortie en Allemagne de l'Ouest le 6 août 1971, avec une durée de neuf minutes plus courte que l'original. Michael Klinger a participé à la promotion du film au Royaume-Uni, utilisant l'expérience de son expérience de distributeur pour mener une forte campagne publicitaire. Des affiches teaser du film sont apparues sur le devant des bus à travers Londres, avec le slogan « Caine is Carter ».

L' affiche britannique originale avec des illustrations d' Arnaldo Putzu , comme de nombreuses affiches de films, présente des aspects ou des images qui diffèrent de la version finale à l'écran. Carter est représenté portant une veste fleurie voyante, par opposition à l'imperméable sombre et au costume en mohair qu'il porte dans le film. Interrogé en 2006, Putzu ne pouvait pas se souvenir de sa justification artistique pour peindre la veste fleurie, mais a déclaré qu'il peignait beaucoup de fleurs dans ses dessins à cette époque. Chibnall décrit l' imagerie du flower power comme « ce qui semble être une tentative désespérée et malavisée de suggérer le côté branché d'un genre qui était largement tombé en disgrâce ». Cependant, l'expert en affiches de cinéma Sim Branaghan a aimé son excentricité, la qualifiant de « ce genre de bizarrerie que l'on ne trouve pas de nos jours ». Jonny Trunk de Trunk Records , un aficionado de longue date du film et de son histoire, a observé que le motif floral de la veste de Carter est tiré du motif distinctif de l'oreiller et du drap assorti du lit dans la scène où Britt Ekland se tord nue en téléphonant à Jack. L'affiche place également le fusil de chasse de Carter dans les mains d'Eric et présente un homme et une femme aux prises qui semblent appartenir à un autre film. Il existe des plans promotionnels et des illustrations d'affiche du film montrant Carter tenant un fusil à pompe ; dans le film terminé, le seul fusil de chasse utilisé par Carter est un fusil à double canon, que Carter trouve au sommet de la garde-robe de son frère Frank.

MGM vendit les droits de distribution du film aux États-Unis à sa future filiale United Artists , qui en fit une promotion médiocre, craignant que le dialogue cockney de la scène d'ouverture ne soit inintelligible pour le public américain. La sortie du film fut retardée pendant que certaines parties du film étaient redoublées, sans grande amélioration. Au cours du processus de redoublage de l'ouverture, la version du film avec le dialogue original fut perdue. Pendant des années, la version diffusée à la télévision britannique était la version américaine redoublée. UA plaça le film sur le circuit déclinant des cinémas drive-in , où il fut diffusé en bas d'une double affiche avec Dirty Dingus Magee , un véhicule pour Frank Sinatra . Michael Klinger se plaignit en 1974 au président de UA Eric Pleskow de la promotion médiocre de Carter , et essaya de le convaincre de renoncer aux droits américains du film afin que Klinger puisse trouver un meilleur distributeur.

Le film n'a pas rencontré beaucoup de problèmes de censure, bien que la scène où Carter poignarde Albert Swift ait suscité des inquiétudes chez le censeur John Trevelyan . En Afrique du Sud, le censeur a coupé la scène de sexe au téléphone de Britt Ekland, raccourcissant ainsi son rôle déjà bref ; son nom est resté sur l'affiche, laissant les spectateurs se demander pourquoi elle était annoncée comme apparaissant.

Le regain d'intérêt des critiques et du public pour le film dans les années 1990 a conduit le British Film Institute (BFI) à publier une nouvelle copie du film en 1999. Il a travaillé avec Hodges pour restaurer le film, Hodges se procurant un autre jeu de négatifs du début original, qui ont été trouvés dans les archives de la BBC. L'équipe a ensuite collé le segment initial sur une copie de haute qualité du film. La réédition a été présentée en première au National Film Theatre et a été diffusée le 11 juin 1999, au Tyneside Cinema de Newcastle.

Le 16 mars 2022, le BFI a annoncé qu'il s'associerait à Warner Bros. et Warner Bros. Home Entertainment pour une réédition du film au BFI Southbank dans le cadre de son programme rétrospectif Return of the Outsider: The Films of Mike Hodges , qui s'est déroulé du 1er au 31 mai et comprenait divers événements en personne tels que « Mike Hodges in Conversation » le 3 mai ; cela a été suivi d'une large sortie dans les cinémas britanniques et irlandais le 27 mai. Cette sortie a utilisé une nouvelle restauration 4K du négatif de caméra original du film, qui a été approuvée par Hodges.

Chibnall a établi que le film a été diffusé sur LWT en 1976 et 1980 « dans une version expurgée » (qui a supprimé la scène de sexe au téléphone de Britt Ekland) et une fois sur Westward Television et sur Granada en août 1981, mais il n'a pas été diffusé à l'échelle nationale et dans son intégralité avant une diffusion de la BBC après le tournant en 1986. Il a finalement été publié sur les médias nationaux en 1993 par MGM/UA dans le cadre de sa « Elite Collection ». Chibnall dit « Il n'y avait aucune publicité suggérant qu'un événement important s'était produit. C'était simplement une partie du long processus d'exploitation du catalogue de MGM à l'approche de Noël ». Malgré cela, la sortie a reçu une critique cinq étoiles dans Empire , où il a été décrit comme « l'un des meilleurs films britanniques des années 70 ». Chibnall note « il n'a cependant pas trouvé sa place dans le top cinquante des vidéos de l'année d'Empire ». [ 80

Warner Bros. a réédité le film dans une édition spéciale sur DVD en octobre 2000 dans son format d'image original de 1,85:1 . Les extras comprenaient trois bandes-annonces : la bande-annonce internationale, une introduction de Michael Caine aux habitants de Newcastle et une troisième avec Roy Budd jouant le thème d'ouverture. Ce format a également été utilisé dans un coffret VHS de 2001 publié par Warner, qui comprenait Bullitt et Shaft . Le DVD comprenait également des commentaires de Caine, Hodges et Suschitzky, construits à partir d'entretiens séparés avec les trois. La bande-son était présentée en Dolby Digital mono 1.0 .

Le film a été inclus dans le coffret DVD « Movies That Matter – 70's Classics » de 2008 avec Deliverance et Dog Day Afternoon . Il est disponible dans la Warner Archive Collection sous forme de DVD-R Made on Demand (MOD) ou de téléchargement, avec les mêmes extras que la version de 2000, bien qu'avec seulement deux bandes-annonces et cette fois au format 16:9 .

Get Carter est sorti sur disque Blu-ray par Warner le 22 avril 2014. Cette version contient les mêmes bonus que le DVD en édition spéciale, mais en raison d'une erreur de fabrication, les pressages américains du disque utilisent la version américaine doublée de la séquence d'ouverture au lieu de l'audio originale. Ce changement a été reporté sur les pressages britanniques initiaux du disque, mais a été annulé plus tard suite à la réaction du public. Les pressages britanniques ultérieurs vendus par des points de vente tels qu'Amazon UK contiennent la piste audio originale.

BFI Video a publié sa restauration 4K de Get Carter le 1er août 2022 sur Blu-ray standard et Ultra HD ; les coffrets de deux disques comprennent les caractéristiques spéciales des précédentes versions multimédias à domicile du film, ainsi qu'un nouveau commentaire audio avec les critiques Kim Newman et Barry Forshaw , un morceau de musique isolé, des entretiens avec Hodges, le fondateur de Trunk Records, Jonny Trunk, l'actrice Petra Markham et le fils de Michael Klinger, Tony , le film documentaire de Philip Trevelyan de 1966 The Ship Hotel, Tyne Main , un livret contenant divers essais sur le film et d'autres accessoires, des cartes postales et une affiche recto-verso pour la restauration et une réplique de l'affiche originale du Royaume-Uni.

Sur Rotten Tomatoes , le film a un taux d'approbation de 87 % basé sur 38 critiques, avec une note moyenne de 7,50/10 ; le consensus critique du site se lit comme suit : « Sombrement divertissant et serré, Get Carter est une histoire de vengeance crue bien faite ». En 2003, Steve Chibnall a observé un grand déséquilibre entre les sexes dans les votes sur le film jusqu'en avril 2002, avec moins de 6 % des votes exprimés (où les électeurs ont donné leur sexe) par des femmes (53 sur 947). Il a également remarqué une augmentation substantielle du nombre de femmes votant pour le film au cours des huit mois précédant avril 2002.

Décrivant la réaction critique initiale au film, Steve Chibnall écrit : « La diffamation ou l'indifférence critique initiale établit les conditions dans lesquelles une secte peut s'épanouir. Get Carter a dû se contenter de l'ambivalence ». Il pense que la position générale des critiques britanniques « était d'admirer la puissance et le professionnalisme du film tout en condamnant son amoralité et sa violence excessive ». Geoff Mayer observe que « les critiques grand public de l'époque étaient consternés par l'intrigue complexe du film et le manque de remords de Carter ». Dans Sight and Sound , Tom Milne dit que le film est bien construit et a une bonne caractérisation, mais manque du mystère et du charisme des premiers films policiers américains qu'il tente d'imiter. Il trouve que les motivations de Carter sont incohérentes, soit comme un ange vengeur, soit comme un « anti-héros post-permissif authentique, se délectant du sadisme décontracté ».

En revanche, Nigel Andrews a trouvé que les personnages étaient des archétypes clichés du monde criminel, tels que le « chauffeur homosexuel, le magnat boursouflé, la maîtresse glamour », décrivant le film comme « superficiel ». Richard Weaver dans Films and Filming a loué le réalisme du film, le décrivant comme « le crime dans sa forme la plus flagrante », tandis que George Melly , écrivant dans The Observer, a avoué en avoir tiré un plaisir indirect, mais a admis que c'était « comme une bouteille de gin pur avalée avant le petit déjeuner. C'est enivrant, c'est vrai, mais ça ne vous fera aucun bien ».

Steve Chibnall écrit que « l'Amérique était plutôt plus habituée à la narration dure » et que les critiques là-bas étaient « plus préparés que la critique britannique à traiter Get Carter comme une œuvre sérieuse », Pauline Kael admirant son « absence d'âme calculée » et se demandant si cela signalait un « nouveau genre de méchanceté virtuose ». La ​​publication américaine Box Office a donné une critique prudemment approbatrice, décrivant le film comme « méchant, violent et sexy à la fois ». Il a prédit que « cela devrait plaire sur le marché de l'action, mais ne rapportera aucun laurier à Caine bien que son portrait de l'anti-héros vicieux impressionne ». Le critique a également estimé que « un montage plus serré aiderait considérablement ». Roger Ebert était moins réservé dans ses éloges, écrivant que « le film a une touche sûre ». Il a noté le « détail prolétarien » du film qui est « inhabituel dans un film policier britannique. Habituellement, nous avons tout le flash et aucune humanité, beaucoup de trucs fantaisistes de caméra mais aucune perception des couches criminelles de la société ». À propos de la performance de Caine, il a écrit : « Le personnage créé par Caine est particulièrement intéressant. Il est dur et impitoyable, mais très calme et chargé d'une terrible ironie ». Judith Crist dans le magazine New York a donné une critique élogieuse, disant que « Michael Caine est superbe, suave et sexy » et décrivant le film comme « un coup dur, méchant et satisfaisant de la vieille école de la technologie dure, fait en termes francs et contemporains ». Variety a également fait l'éloge du film, disant qu'il « maintient non seulement l'intérêt mais transmet avec un art, une retenue et une clarté rares les nombreux rebondissements brutaux, sordides et farfelus de l'intrigue ». Cependant, Jay Cocks, dans Time, a désobligé le film, le qualifiant de « film obstinément méchant » et le comparant défavorablement à Point Blank . Le film est apparu sur plusieurs listes de critiques américains des meilleurs films de l'année.

Dans la nécrologie de Michael Klinger parue dans The Guardian en 1989, Derek Malcolm se souvient du film comme étant « l'un des thrillers britanniques les plus formidables de son époque ».

Get Carter fut un succès financier et, selon Steve Chibnall, ses recettes au box-office furent « très respectables ». Lors de sa première semaine au cinéma ABC2 de Shaftesbury Avenue à Londres, il battit le record de recettes, en engrangeant 8 188 £. Il surpassa Up Pompeii , qui était projeté dans le plus grand cinéma ABC1. Il fit également de bons résultats lors de son transfert dans les cinémas ABC d' Edgware et de Fulham Road . Lors de sa sortie générale dans le nord de l'Angleterre, Chibnall note qu'il connut une « très bonne première semaine », avant qu'une vague de chaleur inhabituelle pour la saison ne nuise à la fréquentation des salles. Chibnall écrit que « de manière intéressante, bien que le ton pessimiste et peu sentimental [du film] soit désormais considéré comme exprimant l'humeur de son époque, le public du cinéma de masse préféra Love Story ( Arthur Hiller 1970), qui resta le film le plus populaire en Grande-Bretagne tout au long de la diffusion de Get Carter ». Il fut le sixième film « généraliste » le plus populaire au box-office britannique en 1971.

Au moment de sa sortie, la seule reconnaissance que le film a reçue était une nomination aux BAFTA Awards 1972 pour Ian Hendry en tant que meilleur acteur dans un second rôle . En 1999, Get Carter a été classé 16e dans le BFI Top 100 des films britanniques du XXe siècle ; cinq ans plus tard, une enquête auprès des critiques de cinéma britanniques dans le magazine Total Film l'a choisi comme le plus grand film britannique de tous les temps. En 2008, le film a été placé à la 225e place de la liste des 500 meilleurs films de tous les temps d' Empire , qui a été sélectionnée par plus de 10 000 lecteurs d'Empire , 150 cinéastes et 50 critiques de cinéma. En octobre 2010, les critiques du journal The Guardian ont placé le film sur leur liste des « plus grands films de tous les temps », le plaçant au numéro 7 des 25 plus grands films policiers. Dans le sondage d'accompagnement mené auprès des lecteurs du Guardian , il a été élu cinquième. En 2011, Time Out London a placé le film à la 32e place de sa liste des 100 meilleurs films britanniques , qui a été sélectionnée par un panel de 150 experts de l'industrie cinématographique.

En 1972, MGM sort le film de blaxploitation Hit Man , écrit et réalisé par George Armitage et produit par Gene Corman ; le générique du film identifie Jack's Return Home de Lewis comme sa base. C'était la deuxième fois que Corman produisait un film de blaxploitation basé sur un roman qui avait déjà été adapté au cinéma, après Cool Breeze (1972), la quatrième adaptation de The Asphalt Jungle de W. R. Burnett . Cependant, Hodges et les critiques ont identifié Hit Man comme un remake de Get Carter , transposant l'action de Newcastle à Los Angeles . Le film met en vedette Bernie Casey dans le rôle de Tyrone Tackett, le pendant de l'histoire de Jack Carter, tandis que Glenda est réimaginée en Gozelda, une « star de cinéma sensuelle » interprétée par Pam Grier . a révélé qu'il n'avait pas vu Get Carter au moment où il travaillait sur le film, et que Corman lui avait donné une copie sans titre du script de Hodges, lui demandant de le réécrire dans un contexte afro-américain ; il n'a pas appris que le film était basé sur Get Carter jusqu'à ce qu'il en soit informé par son agent. Alors que les films partagent plusieurs détails d'intrigue et traitement, comme un sniper visant Carter/Tackett sur une plage rocheuse, Man comprend plusieurs divergences par rapport à Carter , y compris une scène dans laquelle Gozelda est mutilée à mort par des tigres, ne se termine pas avec la mort du personnage principal. et Klinger ont été exaspérés par la décision de MGM de refaire le film, car ils considéraient Hit Man comme inférieur à Get Carter ; Lewis a affirmé plus tard qu'il n'avait jamais reçu de redevances de Hit Man . Le film a été publié par Warner Archive Collection en tant que DVD-R MOD le 4 mai 2010.

Warner Bros., qui détient les droits sur la bibliothèque MGM d'avant 1986, a produit un autre remake de Get Carter en 2000 sous le même titre , avec Sylvester Stallone dans le rôle de Jack Carter. Initialement annoncé en 1997, Tarsem Singh et Samuel Bayer étaient considérés pour réaliser le film avant que Stephen Kay ne signe, avec David McKenna pour écrire le scénario. Comme pour Hit Man , le film a crédité Jack's Return Home de Ted Lewis comme source, et non le film de Hodges, et il contient encore une fois des scènes directement empruntées à l'original, comme le trajet en train d'ouverture. Michael Caine apparaît dans le rôle de Cliff Brumby, dans ce qu'Elvis Mitchell a décrit comme « un rôle qui augmentera le respect pour l'original », spéculant que « c'était peut-être son intention ». Mickey Rourke joue le méchant Cyrus Paice. Le remake a été comparé défavorablement à l'original par la majorité des critiques. L'opinion générale des critiques sur Rotten Tomatoes était qu'il s'agissait d'un « remake qui n'approche pas le standard de l'original, Get Carter laissera probablement les spectateurs confus et insatisfaits. De plus, les critiques sont mitigées concernant le jeu d'acteur de Stallone ». Il a été si mal reçu lors de sa sortie aux États-Unis que Warner Bros. a décidé de ne pas le sortir au Royaume-Uni, anticipant que le film serait fustigé par les critiques et les fans britanniques. Elvis Mitchell dans le New York Times a écrit « c'est tellement minimaliste que non seulement il manque de sous-texte ou de contexte, mais c'est aussi peut-être le premier film au monde sans même un texte ». Mike Hodges a déclaré en 2003 qu'il n'avait toujours pas vu le remake, mais qu'un ami lui avait dit qu'il était « indescriptible ». Son fils lui a rapporté un DVD du film de Hong Kong et il a essayé de le regarder, mais le format régional était incompatible « alors nous l'avons mis à la poubelle ». Le film a été élu pire remake de tous les temps en 2004 par les utilisateurs du site de location de DVD britannique ScreenSelect (précurseur de Lovefilm ). Le 13 février 2001, le remake est sorti sur DVD de la région 1 par Warner Bros. Home Entertainment.

Tom Cox écrit que de nombreux cinéastes britanniques « ont volé à Hodges sans égaler le côté froid et réaliste » de Get Carter . Des films tels que The Long Good Friday , Face , Stock et Two Smoking Barrels s'inspirent du plan directeur du film. Le film de Steven Soderbergh de 1999 The Limey est un hommage à Get Carter et à d'autres films de gangsters britanniques, et contient des éléments d'intrigue et des thèmes similaires de vengeance, de famille et de corruption. Soderbergh a déclaré qu'il envisageait The Limey comme « Get Carter fait par Alain Resnais ». Le film de Shane Meadows Dead Man's Shoes a également été comparé à Get Carter , étant également une histoire de gangsters vengeurs se déroulant dans une ville de province anglaise. L'équipe de production de la série télévisée Life on Mars a également cité Get Carter comme l'une de leurs influences pour le programme.

La musique du film a également connu un regain de popularité, car elle a puisé dans l'intérêt des années 1990 pour les bandes sonores de films vintage. Adrian Utley de Portishead a expliqué qu'ils ont trouvé la musique de Get Carter inspirante parce qu'elle « a été réalisée rapidement et à moindre coût avec seulement quelques instruments, et qu'elle devait être intensément créative pour dissimuler ses limites ». L' album Dare de Human League de 1981 contient un morceau reprenant le thème de Get Carter , bien qu'il ne s'agisse que d'une version du leitmotiv épuré qui ouvre et ferme le film par opposition au morceau de jazz pur et dur qui accompagne le voyage en train. Stereolab reprend également le thème de Roy Budd sur leur album de compilation de 1998 Aluminum Tunes , bien qu'ils appellent leur version « Get Carter », par opposition à son titre approprié, « Main Theme (Carter Takes A Train) ». Cette version de Stereolab a ensuite été utilisée comme échantillon dans la chanson "Got Carter" de 76. Le groupe de rock finlandais Laika & the Cosmonauts reprend le thème du film sur leur album The Amazing Colossal Band de 1995. BB Davis & the Red Orchidstra ont sorti une version du thème du film en 1999. Jah Wobble a produit une version dub de la chanson en 2009. Wobble était depuis longtemps un fan de la ligne de basse du morceau, déclarant dans une interview de 2004 avec The Independent que "il y a des lignes de basse qui contiennent tout le mystère de la création en elles".