Proscenium

Un proscenium ( ‹Voir Tfd› grec : προσκήνιον , proskḗnion ) est le plan vertical métaphorique de l'espace dans un théâtre , généralement entouré en haut et sur les côtés par un arc de proscenium physique (qu'il soit ou non véritablement « voûté ») et en bas par le sol de la scène lui-même, qui sert de cadre dans lequel le public observe sous un angle plus ou moins unifié les événements qui se déroulent sur la scène pendant une représentation théâtrale. Le concept du quatrième mur de l'espace scénique du théâtre qui fait face au public est essentiellement le même.

On peut le considérer comme une construction sociale qui sépare les acteurs et leur univers scénique du public venu en être témoin. Mais comme le rideau tombe généralement juste derrière l'arc de scène, il a une réalité physique lorsque le rideau est baissé, cachant la scène à la vue. Le même plan comprend également la chute, dans les théâtres traditionnels des temps modernes, du niveau de la scène au niveau des "parterres" du public, qui était la signification originelle du proscaenium dans les théâtres romains , où cette mini-façade avait plus d'importance architecturale que dans les théâtres modernes. Une scène à l'italienne est structurellement différente d'une scène en saillie ou d'une scène d'arène , comme expliqué ci-dessous.

Dans les théâtres grecs hellénistiques ultérieurs, le proskenion (προσκήνιον) était une scène surélevée plutôt étroite où les acteurs solistes se produisaient, tandis que le chœur et les musiciens grecs restaient dans l'« orchestre » devant et en dessous, et il y avait souvent d'autres zones pour jouer au-dessus et derrière le proskenion, sur et derrière le skene . Skene est le mot grec (qui signifie « tente ») pour la tente, et plus tard le bâtiment, à l'arrière de la scène par laquelle les acteurs entraient, et qui soutenait souvent des décors peints. À l'époque hellénistique, il est devenu une structure en pierre de plus en plus grande et élaborée, souvent à trois étages. Dans le théâtre grec, qui, contrairement au théâtre romain, comprenait des décors peints, le proskenion pouvait également porter des décors.

Dans la Rome antique, la zone scénique devant le scaenae frons (équivalent du skene grec) était connue sous le nom de pulpitum , et la façade verticale descendant de la scène jusqu'au sol de l' orchestre , souvent en pierre et décorée, sous le nom de proscaenium , signifiant encore une fois « devant le skene ».

Dans les théâtres grecs et romains, il n'existait pas d'arc de scène au sens moderne du terme et l'espace de jeu était toujours entièrement visible par le public. Cependant, les théâtres romains étaient similaires aux théâtres à l'italienne modernes dans le sens où l'ensemble du public avait un éventail de vues restreint sur la scène, toutes depuis l'avant plutôt que depuis les côtés ou l'arrière.

Le plus ancien théâtre couvert de l'ère moderne, le Teatro Olimpico de Vicence (1585), est parfois considéré à tort comme le premier exemple de théâtre à l'italienne. Le Teatro Olimpico était une reconstruction académique d'un théâtre romain. Il possède un proscaenium simple à l'avant de la scène, descendant jusqu'au niveau de l'orchestre , contenant généralement des sièges en "parterre", mais pas d'arc de scène.

Cependant, la réplique exacte de la scène romaine ouverte et accessible du Teatro Olimpico était l'exception plutôt que la règle dans la conception des théâtres du XVIe siècle. Des gravures suggèrent que l'arc de scène était déjà utilisé dès 1560 lors d'une production à Sienne .

Le plus ancien véritable arc de scène à avoir survécu dans un théâtre permanent est le Théâtre Farnèse de Parme (1618), de nombreux théâtres antérieurs de ce type ayant disparu. Parme possède une « boccascena » clairement définie, ou bouche de scène, comme l'appellent les Italiens, qui ressemble plus à un cadre de tableau qu'à un arc mais qui a le même but : délimiter la scène et séparer le public de son action.

Alors que l'arc de scène est devenu un élément important du théâtre européen traditionnel, devenant souvent très grand et élaboré, la façade originale du proscaenium sous la scène est devenue plus simple.

L'introduction d'une fosse d'orchestre pour les musiciens à l' époque baroque a encore dévalué le proscaenium , en déplaçant le niveau le plus bas de la vue du public vers l'avant de la fosse, où une barrière, généralement en bois, masquait la fosse. Ce que les Romains auraient appelé le proscaenium est, dans les théâtres modernes dotés de fosses d'orchestre, normalement peint en noir afin de ne pas attirer l'attention.

Dans cette reconstitution d'un théâtre romain datant de l'époque moderne, une confusion semble avoir été introduite dans l'utilisation du terme réactualisé en italien. Cette émulation du modèle romain s'est étendue à la référence à la scène comme le « proscenium », et certains auteurs ont fait référence à tort au scaenae frons du théâtre comme un proscenium, et ont même suggéré que l'arcade centrale au milieu du scaenae frons a inspiré le développement ultérieur de l'arc de proscenium grandeur nature. Il n'y a aucune preuve du tout de cette hypothèse (en effet, les illustrations contemporaines des représentations au Teatro Olimpico montrent clairement que l'action se déroulait devant le scaenae frons et que les acteurs étaient rarement encadrés par l'arcade centrale).

Le mot italien pour un frons scaenae est « proscenio », un changement majeur par rapport au latin. Un traducteur moderne explique le problème de formulation qui se pose ici : « [Dans cette traduction de l'italien,] nous conservons le proscenio italien dans le texte ; il ne peut pas être rendu par proscenium pour des raisons évidentes ; et il n'y a pas d'équivalent en anglais... Il serait également possible de conserver le classique frons scaenae . L'« arco scenico » italien a été traduit par « proscenium arch »

En pratique, la scène du Teatro Olimpico s'étend d'un bord à l'autre de la zone des sièges, et seul un effet de cadrage très limité est créé par le plafond à caissons au-dessus de la scène et par les cloisons aux coins de la scène où la zone des sièges touche au plancher. Le résultat est que dans ce théâtre « les espaces architecturaux pour le public et l'action... sont distincts dans leur traitement mais unis par leur juxtaposition ; aucun arc de scène ne les sépare. »

Un arc de scène crée une « fenêtre » autour du décor et des artistes. L'avantage est qu'il offre à tous les spectateurs une bonne vue, car les artistes n'ont besoin de se concentrer que sur une seule direction plutôt que de se déplacer continuellement sur la scène pour avoir une bonne vue de tous les côtés. Un aménagement de théâtre à l'italienne simplifie également la dissimulation et l'obscurcissement des objets de la vue du public (décors, artistes qui ne jouent pas actuellement et technologie du théâtre). Tout ce qui n'est pas censé être vu est simplement placé à l'extérieur de la « fenêtre » créée par l'arc de scène, soit dans les coulisses, soit dans l' espace de vol au-dessus de la scène. L'expression « briser l'arc de scène » ou « briser le quatrième mur » fait référence au moment où un artiste s'adresse directement au public dans le cadre de la production dramatique.

Les théâtres à l'italienne sont tombés en désuétude dans certains cercles théâtraux parce qu'ils perpétuent le concept du quatrième mur. La mise en scène dans les théâtres à l'italienne implique souvent que les personnages qui jouent sur scène le font dans un environnement à quatre murs, le « mur » faisant face au public étant invisible. De nombreux théâtres modernes tentent de se débarrasser du concept du quatrième mur et sont donc conçus avec une scène en saillie qui dépasse de l'arche de l'italienne et « atteint » le public (techniquement, on peut toujours parler de théâtre à l'italienne car il contient toujours une arche de l'italienne, mais le terme de scène en saillie est plus spécifique et plus largement utilisé).

Dans l'histoire de la danse , l'utilisation de l'arc de scène a eu des répercussions différentes sur la danse. Avant l'utilisation de l'arc de scène, les premiers ballets de cour se déroulaient dans de grandes salles où les spectateurs étaient assis autour et au-dessus de l'espace de danse. Les interprètes, souvent dirigés par la reine ou le roi, se concentraient sur des figures symétriques et des motifs à signification symbolique. Les motifs chorégraphiques du ballet étaient en train de naître. De plus, la danse étant considérée comme un moyen de socialisation, la plupart des ballets de cour se terminaient par un « grand ballet » suivi d'un bal au cours duquel les spectateurs se joignaient à la représentation.

Plus tard, l'utilisation de la scène à l'italienne pour les représentations a permis de séparer le public des interprètes. Par conséquent, on accordait plus d'importance aux interprètes et à ce qui se passait dans le « spectacle ». C'était le début de la danse-performance comme forme de divertissement telle que nous la connaissons aujourd'hui. Depuis l'utilisation de la scène à l'italienne, les danses se sont développées et ont évolué vers des figures, des motifs et des mouvements plus complexes. À ce stade, il était non seulement très important de savoir comment les interprètes parvenaient à une certaine forme sur la scène pendant une représentation, mais aussi avec quelle grâce ils exécutaient leur tâche. De plus, ces scènes permettaient l'utilisation d'effets scéniques générés par des machines ingénieuses. C'était le début de la conception de la scénographie, et c'était peut-être aussi l'origine de l'utilisation du personnel des coulisses ou des « machinistes de scène ».

• Traverse de scène : La scène est entourée sur deux côtés par le public.
• Scène à l'italienne : La scène est entourée sur trois côtés (ou 270°) par le public. Il peut s'agir d'une variante de la scène à l'italienne. Parfois appelée "trois quarts de rond". Également appelée scène à tablier.
• Théâtre en rond : La scène est entourée de tous côtés par le public.
• Théâtre boîte noire : Le théâtre est une grande salle rectangulaire aux murs noirs et au sol plat. Les sièges sont généralement composés de chaises amovibles sur des plateformes, qui peuvent être facilement déplacées ou retirées pour permettre à l'ensemble de l'espace de s'adapter aux éléments artistiques d'une production.
• Théâtre in situ (également appelé théâtre environnemental) : la scène et le public se mélangent ou se répartissent en sections nombreuses ou de formes étranges. Comprend toute forme de mise en scène qui n'est pas facilement classable dans les catégories ci-dessus.