Worldlex Wiki Une culture théâtrale florissante s'est développée dans la Grèce antique à partir de 700 av. J.-C. Son centre névralgique était la cité-État d' Athènes , qui devint un pôle culturel, politique et religieux majeur durant cette période. Le théâtre y fut institutionnalisé dans le cadre des Dionysies , un festival dédié au dieu Dionysos . La tragédie (fin du 500 av. J.-C.), la comédie (490 av. J.-C.) et le drame satyrique furent les trois genres dramatiques qui y émergèrent. Athènes diffusa ensuite ce festival dans ses nombreuses colonies. Le théâtre occidental moderne est largement issu du théâtre de la Grèce antique , dont il emprunte la terminologie technique, la classification en genres, ainsi que nombre de ses thèmes , personnages types et éléments d'intrigue.
Origines
Les Grecs de l'Antiquité accordaient une grande valeur au pouvoir de la parole, qui constituait leur principal mode de communication et de transmission des récits. Bahn et Bahn écrivent : « Pour les Grecs, la parole était vivante et infiniment préférable aux symboles inertes d'une langue écrite. » Socrate lui-même pensait qu'une fois écrite, une information perdait sa capacité d'évolution et de développement. C'est pour ces raisons, parmi tant d'autres, que la tradition orale a connu un essor considérable en Grèce.
La tragédie grecque , telle qu'on la connaît, est née à Athènes vers 532 av. J.-C., avec Thespis comme premier acteur recensé. Vainqueur du premier concours théâtral athénien, il fut en Attique et dans ses environs, notamment aux Dionysies rurales . À l'époque de , le dithyrambe s'était considérablement éloigné de ses origines cultuelles. Sous l'influence de l'épopée héroïque, du lyrisme choral dorien et des innovations du poète Arion , il était devenu un genre narratif proche de la ballade. C'est pourquoi Thespis est souvent considéré comme l'« inventeur de la tragédie » ; toutefois, son importance est sujette à controverse, et il est parfois classé jusqu'au 16e rang dans l'ordre chronologique des tragédiens grecs. L’homme d’État Solon , par exemple, est crédité de la création de poèmes dans lesquels les personnages parlent de leur propre voix, et les représentations orales des épopées d’ Homère par des rhapsodes étaient populaires lors des festivals avant 534 av. J.-C. Ainsi, la véritable contribution de Thespis au théâtre est pour le moins obscure, mais son nom a perduré plus longtemps en anglais comme terme courant pour désigner un interprète, c’est-à-dire un « thespian ».
Les représentations théâtrales revêtaient une grande importance pour les Athéniens, comme en témoigne la création d'un concours et d'un festival de tragédie lors des Grandes Dionysies urbaines . Ce festival fut probablement organisé pour renforcer la loyauté des tribus de l'Attique (récemment fondées par Clisthène ). Il fut institué aux alentours de 508 av. J.-C. Bien qu'aucun texte dramatique ne subsiste du VIe siècle av. J.-C., on connaît les noms de trois concurrents, outre Thespis : Choerilos, Pratinas et Phrynichos . Chacun d'eux est à l'origine d'innovations différentes dans le domaine.
On connaît quelques informations sur Phrynichus. Il remporta son premier concours entre 511 et 508 av. J.-C. Il composa des tragédies sur des thèmes et des sujets qui furent plus tard exploités à l' âge d'or, tels que les Danaïdes , les Phéniciennes et Alceste . Il est le premier poète connu à avoir utilisé un sujet historique : sa pièce La Chute de Milet , composée en 493-492, relate le destin de la ville de Milet après sa conquête par les Perses. Hérodote rapporte que « les Athéniens manifestèrent leur profond chagrin pour la prise de Milet de diverses manières, mais surtout de celle-ci : lorsque Phrynichus écrivit et représenta une pièce intitulée La Chute de Milet , tout le théâtre se mit à pleurer ; ils infligèrent à Phrynichus une amende de mille drachmes pour avoir évoqué un malheur qui les avait tant touchés et interdirent à jamais la représentation de cette pièce. » On pense également qu'il est le premier à avoir utilisé des personnages féminins (mais pas d'actrices).
Jusqu'à l' époque hellénistique , toutes les tragédies étaient des œuvres uniques écrites en l'honneur de Dionysos et jouées une seule fois ; ce qui nous est parvenu aujourd'hui, ce sont principalement les œuvres dont on se souvenait suffisamment bien pour les avoir rejouées lorsque la répétition des anciennes tragédies devint à la mode (les aléas de la conservation, ainsi que les goûts subjectifs des bibliothécaires hellénistiques plus tard dans l'histoire grecque, ont également joué un rôle dans ce qui a survécu de cette période).
Nouvelles inventions durant l'Antiquité
Après la destruction d'Athènes par les Achéménides en 480 av. J.-C., la ville et l'acropole furent reconstruites, et le théâtre se formalisa, devenant un élément encore plus important de la culture et de la fierté civique athéniennes. Ce siècle est généralement considéré comme l'âge d'or du théâtre grec. Le point d'orgue des Dionysies annuelles , qui se déroulaient une fois en hiver et une fois au printemps, était un concours entre trois dramaturges tragiques au théâtre de Dionysos . Chacun présentait trois tragédies, ainsi qu'une pièce satyrique (une version comique et burlesque d'un sujet mythologique). À partir d'un premier concours en 486 av. J.-C., chaque dramaturge présenta également une comédie. Aristote affirmait qu'Eschyle avait ajouté le deuxième acteur ( le deutéragoniste ) et que Sophocle avait introduit le troisième ( le tritagoniste ). D'après ce que l'on sait du théâtre grec, les dramaturges grecs n'ont jamais utilisé plus de trois acteurs.
La tragédie et la comédie étaient considérées comme deux genres totalement distincts, et aucune pièce ne mêlait les deux. Les drames satyriques abordaient les thèmes mythologiques des tragédies, mais sur un ton purement comique.
période hellénistique
La puissance d'Athènes déclina après sa défaite face à Sparte lors de la guerre du Péloponnèse . Dès lors, le théâtre recommença à jouer d'anciennes tragédies. Bien que ses traditions théâtrales aient semblé perdre de leur vigueur, le théâtre grec perdura durant la période hellénistique (celle qui suivit les conquêtes d' Alexandre le Grand au IVe siècle avant J.-C.).
La forme théâtrale hellénistique dominante n'était pas la tragédie, mais la Nouvelle Comédie , composée d'épisodes comiques relatant la vie des citoyens ordinaires. Ménandre est le seul dramaturge de cette période qui nous soit parvenu . L'une des contributions majeures de la Nouvelle Comédie fut son influence sur la comédie romaine, influence perceptible dans les œuvres de Plaute et de Térence qui nous sont parvenues .
Architecture
La plupart des cités grecques antiques étaient situées sur ou près de collines ; les gradins étaient donc généralement aménagés à flanc de colline, créant ainsi une tribune naturelle appelée chœur de 12 à 15 personnes interprétait des pièces en vers accompagnées de musique. De hautes entrées voûtées, appelées parodoi ou eisodoi , permettaient aux acteurs et aux choristes d’entrer et de sortir de l’orchestre. Dans certains théâtres, derrière l’orchestre se trouvait un décor ou mur scénique appelé Le skené (dont dérive le mot « scène »), suspendu ou dressé derrière l'orchestre et servant également de vestiaire aux acteurs. Après 425 av. J.-C., un mur de scène en pierre, appelé cadre de scène actuel . L'étage supérieur était appelé fronton avec la scène en pierre solidifiée postérieure.
Orchestre
L'orchestre était une estrade circulaire située au pied du théâtre où se produisaient le chœur et les acteurs ; le mot signifie « espace de danse », car le chœur dansait également à l'origine. Initialement à même le sol, le théâtre grec intégra plus tard une scène surélevée pour une meilleure visibilité. Cette pratique se généralisa après l'avènement de la « Nouvelle Comédie », qui privilégiait la représentation dramatique des personnages. Le coryphée était le chef du chœur, capable d'intervenir dans l'histoire et d'interagir avec les autres personnages. Les représentations commençaient souvent le matin et se prolongeaient jusqu'au soir.
Acoustique
Ces théâtres étaient construits à grande échelle pour accueillir un grand nombre d'artistes sur scène et de spectateurs – jusqu'à quatorze mille . La physique et les mathématiques ont joué un rôle primordial dans leur construction, car leurs concepteurs devaient être capables de créer une acoustique permettant d'entendre la voix des acteurs dans toute la salle, même au dernier rang. La compréhension de l'acoustique par les Grecs est tout à fait comparable aux connaissances actuelles .mechane , une grue pour soulever un acteur afin de représenter le vol (donc, deus ex machina )
Masques
Masques
Le terme grec ancien désignant un masque est prosopon (littéralement « visage »), et constituait un élément important du culte de Dionysos à Athènes , probablement utilisé lors de rites et de célébrations. De nombreux masques servaient à vénérer la puissance supérieure, les dieux, ce qui leur conférait une grande importance religieuse. La plupart des témoignages proviennent de quelques vases peints du Ve siècle avant J.-C., comme celui représentant un masque du dieu suspendu à un arbre, une robe ornée pendant en dessous, et des danses, ainsi que le vase Pronomos , qui représente des acteurs se préparant pour une pièce de satyre . Aucun vestige matériel ne nous est parvenu, car les masques étaient fabriqués à partir de matériaux organiques et n'étaient pas considérés comme des objets permanents, mais plutôt comme des offrandes déposées sur l'autel de Dionysos après les représentations. Néanmoins, on sait que le masque était utilisé depuis l'époque d' Eschyle et il est considéré comme l'une des conventions emblématiques du théâtre grec classique.
Des masques étaient également confectionnés pour les membres du chœur, qui participent à l'action et commentent les événements auxquels ils sont impliqués. Bien que le chœur tragique compte douze ou quinze membres, ils portent tous le même masque car ils sont considérés comme représentant un seul et même personnage.
Les masques stylisés de comédie et de tragédie, dont l'origine serait liée au théâtre grec antique, en sont venus à symboliser largement les arts du spectacle en général.
Détails du masque
Les illustrations de masques de théâtre du Ve siècle présentent des masques en forme de casque, couvrant l'intégralité du visage et de la tête, avec des ouvertures pour les yeux et une petite ouverture pour la bouche, et une perruque intégrée. Ces peintures ne montrent jamais les acteurs portant leurs masques pendant la représentation. On les voit le plus souvent manipulés par les acteurs avant ou après une représentation. Ceci illustre comment le masque devait se fondre dans le visage et permettre à l'acteur de se confondre avec son rôle. En effet, le masque transformait l'acteur autant que la mémorisation du texte. Ainsi, dans la Grèce antique, la représentation théâtrale ne faisait pas de distinction entre l'acteur masqué et le personnage.
Les fabricants de masques étaient appelés skeuopoios, ou « fabricants d'accessoires », ce qui suggère que leur rôle englobait de multiples tâches. Les masques étaient probablement confectionnés à partir de matériaux organiques légers comme le lin raidi, le cuir, le bois ou le liège, la perruque étant composée de cheveux humains ou animaux. En raison des restrictions visuelles imposées par ces masques, il était impératif que les acteurs entendent pour s'orienter et garder l'équilibre. Ainsi, on pense que les oreilles étaient recouvertes d'une épaisse chevelure et non par le masque-casque lui-même. L'ouverture de la bouche était relativement petite, empêchant ainsi la bouche d'être visible pendant les représentations. Vervain et Wiles avancent que cette petite taille réfute l'idée que le masque fonctionnait comme un mégaphone, comme cela a été initialement présenté dans les années 1960. Le fabricant de masques grec Thanos Vovolis suggère que le masque sert de résonateur pour la tête, améliorant ainsi l'acoustique vocale et modifiant le timbre de la voix. Ceci conduit à une énergie et une présence accrues, permettant une métamorphose plus complète de l'acteur en son personnage.
Fonctions du masque
Dans un grand théâtre à ciel ouvert, comme le théâtre de Dionysos à Athènes , les masques classiques parvenaient à susciter une terreur chez le public, provoquant une panique générale, notamment grâce à leurs traits et expressions faciales fortement exagérés. Ils permettaient à un acteur d'incarner et de réapparaître dans plusieurs rôles différents, empêchant ainsi le public de l'associer à un personnage précis. Leurs variations aidaient le public à distinguer le sexe, l'âge et le statut social, tout en révélant un changement d'apparence chez un personnage particulier, par exemple Œdipe après s'être aveuglé. Des masques uniques étaient également créés pour des personnages et des événements spécifiques d'une pièce, tels que les Furies dans les Euménides d' Eschyle et Penthée et Cadmos dans Les Bacchantes d' Euripide . Portés par le chœur, les masques créaient un sentiment d'unité et d'uniformité, tout en représentant une entité polyphonique ou un organisme unique, et en encourageant simultanément l'interdépendance et une sensibilité accrue entre les membres du groupe. Seuls deux ou trois acteurs étaient autorisés sur scène simultanément, et les masques permettaient des transitions rapides d'un personnage à l'autre. Il n'y avait que des acteurs masculins, mais les masques leur permettaient d'interpréter des personnages féminins.
La méthode moderne d’interprétation d’un rôle par l’alternance entre quelques personnages simples remonte au changement de masques dans le théâtre de la Grèce antique.
Autres détails du costume
Dans ces pièces, les acteurs interprétant des rôles tragiques portaient des bottes appelées cothurnus (ou cothurnes ), ce qui les surélevait par rapport aux autres acteurs. Les acteurs jouant des rôles comiques, quant à eux, ne portaient qu'une chaussure à semelle fine appelée soccus ou chaussette. C'est pourquoi l'art dramatique est parfois qualifié de « théâtre de chaussettes et de cothurnes ».
Les acteurs masculins interprétant des rôles féminins portaient une prothèse en bois sur la poitrine ( posternada ) pour imiter l'apparence des seins et une autre sur le ventre ( progastreda ) pour adoucir leurs traits et leur donner une apparence plus féminine. Ils portaient également des collants blancs sous leurs costumes pour éclaircir leur teint.
La plupart des détails concernant les costumes proviennent de peintures sur céramique de l'époque, car les costumes et les masques étaient fabriqués à partir de matériaux jetables ; il ne reste donc que très peu, voire aucun vestige, de costumes de cette période. La principale source d'information est le vase Pronomos, sur lequel les acteurs étaient peints lors des fêtes suivant les représentations.
Les costumes permettaient d'exprimer la personnalité des personnages, notamment leur sexe, leur âge, leur statut social et leur classe. Par exemple, les personnages de haute condition portaient des vêtements plus élégants, même si tous les acteurs étaient vêtus avec soin. Contrairement à une idée reçue, ils ne se contentaient pas de haillons et de sandales pour impressionner. Parmi les costumes du théâtre grec, on peut citer les longues robes appelées chitons , qui descendaient jusqu'au sol, portées par les acteurs incarnant les dieux, les héros et les vieillards. Les actrices interprétant les déesses et les femmes de pouvoir portaient des tenues pourpres et or. Les reines et les princesses arboraient de longs manteaux traînant sur le sol, ornés d'étoiles d'or et autres pierres précieuses, tandis que les guerriers étaient vêtus d'armures variées et coiffés de casques ornés de plumes. Les costumes devaient être colorés et bien visibles de tous les spectateurs.
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