expressionnisme abstrait

Les années 1940 à New York ont ​​marqué le triomphe de l'expressionnisme abstrait américain, un mouvement moderniste qui puisait ses enseignements chez Matisse, Picasso, le surréalisme, Miró , le cubisme , le fauvisme et les premiers mouvements modernistes, grâce à l'influence de pédagogues américains de renom, tels que l'Allemand Hans Hofmann et l'Ukrainien John D. Graham. L'influence de Graham sur l'art américain du début des années 1940 fut particulièrement visible dans l'œuvre d'artistes comme Gorky, de Kooning, Pollock et Richard Pousette-Dart . L'apport de Gorky à l'art américain et mondial est inestimable. Son œuvre, en tant qu'abstraction lyrique , constituait un « nouveau langage » . Il a « ouvert la voie à deux générations d'artistes américains » . La spontanéité picturale d'œuvres de maturité telles que Le Foie est la crête du coq , Les Fiançailles II et Un an l'asclépiade a immédiatement préfiguré l'expressionnisme abstrait, et les figures de proue de l' École de New York ont ​​reconnu l'influence considérable de Gorki. Les premières œuvres d' Hyman Bloom ont également exercé une influence significative . Les artistes américains ont aussi bénéficié de la présence de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst et du groupe d'André Breton , de la galerie de Pierre Matisse et de la galerie The Art of This Century de Peggy Guggenheim , ainsi que d'autres facteurs. Hans Hofmann, en particulier, en tant que professeur, mentor et artiste, a joué un rôle important et déterminant dans le développement et le succès de l'expressionnisme abstrait aux États-Unis. Parmi les protégés de Hofmann figurait Clement Greenberg , qui devint une voix extrêmement influente dans le domaine de la peinture américaine, et parmi ses élèves se trouvait Lee Krasner , qui présenta son professeur, Hofmann, à son mari, Jackson Pollock.l'art contemporain qui lui a succédé. Pollock avait compris que le processus de création d'une œuvre d'art était aussi important que l'œuvre elle-même. À l'instar des réinventions novatrices de la peinture et de la sculpture par Picasso au tournant du siècle, à travers le cubisme et la sculpture construite, et influencé par des formes aussi diverses que les peintures de sable navajos , le surréalisme, la psychanalyse jungienne et l'art mural mexicain , Pollock a redéfini la notion même de création artistique. Son abandon de la peinture de chevalet et des conventions a été un signal libérateur pour les artistes de son époque et pour tous ceux qui ont suivi. Les artistes ont réalisé que le processus de Jackson Pollock – la pose d' une toile brute non tendue au sol, où elle pouvait être travaillée de tous côtés avec des matériaux d'artiste et des matériaux industriels ; des coulées et des projections de peinture linéaires ; le dessin, la teinture, le brossage ; l'imagerie et l'absence d'imagerie – a fondamentalement repoussé les limites de la création artistique. L'expressionnisme abstrait a, de manière générale, élargi et développé les définitions et les possibilités dont disposaient les artistes pour la création de nouvelles œuvres d'art.

Après la percée de Pollock, les autres expressionnistes abstraits ont chacun apporté leur propre contribution. En un sens, les innovations de Pollock, de Kooning , Franz Kline , Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Richard Pousette-Dart , Robert Motherwell , Peter Voulkos et d'autres encore ont ouvert la voie à la diversité et à l'ampleur de tout l'art qui leur a succédé. Les mouvements anti-formalistes radicaux des années 1960 et 1970, tels que Fluxus , le néo-dada , l'art conceptuel et le mouvement féministe , trouvent leur origine dans les innovations de l'expressionnisme abstrait. Les relectures de l'art abstrait, entreprises par des historiennes de l'art telles que Linda Nochlin , Griselda Pollock et Catherine de Zegher , démontrent de manière critique que les artistes femmes pionnières, qui ont apporté des innovations majeures à l'art moderne, ont été ignorées par les récits officiels de son histoire. Elles ont finalement commencé à obtenir la reconnaissance qu'elles méritaient depuis longtemps, dans le sillage du mouvement expressionniste abstrait des années 1940 et 1950. L'expressionnisme abstrait a émergé comme un mouvement artistique majeur à New York dans les années 1950, et par la suite, plusieurs galeries d'art de premier plan ont commencé à inclure les expressionnistes abstraits dans leurs expositions et à les intégrer régulièrement à leur catalogue. Parmi ces galeries « uptown » importantes figuraient : la galerie Charles Egan , la galerie Sidney Janis , la galerie Betty Parsons , la galerie Kootz , la galerie Tibor de Nagy , la galerie Stable , la galerie Leo Castelli ainsi que d’autres ; et plusieurs galeries du centre-ville, connues à l’époque sous le nom de galeries de la Dixième Rue, exposaient de nombreux jeunes artistes émergents travaillant dans la veine de l’expressionnisme abstrait.

L’action painting, un style artistique très répandu des années 1940 au début des années 1960, est étroitement lié à l’expressionnisme abstrait (certains critiques utilisent d’ailleurs indifféremment les termes « action painting » et « expressionnisme abstrait »). On établit souvent une comparaison entre l’action painting américaine et le tachisme français .

Le terme a été forgé par le critique américain Harold Rosenberg en 1952 et a marqué un tournant majeur dans la perspective esthétique des peintres et critiques de l'École de New York . Selon Rosenberg, la toile était « une arène où agir ». Si les expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock , Franz Kline et Willem de Kooning avaient depuis longtemps défendu avec véhémence l'idée que la peinture était un espace d'expression et d'exploration du processus de création, les premiers critiques, comme Clement Greenberg , qui partageaient leur point de vue, s'intéressaient à l'« objectivité » de leurs œuvres. Pour Greenberg, c'était la matérialité des surfaces picturales, grumeleuses et imprégnées d'huile, qui permettait de les comprendre comme des témoignages du combat existentiel des artistes .

La critique de Rosenberg déplace l'accent de l'objet vers la lutte elle-même, le tableau achevé n'étant que la manifestation physique, une sorte de résidu, de l'œuvre d'art proprement dite, qui se déroulait dans l'acte ou le processus de sa création. Cette activité spontanée constitue l'« action » du peintre, à travers les mouvements des bras et des poignets, les gestes picturaux , les coups de pinceau, la peinture projetée, éclaboussée, tachée, frottée et dégoulinante. Le peintre laissait parfois la peinture couler sur la toile, tout en dansant de manière rythmique, ou même en se tenant debout dans la toile, laissant parfois la peinture tomber au gré de son subconscient, permettant ainsi à la partie inconsciente de la psyché de s'affirmer et de s'exprimer. Tout cela, cependant, est difficile à expliquer ou à interpréter car il s'agit d'une supposée manifestation inconsciente de l'acte de création pure.

En pratique, le terme « expressionnisme abstrait » est appliqué à de nombreux artistes travaillant (principalement) à New York, aux styles très différents, et même à des œuvres qui ne sont ni particulièrement abstraites ni expressionnistes. Les peintures gestuelles énergiques de Pollock , avec leur aspect foisonnant, diffèrent tant techniquement qu'esthétiquement de la série « Femmes » de De Kooning, violente et grotesque . « Femme V » fait partie d'une série de six tableaux réalisés par de Kooning entre 1950 et 1953, représentant une figure féminine en buste. Il commença la première de ces toiles, « Femme I » , en juin 1950, la retravaillant et la recouvrant à plusieurs reprises jusqu'en janvier ou février 1952, date à laquelle il l'abandonna inachevée. L'historien d'art Meyer Schapiro vit le tableau dans l'atelier de de Kooning peu après et l'encouragea à persévérer. De Kooning répondit en entreprenant trois autres tableaux sur le même thème : « Femme II » , « Femme III » et « Femme IV » . Durant l'été 1952, passé à East Hampton , de Kooning approfondit ce thème à travers des dessins et des pastels. Il est possible qu'il ait achevé son travail sur Femme I fin juin, ou peut-être aussi tard qu'en novembre 1952, et les trois autres tableaux de femmes furent probablement terminés à peu près au même moment. La série Femme est composée de peintures résolument figuratives .

Un autre artiste important est Franz Kline . Comme Jackson Pollock et d'autres expressionnistes abstraits, Kline a été qualifié de « peintre gestuel » en raison de son style apparemment spontané et intense, se concentrant moins, voire pas du tout, sur les figures ou l'imagerie, mais sur les coups de pinceau eux-mêmes et l'utilisation de la toile ; comme le démontre son tableau Numéro 2 (1954).

L’écriture automatique était un vecteur important pour les peintres gestuels tels que Kline (dans ses peintures en noir et blanc), Pollock, Mark Tobey et Cy Twombly , qui utilisaient le geste, la surface et la ligne pour créer des symboles et des écheveaux calligraphiques et linéaires qui s’apparentent au langage et résonnent comme de puissantes manifestations de l’ inconscient collectif . Robert Motherwell, dans sa série Élégie à la République espagnole, a peint de puissantes toiles en noir et blanc utilisant le geste, la surface et le symbole pour susciter de fortes émotions.

Parallèlement, d'autres peintres gestuels, notamment de Kooning, Gorky, Norman Bluhm , Joan Mitchell et James Brooks , ont utilisé l'imagerie, soit à travers des paysages abstraits, soit sous forme de visions expressionnistes de la figure, pour exprimer leurs évocations profondément personnelles et puissantes. Les peintures de James Brooks étaient particulièrement poétiques et très prémonitoires par rapport à l'abstraction lyrique qui a pris de l'importance à la fin des années 1960 et dans les années 1970.

Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb et les aplats de couleurs sereins et chatoyants de l'œuvre de Mark Rothko (qui ne relève pas de l'expressionnisme traditionnel et que Rothko lui-même niait être abstraite) sont classés parmi les expressionnistes abstraits, bien que relevant du courant que Clement Greenberg a nommé « Color Field » . Hans Hofmann et Robert Motherwell peuvent être considérés comme des représentants de l'Action Painting et du Color Field Painting. Dans les années 1940, l'imagerie rigoureuse de Richard Pousette-Dart s'inspirait souvent de la mythologie et du mysticisme, tout comme les peintures de Gottlieb et de Pollock durant cette décennie.

Le terme « Color Field » désignait initialement un type particulier d'expressionnisme abstrait, notamment les œuvres de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt et plusieurs séries de tableaux de Joan Miró . Greenberg percevait le Color Field comme apparenté à l'Action Painting, tout en s'en distinguant. Les peintres du Color Field cherchaient à débarrasser leur art de toute rhétorique superflue. Des artistes comme Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann , Helen Frankenthaler , Sam Francis , Mark Tobey , et surtout Ad Reinhardt et Barnett Newman, dont le chef-d'œuvre *Vir heroicus sublimis* figure dans la collection du MoMA , utilisaient des références à la nature considérablement réduites et employaient la couleur avec une grande maîtrise et une forte dimension psychologique. De manière générale, ces artistes éliminaient les images reconnaissables, Rothko et Gottlieb allant parfois jusqu'à utiliser des symboles et des signes en lieu et place de l'imagerie. Certains artistes ont cité des références à l'art passé ou présent, mais en général, la peinture de champs colorés présente l'abstraction comme une fin en soi. En explorant cette voie de l'art moderne , les artistes souhaitaient présenter chaque tableau comme une image unifiée, cohérente et monolithique.

Contrairement à l'énergie émotionnelle et aux gestes expressifs des expressionnistes abstraits tels que Pollock et de Kooning, les peintres du Color Field semblaient initialement froids et austères, effaçant le geste individuel au profit de larges aplats de couleur. Ces artistes considéraient cela comme l'essence même de l'abstraction visuelle, de même que la forme même de la toile. Frank Stella, notamment, a exploré cette dimension de manière singulière dans les années 1960, en combinant courbes et lignes droites. Cependant, la peinture Color Field s'est révélée à la fois sensuelle et profondément expressive, bien que d'une manière différente de l'expressionnisme abstrait gestuel.

Bien que l'expressionnisme abstrait se soit rapidement répandu aux États-Unis, ses principaux foyers étaient New York et la Californie, notamment l' École de New York , ainsi que la région de la baie de San Francisco . Les peintures expressionnistes abstraites partagent certaines caractéristiques, dont l'utilisation de grandes toiles et une approche « all-over », où toute la surface est traitée avec la même importance (contrairement à l'approche traditionnelle où le centre est privilégié). La toile comme espace d'expression est devenue un principe fondamental de l'Action Painting, tandis que l' intégrité du plan pictural est devenue un principe fondamental des peintres du Color Field. De jeunes artistes ont commencé à exposer leurs œuvres proches de l'expressionnisme abstrait dès les années 1950, parmi lesquels Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Grace Hartigan , Friedel Dzubas et Robert Goodnough .

Bien que Pollock soit étroitement associé à l'Action Painting en raison de son style, de sa technique, de sa touche picturale et de son application physique de la peinture, les critiques d'art l'ont rapproché à la fois de l'Action Painting et de la Color Field Painting. Une autre analyse critique, avancée par Greenberg, établit un lien entre les toiles all-over de Pollock et les Nymphéas de Claude Monet, réalisés dans les années 1920. Des critiques d'art tels que Michael Fried , Greenberg et d'autres ont observé que l'impression générale qui se dégage des œuvres les plus célèbres de Pollock – ses peintures par égouttement – ​​est celle de vastes champs d'éléments linéaires superposés. Ils notent que ces œuvres apparaissent souvent comme de vastes complexes de bandes de peinture aux valeurs similaires et de champs de couleur et de dessin all-over, et sont apparentées aux toiles murales de Monet, elles aussi construites à partir de coups de pinceau et de frottis aux valeurs proches, qui se lisent également comme des champs de couleur et de dessin. L'utilisation par Pollock de la composition all-over établit un lien philosophique et physique avec la manière dont les peintres du Color Field, tels que Newman, Rothko et Still, construisent leurs surfaces continues, et chez Still, leurs surfaces fragmentées. Dans plusieurs toiles réalisées après sa période classique de peinture par égouttement (1947-1950), Pollock a employé la technique de l'application de peinture à l'huile liquide et de peinture pour bâtiment sur la toile brute. En 1951, il a produit une série de peintures semi-figuratives à l'encre noire, et en 1952, des peintures à l'encre colorée. Lors de son exposition de novembre 1952 à la galerie Sidney Janis de New York, Pollock a présenté « Numéro 12, 1952 » , une grande et magistrale peinture à l'encre qui évoque un paysage aux couleurs vives (avec une superposition de peinture sombre largement appliquée par égouttement) ; cette œuvre a été acquise lors de l'exposition par Nelson Rockefeller pour sa collection personnelle.

Bien qu'Arshile Gorky soit considéré comme l'un des pères fondateurs de l'expressionnisme abstrait et un surréaliste , il fut également l'un des premiers peintres de l' École de New York à utiliser la technique du staining. Gorky créait de vastes aplats de couleurs vives et continues qu'il employait comme fonds dans nombre de ses toiles . Dans ses œuvres les plus abouties et efficaces, réalisées entre 1941 et 1948, il utilisait systématiquement des champs de couleurs intenses, stainés à l'excès, laissant souvent la peinture couler et dégouliner sous et autour de son vocabulaire familier de formes organiques et biomorphiques et de lignes délicates. James Brooks est un autre expressionniste abstrait dont les œuvres des années 1940 rappellent les peintures stainées des années 1960 et 1970. Dès la fin des années 1940, Brooks utilisait régulièrement le staining comme technique picturale. Il commençait à diluer sa peinture à l'huile pour obtenir des couleurs fluides qu'il versait, laissait couler et stainait sur la toile, généralement brute. Ces œuvres combinaient souvent calligraphie et formes abstraites. Durant les trois dernières décennies de sa carrière, le style expressionniste abstrait lumineux de grand format de Sam Francis était étroitement associé à la peinture Color Field. Ses peintures se situaient à la croisée des deux courants de l'expressionnisme abstrait, la peinture gestuelle et la peinture Color Field.

Après avoir vu les toiles de Pollock de 1951, réalisées à l'aide de peinture à l'huile noire diluée et appliquée sur toile brute, Frankenthaler commença à produire des peintures à l'huile de couleurs variées sur toile brute en 1952. Son œuvre la plus célèbre de cette période est Montagnes et Mer . Elle est l'une des pionnières du mouvement Color Field, apparu à la fin des années 1950. Frankenthaler étudia également auprès de Hans Hofmann .

Les peintures d'Hofmann forment une véritable symphonie de couleurs, comme en témoigne « The Gate » ( 1959-1960). Il était renommé non seulement comme artiste, mais aussi comme professeur d'art, tant dans son Allemagne natale que plus tard aux États-Unis. Hofmann, arrivé d'Allemagne aux États-Unis au début des années 1930, y apporta l'héritage du modernisme . Jeune artiste dans le Paris d'avant la Première Guerre mondiale, il travailla avec Robert Delaunay et découvrit de près l'œuvre novatrice de Picasso et de Matisse. L'œuvre de Matisse exerça une influence considérable sur lui, notamment sur sa compréhension du langage expressif de la couleur et du potentiel de l'abstraction. Hofmann fut l'un des premiers théoriciens de la peinture de champs colorés, et ses théories influencèrent de nombreux artistes et critiques, en particulier Clement Greenberg, ainsi que d'autres, durant les années 1930 et 1940. En 1953, Morris Louis et Kenneth Noland furent tous deux profondément influencés par les peintures à la tache d' Helen Frankenthaler après avoir visité son atelier à New York. De retour à Washington, DC, ils commencèrent à produire les œuvres majeures qui créèrent le mouvement du champ coloré à la fin des années 1950.

En 1972, Henry Geldzahler, alors conservateur du Metropolitan Museum of Art, a déclaré :