Worldlex Wiki IAST : KathakaḷiLe Kathakali (ⓘ ) est une forme traditionnelle dedanse classique indienneet l'une des formes les plus complexes duthéâtre indien. Originaire de l'État duKerala, oùmalayalam, il est pratiqué presque exclusivement par lepeuplemalayali C'est une pièce de théâtre composée de vers. Ces vers constituent la littérature Kathakali ouAttakatha. Principalement joué à la cour des rois et lors des fêtes des temples, il est considéré comme un art suvarna. Ce spectacle utilise lesnavarasasduNatya Shastra, texte du sage Bharata. Le maquillage et les costumes sont uniques et imposants. Il représente l'une des formes d'art théâtral traditionnelles du Kerala. Le Kathakali est étroitement lié à une forme d'art théâtral plus ancienne du Kerala appeléeKoodiyattam, qui est le seul spécimen survivant de l'ancienthéâtre sanskrit, dont on pense qu'il a vu le jour au début de l'ère commune, et qui est officiellement reconnu parl'UNESCOcomme unchef-d'œuvre du patrimoine oral et immatériel de l'humanité.
Étymologie et nomenclature
Le terme Kathakali dérive de katha ( sanskrits tels que le Natya Shastra . Le Natya Shastra est attribué au sage Bharata , et sa première compilation complète est datée entre 200 av. J.-C. et 200 apr. J.-C., mais les estimations varient entre 500 av. J.-C. et 500 apr. J.-C..
La version la plus étudiée du Natya Shastra comprend environ 6 000 versets répartis en 36 chapitres. Selon Natalia Lidova, ce texte décrit la théorie de la danse Tāṇḍava ( Shiva ), la théorie du rasa, du bhāva, l’expression, les gestes, les techniques d’interprétation, les pas de base et les postures – autant d’éléments constitutifs des danses classiques indiennes, dont le Kathakali. La danse et les arts du spectacle, affirme ce texte hindou ancien, sont une forme d’expression des idées spirituelles, des vertus et de l’essence des écritures.
Les origines du Kathakali sont incertaines. Jones et Ryan estiment qu'il a plus de 500 ans. Le Kathakali a émergé comme un genre artistique distinct au cours des XVIe et XVIIe siècles au Kerala . Selon Mahinder Singh, ses origines sont plus anciennes et remontent à environ 1500 ans.
Liens vers des arts de la scène plus anciens : Kutiyattam, Krishnattam et Koothu
Selon Zarrilli, le Krishnanattam est probablement le précurseur immédiat du Kathakali. Le Krishnanattam est un art dramatique dansé qui relate la vie et les exploits du dieu hindou Krishna et qui s'est développé sous le patronage de Sri Manavedan Raja, souverain de Calicut (1585-1658). La légende raconte que Kottarakkara Thampuran (également connu sous le nom de Vira Kerala Varma) aurait sollicité les services d'une troupe de Krishnanattam , mais sa requête fut refusée. Il créa alors une autre forme d'art inspirée du Krishnanattam , qu'il nomma Ramanattam , car les premières pièces étaient basées sur l'épopée hindoue du Ramayana . Avec le temps, cet art s'est diversifié et a pris le nom de « Kathakali ».
Un autre art du spectacle apparenté est l'Ashtapadiyattom , un drame dansé inspiré du Gita Govinda du poète Jayadeva ( XIIe siècle) , qui raconte l'histoire de Krishna incarné en humble vacher, de sa parèdre Radha et de trois jeunes vachers. Le Kathakali intègre également plusieurs éléments d'autres formes d'art traditionnelles et rituelles comme le Mudiyettu, le Theyyam et le Padayani, ainsi que des arts populaires tels que le Porattu Nadakam, qui partage des idées avec la tradition tamoule du Therukoothu . L'art martial du Kalarippayattu , originaire du sud de l'Inde, a également influencé le Kathakali.
Malgré ses liens avec d'autres formes d'art religieux comme le Krishnanattam, le Kutiyattam et d'autres, le Kathakali se distingue des arts plus anciens où le danseur-acteur devait également être le chanteur. Le Kathakali sépare ces rôles, permettant ainsi au danseur-acteur d'exceller dans la chorégraphie et de s'y concentrer, tandis que les chanteurs se consacrent à l'interprétation de leurs textes. Le Kathakali a également enrichi son répertoire, son style et standardisé ses costumes, facilitant ainsi la compréhension des différentes représentations et des nouvelles pièces par le public.
Répertoire
Le Kathakali est structuré autour de pièces appelées Attakatha (littéralement « récit mis en scène » ), écrites en malayalam sanskritisé. Ces pièces suivent un format particulier qui permet d'identifier les parties « action » et « dialogue » de la représentation. Le Sloka est le verset métrique, écrit à la troisième personne – souvent entièrement en sanskrit – décrivant la partie action de la chorégraphie. Le Pada contient la partie dialogue. Ces textes Attakatha offrent une grande liberté d'improvisation aux acteurs. Historiquement, toutes ces pièces sont issues de textes hindous tels que le Ramayana , le Mahabharata et le Bhagavata Purana .
Le répertoire Kathakali est un spectacle d'opéra où une histoire ancienne est mise en scène de manière ludique. Traditionnellement, une représentation de Kathakali est longue, commençant au crépuscule et se poursuivant jusqu'à l'aube, avec des intermèdes et des pauses pour les artistes et le public. Certaines pièces se prolongeaient sur plusieurs nuits, commençant chaque jour au crépuscule. Les représentations modernes sont plus courtes. La scène, avec ses sièges, est généralement installée en plein air, à l'extérieur d'un temple, mais dans certains endroits, des théâtres spéciaux appelés Kuttampalam, construits à l'intérieur de l'enceinte du temple, sont utilisés.
La scène est généralement nue, ou ne comporte que quelques éléments liés à la pièce. L'un de ces éléments, appelé Kalivilakku (kali signifiant danse et vilakku lampe), remonte au Kutiyattam. Dans les deux traditions, la représentation se déroule devant une immense Kalivilakku dont l'épaisse mèche, trempée dans de l'huile de coco, brûle d'une lumière jaune. Traditionnellement, avant l'arrivée de l'électricité, cette grande lampe spéciale éclairait la scène la nuit. Au fur et à mesure que la pièce avançait, les acteurs-danseurs se rassemblaient autour de cette lampe afin que le public puisse voir leurs expressions.
Le spectacle met en scène des acteurs-danseurs au premier plan, accompagnés de musiciens en fond de scène à droite (à gauche du public) et de chanteurs à l'avant-scène (historiquement pour que le public puisse les entendre avant l'invention du microphone et des haut-parleurs). Traditionnellement, tous les rôles sont interprétés par des acteurs-danseurs masculins, bien que les femmes soient désormais intégrées à la tradition du Kathakali.
Costumes
De toutes les danses classiques indiennes, le Kathakali possède les costumes les plus élaborés, composés de coiffes (കിരീടം), de gilets, de masques et de visages richement maquillés. La préparation d'une troupe de Kathakali pour une représentation prend généralement plusieurs heures en soirée. Grâce à ses costumes, le Kathakali séduit un public bien au-delà des adultes : les enfants sont captivés par les couleurs, le maquillage, les lumières et les sons des spectacles.
Le maquillage suit un code établi, permettant au public d'identifier facilement les personnages archétypaux tels que les dieux, les déesses, les démons, les démones, les saints, les animaux et les personnages d'une histoire. Sept types de maquillage de base sont utilisés en Kathakali : Pachcha (vert), Pazhuppu (mûr), Kathi , Kari , Thaadi , Minukku et Teppu (rouge) . Ces types varient selon les styles et les couleurs prédominantes, à base de pâte de riz et de colorants végétaux, appliquées sur le visage. Le maquillage Pachcha (vert), associé à des lèvres peintes d'un rouge corail éclatant, représente des personnages nobles et des sages tels que Krishna , Vishnu , Rama , Yudhishthira , Arjuna , Nala et les rois philosophes.
Thaadi (rouge) est le code pour quelqu'un avec un penchant pour le mal, comme Dushasana .
Les personnages Kathi (couteau) ont un visage vert (représentant l'héroïsme ou l'excellence en tant que guerrier) avec des points ou des lignes rouges sur leurs joues ou une moustache en forme de couteau de couleur rouge ou une barbe striée de rouge (représentant une nature intérieure maléfique), tandis que d'autres ont un visage et une barbe entièrement de couleur rouge, ces derniers impliquant des personnages excessivement maléfiques.
Kari (noir) désigne les habitants des forêts, les chasseurs et les personnages ambigus. Les démones et les personnages perfides sont également représentés en noir, mais avec des stries ou des taches rouges.
Le jaune est la couleur des moines, des mendiants et des femmes. Minukka (rayonnant, éclatant), avec un jaune chaud, orange ou safran, symbolise les personnages féminins nobles et vertueux tels que Sita , Panchali et Mohini. Les hommes qui incarnent des rôles féminins ajoutent également un faux chignon sur le côté gauche, orné selon un style propre à la région. Vella Thadi (barbe blanche) représente un être divin, doté d'une conscience et d'un état intérieur vertueux, comme Hanuman . Teppu est réservé aux personnages spéciaux des mythologies hindoues, tels que Garuda , Jatayu et Hamsa, qui agissent comme messagers ou porteurs, mais ne correspondent à aucune autre catégorie. Les masques et les coiffes accentuent la nature intérieure des personnages. Les couleurs des vêtements suivent un code de communication silencieuse similaire, accepté par la communauté.
Selon Zarrilli, les types de personnages reflètent la théorie des Guṇas de la personnalité, issue de l'ancienne école Samkhya de la philosophie hindoue . D'après cette philosophie, il existe trois Guṇas, présents depuis toujours et toujours en toute chose et en tout être. Ces trois Guṇas sont sattva (bonté, constructivité, harmonie, vertu), rajas (passion, action irréfléchie, dynamisme, égoïsme) et tamas (obscurité, destruction, chaos, méchanceté). Ces trois gunas (bien, mal, action) sont présents en toute chose et en tout ; seule leur proportion diffère, selon la vision hindoue du monde. L'interaction de ces gunas définit le caractère d'une personne ou d'une chose, et les costumes et le maquillage des visages en Kathakali combinent souvent les différents codes chromatiques pour donner complexité et profondeur aux acteurs-danseurs.
Se maquiller
Dans le Kathakali, le maquillage appelé Chutti (ചുട്ടി) est à la fois symbolique et artistique. Il va au-delà de la simple décoration ; les couleurs et les motifs sont soigneusement conçus pour représenter et distinguer différents types de personnages.
- Vert (പച്ച) : Cette couleur de base représente des personnages nobles et héroïques qui incarnent la vertu, tels que les rois, les êtres divins et les héros idéalisés.
- Les accents rouges et noirs (കത്തി et കരി) servent à représenter des personnages maléfiques ou démoniaques. Les personnages associés à un couteau (Kathi) sont des anti-héros ou des méchants arrogants, tandis que ceux associés au noir (Kari) désignent des démons ou des créatures maléfiques vivant dans la forêt.
- Jaune doux ou orange ( മിനുക്കു ) : Généralement appliqué aux personnages féminins ou aux sages, ce coloris signifie la douceur, la spiritualité et la paix intérieure.
Par intérim
Comme de nombreux arts classiques indiens, le Kathakali est autant une chorégraphie qu'un jeu d'acteur. Il est considéré comme l'un des styles les plus difficiles à exécuter sur scène, les jeunes artistes se préparant à leurs rôles pendant plusieurs années avant d'avoir l'occasion de les interpréter. Les acteurs s'expriment dans un langage gestuel , où les paroles des personnages sont exprimées par des mudras (gestes des mains), tandis que les émotions et l'humeur sont exprimées par les expressions du visage et les mouvements des yeux. En parallèle, des chanteurs en arrière-plan interprètent la pièce en rythme, en harmonie avec la musique de l'orchestre, unifiant ainsi l'ensemble en une harmonie vibrante.
Plusieurs textes sanskrits anciens, tels que le Natya Shastra et le Hastha Lakshanadeepika, abordent les gestes de la main ou mudras. Le Kathakali suit de plus près le Hastha Lakshanadeepika , contrairement aux autres danses classiques de l'Inde.
Le Kathakali compte 24 mudras principaux et de nombreux mudras secondaires. Il existe neuf expressions faciales appelées Navarasas , que chaque acteur maîtrise par le contrôle des muscles faciaux durant sa formation, afin d'exprimer l'état émotionnel de son personnage. La théorie des Navarasas est exposée dans des textes sanskrits classiques tels que le Natya Shastra, parfois sous des appellations différentes ; on la retrouve également dans d'autres danses classiques indiennes. Les Navarasas expriment neuf bhavas (émotions) en Kathakali :
- Sringara exprime Rati (amour, plaisir, délice)
- Hasya exprime Hasa (comique, rire, moquerie)
- Karuna exprime Shoka (pathétique, triste)
- Raudra exprime Krodha (colère, fureur)
- Vira exprime Utsaha (vigueur, enthousiasme, héroïque)
- Bhayanaka exprime Bhaya (peur, inquiétude, inquiétude)
- Bibhatsa exprime Jugupsa (dégoût, répulsion)
- Adbhuta exprime Vismaya (merveilleux, émerveillé, curieux)
- Shanta exprime Sama (paix, tranquillité).
Séquence
Un spectacle de Kathakali commence généralement par l'accordage des instruments et l'échauffement musical des artistes, signalant ainsi au public que les préparatifs sont en cours. Le répertoire comprend une série de performances. Viennent d'abord le Thodayam et le Purappadu , des danses préliminaires « pures » (abstraites) qui mettent l'accent sur la technique et la pureté du mouvement. Le Thodayam est exécuté derrière un rideau et sans tous les costumes, tandis que le Purappadu est exécuté sans rideau et avec les costumes complets.
La partie expressive du spectacle, qui constitue le drame dansé, est divisée en quatre types : Kalasham (majeur et le plus courant), Iratti (spécial, utilisé avec le rythme Chempata lié aux batailles ), Thonkaram (semblable à Iratti mais avec une musique différente) et Nalamiratti (utilisé pour les sorties ou la liaison entre les chapitres de la pièce).
L'entrée des personnages sur scène dans le Kathakali est variée. Nombre de ces entrées sont uniques et n'ont pas leur place dans les autres grandes traditions de danse classique indienne. Le Kathakali emploie plusieurs méthodes :
- direct sans effets spéciaux ni rideaux
- à travers le public, une méthode qui implique les spectateurs, menée par des porteurs de torches puisque le Kathakali est généralement un spectacle nocturne
- Le procédé de teasing et de suspense, appelé nokku , thirasheela ou tiranokku , consiste à révéler progressivement le personnage à l'aide d'un rideau. Cette méthode de « teasing » est généralement utilisée pour les personnages aux intentions cachées et dangereuses.
Chansons et instruments de musique
La pièce se présente sous forme de vers rythmés et lyriques, chantés par des chanteurs dont la voix a été entraînée à différentes mélodies ( ragas ) et à la musique, et synchronisée avec les mouvements de danse sur scène. Les chanteurs ne se contentent pas de réciter les vers ; ils contribuent à créer le contexte et à exprimer l’état d’esprit du personnage en modulant leur voix. Par exemple, la colère est exprimée par une voix aiguë et perçante, et la supplication par un ton triste.
La musique est essentielle à une représentation de Kathakali. Elle crée l'atmosphère et suscite des émotions en résonance avec la nature de la scène. Elle détermine également le rythme auquel les acteurs-danseurs exécutent la chorégraphie et les scènes. Selon Clifford et Betty, certains schémas musicaux majeurs, adaptés aux ambiances et au contenu de la scène, sont : le Chempada (le plus courant et par défaut, applicable à diverses ambiances, notamment aux batailles et aux combats entre le bien et le mal, et servant également à conclure une scène) ; la musique Chempa (qui dépeint la tension, la dispute, le désaccord entre amants ou des idées concurrentes) ; le Panchari (pour les scènes odieuses et préparatoires, comme l'affûtage d'une épée) ; le Triputa (invitant à la réflexion, pour les scènes impliquant des sages et des maîtres) ; l'Adantha (pour les scènes impliquant des rois ou des êtres divins) ; et le style musical Muri Adantha (pour les scènes comiques, légères ou dynamiques impliquant une activité héroïque ou motivée par la colère).
De nombreux instruments de musique sont utilisés dans le Kathakali. Parmi les trois tambours principaux, on trouve le Maddalam (en forme de tonneau), le Chenda (tambour cylindrique joué avec des baguettes incurvées) et l' Idakka ( tambour en forme de sablier aux notes étouffées et mélodieuses jouées lors des performances des personnages féminins).
Pièces de théâtre traditionnelles
Il existe plus de cinq cents pièces de Kathakali, appelées Aattakatha , dont la plupart ont été écrites avant le XXe siècle. Parmi celles-ci, une quarantaine sont encore jouées régulièrement. Ces pièces sont des œuvres littéraires sophistiquées, affirme Zarrilli, et seuls cinq auteurs ont écrit plus de deux pièces. À la fin du XVIIe siècle, Unnayi Variyar , durant sa courte vie, a composé quatre pièces traditionnellement considérées comme les plus expressives des dramaturges de Kathakali . Généralement jouées sur quatre soirées, ces quatre pièces relatent l'histoire d'amour mythique hindoue de Nala et Damayanti . L'histoire de Nala et Damayanti trouve ses racines dans des textes du Ier millénaire avant notre ère et figure dans le Mahabharata, mais la version théâtrale de Kathakali développe les personnages, leurs états d'âme, leurs émotions et leur situation bien plus que les textes anciens.
Une pièce de Kathakali traditionnelle se compose généralement de deux parties interconnectées : les Shlokas ( à la troisième personne) et les Padams (à la première personne) . Les Shlokas sont en sanskrit et décrivent l’action de la scène, tandis que les Padams sont des dialogues en malayalam (sanskritisé) que les acteurs interprètent et jouent. Un Padam comprend trois parties : un Pallavi (refrain), un Anupallavi (sous-refrain) et un Charanam (pied), tous mis en musique selon un des anciens Ragas ( modes musicaux ), en fonction de l’ambiance et du contexte tels que décrits dans d’anciens textes sanskrits comme le Natya Shastra . Dans la pratique historique des représentations théâtrales, chaque Padam était joué deux fois par l’acteur, tandis que les chanteurs reprenaient les vers en boucle pendant que l’acteur-danseur interprétait son rôle.
Les pièces traditionnelles étaient longues, nombre d'entre elles étant écrites pour être jouées toute la nuit, certaines, comme celles inspirées du Ramayana et du Mahabharata , étant conçues pour être jouées pendant plusieurs nuits consécutives. Cependant, d'autres, telles que le Prahlada Charitham, ont été composées pour être jouées en quatre heures. Les productions modernes ont extrait des parties de ces pièces légendaires, pour être généralement jouées en trois à quatre heures.
Dérivés et adaptations modernes
Le Kathakali est toujours pratiqué de manière traditionnelle et il existe des pièces expérimentales basées sur des classiques européens et sur les pièces de Shakespeare. Des productions récentes ont adapté des histoires d'autres cultures et mythologies, telles que celles de Miguel de Cervantes, Johann Wolfgang von Goethe et William Shakespeare .
Styles : Sampradayam
Le Kathakali possède des lignées ou écoles distinctes d'interprétation théâtrale et de danse appelées Sampradayam . Celles-ci se sont développées en partie grâce au système gurukula de transmission d'une génération à l'autre. Au XIXe siècle, de nombreux styles de ce type étaient en vogue au Kerala, dont deux styles majeurs se sont cristallisés et ont perduré jusqu'à l'époque moderne.
Le style Kidangoor est l'un des deux styles qui se sont développés à Travancore ; il est fortement influencé par le Kutiyattam , tout en intégrant des éléments du Ramanattam et du Kalladikkotan . Il est traditionnellement attribué à Nalanunni, sous le patronage d'Utram Tirunal Maharaja (1815-1861).
Le style Kalluvazhi est le second des deux styles développés à Palakkad ( Olapmanna Mana ), au centre du Kerala , et constitue une synthèse des arts du spectacle plus anciens Kaplingadan et Kalladikkotan . Il est traditionnellement attribué à Unniri Panikkar, au sein d'une famille brahmane (vers 1850), et est devenu le style dominant du Kerala Kalamandalam , une école d'arts du spectacle
Centres de formation et récompenses
Le Kathakali est traditionnellement un art qui se transmet de génération en génération grâce à unsystème de formation basé surrelation guru-disciple(gurukkula Les familles d'artistes avaient tendance à choisir les talents prometteurs parmi leurs proches, parfois même en dehors de la famille. Le jeune artiste restait généralement auprès de son guru comme élève et était traité comme un membre de la famille. Le guru dispensait à l'élève une formation à la fois théorique et pratique, et le disciple l'accompagnait aux représentations officielles. De nos jours, des écoles professionnelles forment les élèves de Kathakali. Certaines, comme l'école Trivandrum Margi, privilégient un seul professeur pour l'ensemble des cours, tandis que d'autres, comme l'école Kerala Kalamandalam, proposent un enseignement dispensé par différents professeurs. On trouve aujourd'hui des écoles de Kathakali dans toute l'Inde, ainsi que dans certaines régions d'Europe occidentale et aux États-Unis.
Dans un centre de formation de Kathakali, les élèves sont généralement auditionnés. Les candidats sont évalués sur leur santé et leur condition physique, indispensables à la performance scénique dynamique et énergique, ainsi que sur leur souplesse, leur sens du rythme et leur motivation pour les arts de la scène. Un cursus type de Kathakali met l'accent sur la préparation physique et les exercices quotidiens, le yoga et les massages pour tonifier les muscles et sculpter le corps en pleine croissance, sans oublier les études et la pratique de la danse. Selon une ancienne tradition indienne, les jeunes élèves commencent leur année en offrant des présents symboliques au guru , comme quelques pièces de monnaie et des feuilles de bétel, tandis que le maître leur remet un pagne, leur souhaite la bienvenue et les bénit.
Le Kathakali reste un art largement dominé par les hommes, mais depuis les années 1970, les femmes y ont fait une entrée remarquée. La ville de Tripunithura , au centre du Kerala, abrite une troupe féminine ( Tripunithura Kathakali Kendram Ladies Troupe ) qui interprète du Kathakali. Cette troupe a reçu un prix national, le Nari Shakti Puraskar , pour son travail.
Prix pour les artistes de Kathakali
Formes de danse apparentées
La théorie et les fondements du Kathakali sont les mêmes que ceux des autres grandes danses classiques indiennes, et trouvent leurs racines dans des textes sanskrits tels que le Natya Shastra . Cependant, le style d'expression de chaque danse est très différent et distinctif. Le Kathakali se distingue du Kathak , un terme similaire , bien que les deux soient des traditions de danse classique indienne de « théâtre narratif », dont les histoires sont traditionnellement tirées des épopées hindoues et des Puranas. Le Kathak est un art du spectacle ancien apparu dans le nord de l'Inde, dont les racines remontent aux bardes itinérants qui racontaient des histoires mythiques et spirituelles par le biais de la danse. Le Kathak a traditionnellement inclus des danseuses, contrairement au Kathakali qui était traditionnellement interprété par une troupe exclusivement masculine. Le Kathak utilise des costumes et un maquillage beaucoup plus simples, et ne porte pas de masques. Ces deux formes de danse utilisent une chorégraphie, des expressions faciales et des gestes des mains inspirés du Natya Shastra , mais le Kathak se caractérise généralement par des mouvements de jambes et de torse tendus, sans sauts ni figures martiales comme le Kathakali. Le Kathak occupe davantage l'espace scénique et ne fait généralement pas appel à des chanteurs. Les deux formes utilisent un ensemble d'instruments de musique traditionnels indiens similaires.
Le théâtre musical de style Kathakali, riche en costumes, se retrouve dans d'autres cultures. Par exemple, le nô japonais (能) intègre masques, costumes et accessoires divers dans une performance basée sur la danse, exigeant des acteurs et des musiciens hautement qualifiés. Les émotions sont principalement exprimées par des gestes stylisés, tandis que les costumes communiquent la nature des personnages , comme dans le Kathakali . Dans les deux cas, des hommes costumés interprètent traditionnellement tous les rôles, y compris ceux des femmes. La formation et l'initiation des danseurs-acteurs présentent de nombreuses similitudes dans les deux cultures.
Kabuki, another Japanese art form, has similarities to Kathakali.Jīngjù, a Chinese art of dance-acting (zuo), like Kathakali presents artists with elaborate masks, costumes and colorfully painted faces.Balinese dance as well as tibetan art forms also shares similarities.