Combat de scène

Le combat sur scène , le combat artistique ou la chorégraphie de combat est une technique spécialisée du théâtre conçue pour créer l' illusion d' un combat physique sans blesser les interprètes. Il est utilisé dans les pièces de théâtre en direct ainsi que dans les productions d'opéra et de ballet . Avec l'avènement du cinéma et de la télévision, le terme s'est élargi pour inclure également la chorégraphie de séquences de combat filmées , par opposition aux premières performances en direct sur scène. Il est étroitement lié à la pratique des cascades et constitue un domaine d'étude courant pour les acteurs . Les acteurs célèbres pour leurs compétences en combat sur scène ont souvent une formation en danse , en gymnastique ou en arts martiaux .

L'histoire des combats sur scène et des combats simulés remonte à l'Antiquité, Aristote ayant noté que la tragédie est un conflit entre des personnes ou bien elle peut être retracée aux origines de l'espèce humaine et du comportement d'exhibition des primates . L'étalage d'aptitudes martiales est un phénomène naturel dans les sociétés guerrières , et les formes ritualisées de combat simulé évoluent souvent vers des danses de guerre . Qu'il s'agisse de la lutte entre les hommes et les femmes de Lysistrata d' Aristophane dans la Grèce antique ou de l'Égypte antique où Hérodote dans ses Histoires parle d'une fête religieuse au cours de laquelle ils se battent avec des bâtons mais personne ne meurt, le combat mis en scène a toujours existé . Comme il n'est pas logique de sacrifier des citoyens dans des rituels, de nombreuses civilisations anciennes se sont tournées vers des gestes symboliques de combat en dansant ou en portant une arme à la gorge ou au cou de quelqu'un sans le toucher réellement pour symboliser la mort ou un acte de violence.

Les combats organisés pour le divertissement peuvent également être sérieux pour les combattants, comme c'était le cas des gladiateurs romains , et de tout duel public , comme le duel judiciaire du Moyen Âge européen . Le tournoi et la joute médiévaux sont des exemples classiques de combats rituels compétitifs simulés. À partir de l'époque de Maximilien Ier, la joute est devenue un sport impliquant un coût énorme pour chaque chevalier et un prestige correspondant, comparable aux courses de Formule 1 contemporaines , tout en minimisant le risque de blessure grâce à un équipement hautement spécialisé.

Au Moyen Âge tardif , les combats d'escrime mis en scène, avec ou sans chorégraphie, sont devenus populaires dans les écoles d'escrime . Certains fechtbuch allemands (« manuels de combat », littéralement « combat » ou « livre d'escrime ») comportent des sections consacrées aux techniques extravagantes à employer dans de tels Klopffechten (« combats de coups de poing »), qui seraient impraticables dans un combat sérieux, et les maîtres allemands du Moyen Âge tardif distinguent les combats simulés ( fechten zu schimpf , « combats de délire ») et les combats réels ( fechten zu ernst , « combats sérieux »).

L'histoire du combat théâtral européen trouve ses racines dans le théâtre médiéval et devient tangible dans le théâtre élisabéthain . Richard Tarlton , qui était membre de la troupe de théâtre de William Shakespeare et de la guilde des maîtres d'armes de Londres, fut l'un des premiers directeurs de combat au sens moderne du terme. Les duels à l'épée représentés dans les pièces de théâtre montrent à quel point ce passe-temps était populaire dans la vie réelle. Avant 1615 en Angleterre, de nombreuses pièces de théâtre comportaient des duels et les duels étaient considérés comme les moments forts du spectacle. Contrairement à après 1615, lorsque les duels furent publiquement condamnés par le roi Jacques et que les duels furent utilisés en dernier recours par rapport à l'intrigue.

À la fin du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, les combats scéniques stylisés ont été un élément essentiel des arts du spectacle traditionnels pendant des siècles, comme dans le théâtre japonais Kabuki (sous forme de « scènes de combat » tachimawari ), l'opéra de Pékin chinois et le théâtre indien.

Les maîtres d'escrime européens ont commencé à rechercher et à expérimenter des techniques d'escrime historiques , avec des armes telles que l' épée à deux mains , la rapière et la petite épée , et à enseigner aux acteurs leur utilisation. Parmi eux, on trouve notamment George Dubois, un directeur de combat et artiste martial parisien qui a créé des styles d'escrime de performance basés sur le combat de gladiateurs ainsi que sur l'escrime à la rapière et au poignard de la Renaissance . Le château d'Egerton et le capitaine Alfred Hutton de Londres ont également participé à la fois à la renaissance des systèmes d'escrime antiques et à l'enseignement de ces styles aux acteurs.

À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, les scènes d'escrime dans les productions théâtrales itinérantes à travers l'Europe, le Commonwealth britannique et les États-Unis étaient généralement créées en combinant plusieurs routines génériques largement connues appelées « combats standards », identifiées par des noms tels que les « Round Eights » et les « Glasgow Tens ».

L'escrime cinématographique trouve ses racines dans les années 1920, avec les films de Douglas Fairbanks . L'un des directeurs de combat les plus célèbres de cette époque est Paddy Crean, qui a révolutionné le combat sur scène, en particulier le jeu d'épée, pour le grand écran et le théâtre. Paddy a créé le style flamboyant du jeu d'épée que l'on peut voir dans les films d'Errol Flynn , entre autres. Il a promu l'utilisation de la sécurité avant tout et s'est ensuite concentré sur l'histoire du combat. BH Barry et J. Allen Suddeth, étudiants de Paddy Crean, sont deux maîtres du combat qui ont continué à développer l'héritage de Paddy. Barry a aidé à fonder la Society of British Fight Directors, puis est venu aux États-Unis pour donner à la direction des combats une forme plus spécifique. J. Allen Suddeth a fondé le National Fight Directors Training Program aux États-Unis et a écrit le livre "Fight Direction for the Theater" (1996). Les films d'arts martiaux émergent comme un genre distinct à partir des années 1940, popularisés par Bruce Lee et Sonny Chiba dans les années 1960.

À partir du milieu des années 1960, John Waller , pionnier de la renaissance des arts martiaux historiques européens anglais (AMHE), était directeur de combat pour la scène et le cinéma, puis professeur de combat scénique dans les écoles d'art dramatique de Londres, mettant l'accent sur le réalisme historique. Des guildes informelles de chorégraphes de combat ont commencé à prendre forme dans les années 1970 avec la création de la Society of British Fight Directors, de 1969 à 1996. La formation a été établie aux États-Unis avec la formation de la Society of American Fight Directors en 1977.

Français Par la suite, d'autres académies et associations dans le monde entier ont été créées pour maintenir l'artisanat, la formation et la qualité du travail dans l'art du combat scénique à l'échelle nationale et internationale, notamment : la British Academy Of Stage & Screen Combat (BASSC) et Fight Directors Canada (FDC) en 1993 ; la Society of Australian Fight Directors Inc. (SAFDi) en 1994 ; la Nordic Stage Fight Society (NSFS) et la New Zealand Stage Combat Society en 1995 ; la British Academy of Dramatic Combat (BADC, anciennement connue sous le nom de The Society of British Fight Directors) en 1996 ; Art of Combat en 1997 ; New York Combat for Stage & Screen en 1999 ; Stage Combat Deutschland en 2004 ; et l'Australian Stage Combat Association (ASCA) en 2010 ; la British Guild of Stage Combat en 2015. En 2005, l'East 15 Acting School de Londres proposait un diplôme BA (Hons) en théâtre et combat scénique. De nombreuses sociétés proposent des programmes de certification pour différentes armes, qui servent d'indicateur sur le niveau de formation d'un acteur. Au début de la pandémie de Covid 19, plusieurs organisations ont fait des progrès en matière de formation à distance/virtuelle, notamment en organisant des ateliers virtuels internationaux.

L'entraînement au combat sur scène comprend des techniques de combat sans armes telles que des gifles, des coups de poing, des coups de pied, des projections et des techniques de maintien illusoires ; des adaptations théâtrales de diverses formes d' escrime telles que la rapière et la dague , l'épée courte et l'épée large , ainsi que l'utilisation d'autres armes, notamment le bâton et les couteaux ; et des compétences plus spécialisées telles que la lutte professionnelle et différents styles d' arts martiaux . Cependant, le combat sur scène peut inclure toute forme de violence chorégraphiée et les options ne sont limitées que par des problèmes de sécurité et par la capacité des participants impliqués. À noter que la plupart de ces techniques sont tirées de techniques de combat réelles, mais modifiées pour être plus sûres pour les acteurs. Par exemple, bien qu'il existe un certain nombre de façons de créer l'illusion sans danger d'une gifle au visage (ce qui est évidemment quelque chose qui pourrait vraiment être fait en combat), aucune d'entre elles n'implique un contact réel avec le visage de la victime.

La sécurité des acteurs et du public est la préoccupation majeure. Cette exigence a conduit à l'adaptation de nombreuses techniques d'arts martiaux et d'escrime standards spécifiquement pour la représentation. Par exemple, de nombreuses attaques et parades de base à l'épée doivent être modifiées pour garantir que les acteurs ne portent pas la pointe de leurs armes devant le visage de leur partenaire ou ne mettent pas en danger par inadvertance la santé et le bien-être de l'autre acteur. Les actions d'attaque dans les combats sur scène sont prolongées au-delà du corps du partenaire de scène ou visent en deçà de leurs cibles apparentes. De même, alors que leurs personnages peuvent être engagés dans un combat vicieux sans armes, les acteurs doivent opérer à un niveau élevé de complicité et de communication pour assurer une scène de combat sûre et passionnante. Dans de nombreuses formes de combat sur scène, la distance est un facteur clé de la technique. De nombreuses attaques sont exécutées « hors de distance » de sorte qu'il n'y ait aucun risque qu'un interprète frappe accidentellement l'autre. Un jugement professionnel considérable est nécessaire pour déterminer quel niveau technique peut être approprié pour un interprète donné, en tenant compte du temps de répétition alloué et des attentes du metteur en scène.

Un autre élément important du combat sur scène est le son. Il augmente la crédibilité d'une action pour le public. Il existe deux types de sons qui peuvent être produits. L'un est la réaction vocale. En ajoutant un halètement, un gémissement ou un grognement lorsqu'ils sont frappés, les combattants donnent vie aux mouvements. L'autre type de son est un bruit de percussion produit en frappant une partie résonnante du corps. Ce bruit est synchronisé avec le moment où un impact se produirait et est mis en scène de manière à être caché au public. Cela permet au public de croire qu'un coup ou une gifle a réellement été porté parce qu'il entend un son correspondant et voit une réaction.

La phase de combat d'une répétition de pièce est appelée répétition de combat . La chorégraphie est généralement apprise étape par étape et pratiquée au début très lentement avant d'augmenter à une vitesse à la fois convaincante sur le plan dramatique et sûre pour les interprètes et leur public. Même le combat sur scène est risqué, et il est préférable que les acteurs aient autant de formation et d'expérience que possible. Un « appel de combat » ou une brève répétition avant le spectacle est effectué à chaque fois, réservé aux acteurs pour « marquer » le combat afin d'augmenter leur mémoire musculaire . Un spectacle qui implique une chorégraphie de combat sera généralement formé et supervisé par un chorégraphe de combat professionnel et peut également inclure un capitaine de combat , qui gère les appels de combat et s'assure que les acteurs restent en sécurité pendant toute la durée du spectacle.

Les styles de combat dans les films se déroulant au Moyen-Âge ou à la Renaissance peuvent être irréalistes et historiquement inexacts. La plupart des chorégraphes de combat utilisent un mélange d'arts martiaux asiatiques et d'escrime sportive pour recréer des scènes de combat. Cela est généralement dû à l'aspect des combats demandé par le réalisateur. Si le réalisateur veut que l'histoire se déroule d'une certaine manière, il chorégraphiera les combats pour correspondre à ce style et raconter l'histoire.

Pour les combats sur scène, tous les bords doivent être émoussés et les pointes émoussées afin d'éviter tout risque de blessure grave en cas de coup de couteau accidentel. De plus, les armes utilisées, et pas seulement pour le spectacle, doivent être certifiées aptes au combat, ce qui permet d'éviter tout accident impliquant des lames qui se brisent accidentellement.

Les armes de mêlée sont utilisées dans les grandes scènes de bataille et peuvent inclure des lances , des haches , des masses , des fléaux , etc. Ce sont d'autres armes qui sont mieux utilisées dans les grands espaces de jeu où il y a de la place pour travailler à une distance sûre.

Les bâtons sont utilisés dans les spectacles qui se déroulent dans de grands espaces de jeu en raison de la grande taille de l'arme. L'un des combats au bâton les plus populaires est celui entre Robin des Bois et Petit Jean dans le conte de Robin des Bois de la ballade du XVIIe siècle. La chorégraphie moderne au bâton a également intégré les techniques du bâton bō de l'art martial japonais Tenshin Shōden Katori Shintō-ryū , qui est né vers 1447. Des exemples de ce style peuvent être vus dans la célèbre pièce de Kabuki Yoshitsune Senbon Zakura , écrite en 1748.

La reproduction des arts martiaux asiatiques sur scène est souvent une imitation de leur représentation cinématographique et implique souvent de créer l'illusion de compétences de haut niveau que les interprètes eux-mêmes ne possèdent pas. Souvent, ils sont chorégraphiés avec des mouvements stylisés qui s'inspirent davantage du cinéma d'arts martiaux asiatiques que des pratiques martiales réelles.

La compagnie de théâtre Vampire Cowboys , dirigée par Qui Nguyen et Robert Ross Parker, a construit un genre en partie autour de la mise en scène de scènes de combat élaborées dérivées des arts martiaux.

La pièce Burn This de Lanford Wilson comprend également une scène de combat scénarisée avec des éléments d' aïkido et de karaté . Bien que la pièce elle-même ne soit pas axée sur les arts martiaux, leur inclusion est importante dans un moment clé de la pièce. On trouve un exemple d'arts martiaux centrés sur une scène de théâtre musical dans Company (comédie musicale) de Stephen Sondheim , pendant la chanson « The Little Things You Do Together ». Ils apparaissent également dans certaines œuvres de David Henry Hwang .

La Pan Asian Rep a produit deux fois Shogun MacBeth , qui a transposé la pièce de Shakespeare au Japon féodal, avec le style d'escrime approprié. Adaptant également la même pièce à un contexte japonais, Ping Chong a créé une version scénique du Trône de sang de Kurosawa .

En termes de théâtre asiatique, les scènes de combat dans des genres tels que le Kabuki sont souvent très stylisées.

L'épée large, une grande épée couramment utilisée au début du Moyen Âge en Europe, était remarquable par sa grande poignée qui lui permettait d'être maniée à deux mains en raison de sa taille et de son poids. Utilisée pour trancher plutôt que pour poignarder, cette arme est utilisée dans des pièces se déroulant à cette époque comme Macbeth de Shakespeare et apparaît également dans des épopées fantastiques comme Le Seigneur des anneaux .

La première école enseignant l'utilisation correcte de la rapière en Angleterre a été fondée en 1576 par Rocco Bonetti d'Italie. Bonetti a repris le bail du dramaturge John Lyly pour ouvrir son école à Blackfriars . La rapière a l'avantage de la poussée sur la coupe, ce qui signifie qu'elle pourrait être une arme beaucoup plus petite et plus légère que l'épée large. Elle est populaire dans les pièces de Shakespeare comme Roméo et Juliette et Hamlet où des duels sont organisés et peut être utilisée en combinaison avec un poignard.

L' épée de petit calibre est devenue à la mode en Angleterre et en France à la fin du XVIIe siècle. Elle était utilisée comme arme d'estoc et les mouvements de l'épée étaient donc réduits au minimum pour trouver l'ouverture par laquelle une estoc pouvait atterrir. La plupart des hommes de l'époque portaient des épées de petit calibre comme accessoires de mode, la plupart étaient donc élégamment ornées. Un exemple de duel à l'épée de petit calibre peut être vu dans Les Liaisons Dangereuses de Christopher Hampton écrit en 1985, basé sur le roman de 1782 du même nom .

Il existe de nombreux styles de combat au couteau, du couteau Bowie au couteau à cran d'arrêt . Les combats au couteau ont tendance à comporter des mouvements rapides et tranchants. On peut en voir un exemple dans le combat entre Riff et Bernardo dans West Side Story . Cependant, dans les pièces de théâtre, il s'agit souvent d'un acteur armé d'un couteau contre un acteur non armé, comme dans l'acte I de l'opéra Carmen de Georges Bizet , écrit en 1875.

L'épée et les boucliers utilisés dans les combats sur scène sont généralement ronds et suffisamment solides pour être utilisés comme armes défensives et offensives. Un élément important dans l'utilisation d'un bouclier est de tenir le bras portant le bouclier dans une diagonale supérieure de sorte que le poing soit plus haut que le coude afin que le haut du bouclier ne bouge pas lorsqu'il est frappé, et le danger d'être frappé au visage avec le bouclier ou l'arme utilisée pour le frapper peut être évité. L'épée et les boucliers peuvent être trouvés dans des scènes de bataille comme dans les pièces historiques de Shakespeare sur la Guerre des Deux-Roses .

Un incontournable des films d'action modernes en raison de son spectacle visuel, résultat d'une chorégraphie et de cascades souvent impressionnantes.

Il s'agit d'un combat au corps à corps sans arme. Les éléments du combat sans armes comprennent des gifles, des coups de poing, des coups de pied, des saisies, des étranglements, des chutes, des roulades, des grappins, entre autres. De nombreux metteurs en scène de combats s'appuient sur des combinaisons de combats de rue désordonnés et d'arts martiaux tels que l'aïkido et le jiu-jitsu brésilien pour créer des combats de cette nature. Généralement plus courant dans les pièces contemporaines modernes, après que les épées soient passées de mode, mais également vu dans des pièces plus anciennes comme Othello de Shakespeare lorsqu'Othello étrangle Desdémone.

Les objets trouvés sont des objets qui ne sont pas traditionnellement des armes mais qui peuvent être utilisés comme tels dans le contexte de la scène. Un exemple classique est le fait de briser une bouteille sur la tête de quelqu'un. Comme pour tous les combats sur scène, les objets sont truqués de manière à ne pas représenter de danger réel pour les destinataires. Dans le cas des bouteilles ou des assiettes, on utilise des moules en verre à sucre plutôt que de véritables bouteilles en verre.

Les chorégraphies de combat peuvent varier considérablement, du véritable réalisme à la pure fantaisie , en fonction des exigences d'une production particulière. L'une des principales raisons pour lesquelles les metteurs en scène de combats de théâtre ne visent souvent pas un réalisme strict est que le public ne pourrait pas facilement suivre « l'histoire » de l'action si les corps et les lames se déplaçaient de la même manière que les combattants entraînés les déplaceraient. Par exemple, une production de Cyrano de Bergerac , d' Edmond Rostand , utilisant des rapières du XVIIe siècle, pourrait montrer Cyrano effectuant de nombreuses attaques circulaires. Mais une attaque plus efficace et plus pratique consisterait à prendre une ligne plus rapide et plus directe vers le corps de l'adversaire. Mais le metteur en scène sait que le public ne pourrait pas suivre l'action aussi bien si les attaques étaient plus rapides (le public pourrait à peine voir les fines lames s'envoler dans l'air), donc la plupart des chorégraphes de combat feraient des choix pour aider le public à suivre l'histoire. Bien sûr, cela dépend de la production, du metteur en scène et d'autres choix stylistiques.

Selon une école de pensée des chorégraphes de combat, un aspect inhabituel du combat sur scène, comme dans une pièce de théâtre, est que le public réagira négativement à la violence même simulée s'il craint que les acteurs soient blessés : par exemple, si un acteur est vraiment giflé, le public cessera de penser au personnage et, à la place, s'inquiétera de l'interprète. Le public peut également craindre pour sa propre sécurité si les grandes scènes de combat semblent hors de contrôle. Par conséquent, le combat sur scène n'est pas simplement une technique de sécurité, mais il est également important pour le public de maintenir une suspension ininterrompue de l'incrédulité .

Ayant ses racines dans le théâtre médiéval , le combat scénique entre dans la chorégraphie du théâtre classique avec le drame élisabéthain ( mise en scène simple et souvent vue de Shakespeare , Ils se battent ).

Pièces de théâtre classiques avec des scènes de combat à l’épée :

• Roméo et Juliette (1597) de William Shakespeare
• Henri IV (1597) de William Shakespeare
• Hamlet (vers 1600) de William Shakespeare
• Macbeth (vers 1605) de William Shakespeare
• Le Roi Lear (1606) de William Shakespeare (Cornouailles et le serviteur, acte III ; Edgar et Edmund, acte V)
• Troïlus et Cressida (1609) de William Shakespeare
• Dommage qu'elle soit une prostituée (vers 1630) de John Ford
• Le Rover (1677) d' Aphra Behn
• Die Räuber (1781) de Friedrich Schiller
• Cyrano de Bergerac (1897) d' Edmond Rostand

Le cinéma a hérité le concept de combats chorégraphiés directement du combat théâtral. En 1920, Douglas Fairbanks fut le premier réalisateur à demander à un maître d'escrime de l'aider à produire une scène d'escrime au cinéma. Une deuxième vague de films de cape et d'épée fut déclenchée par Errol Flynn à partir de 1935. Un regain d'intérêt pour les films de cape et d'épée apparut dans les années 1970, à la suite de Les Trois Mousquetaires (1973). Les réalisateurs de cette époque visaient une certaine précision historique, même si, comme le dit l' Encyclopædia Britannica de 2007 , « l'escrime au cinéma reste une piètre représentation de la technique d'escrime réelle ». Les films Star Wars , dont les combats sont chorégraphiés par Bob Anderson et Peter Diamond (épisodes IV, V et VI) et Nick Gillard (épisodes I, II et III), ont tendance à dépeindre leurs combats au sabre laser en utilisant des techniques d'escrime tirées d'arts martiaux existants, mais exécutées avec des armes fantastiques telles que des sabres laser ou la Force , tandis que l'action présentée dans Le Seigneur des Anneaux également chorégraphié par Bob Anderson a utilisé des armes et des styles de combat fantastiques, conçus par Tony Wolf .

Durant les années 1970 et 1980, Bruce Lee , Sonny Chiba , Jackie Chan et Sammo Hung sont devenus célèbres pour leurs chorégraphies et leurs rôles dans des films d'action d'arts martiaux, et ont eu une influence sur le développement du combat scénique au cinéma. Le chorégraphe de combat Yuen Woo-ping, basé à Hong Kong, est connu pour son travail sur Le Tigre et le Dragon et la trilogie Matrix , dans lesquels les techniques de combat souvent irréalistes sont complétées par des techniques de mise en scène telles que le bullet time . Ching Siu-tung est particulièrement connu dans le domaine du cinéma d'action de Hong Kong pour son utilisation de techniques gracieuses de wire fu . En revanche, des films tels que The Duellists , combat réalisé par William Hobbs, Once Were Warriors , combat réalisé par Robert Bruce et Troy & Ironclad , combat réalisé par Richard Ryan sont largement connus pour inclure des scènes de combat réalistes et réalistes. Ryan est également connu pour sa créativité dans la conception de styles tels que celui de Batman dans The Dark Knight , le style « prévisionnel » de Sherlock Holmes dans les deux films Sherlock Holmes de Guy Ritchie .

La reconstitution de combat est une branche de la reconstitution historique qui vise à décrire des événements de bataille, généralement un engagement spécifique dans l'histoire, mais aussi des batailles non scénarisées où le « vainqueur » n'est pas prédéterminé.