arts décoratifs

Les arts décoratifs regroupent les arts et métiers visant à concevoir et fabriquer des objets à la fois esthétiques et fonctionnels. Ils englobent la plupart des objets destinés à l'aménagement intérieur des bâtiments, ainsi que la décoration d'intérieur , mais excluent généralement l'architecture . La céramique , la ferronnerie , le mobilier , la joaillerie , la mode , les arts textiles sous toutes leurs formes et la verrerie en constituent les principales catégories.

Les arts appliqués et les arts décoratifs se recoupent largement, et dans le langage courant, on les regroupe souvent sous la catégorie générique du design . Les arts décoratifs se distinguent généralement des « beaux-arts », à savoir la peinture , le dessin , la photographie et la sculpture monumentale , qui produisent des objets uniquement pour leur qualité esthétique et leur capacité à stimuler l' intellect .

La distinction entre arts décoratifs et beaux-arts est essentiellement apparue dans l'art post- Renaissance occidental, où elle conserve toute sa pertinence. Cette distinction est beaucoup moins pertinente lorsqu'on considère l'art d'autres cultures et époques, où les œuvres les plus prisées, voire la totalité des œuvres, relèvent des arts décoratifs. Par exemple, l'art islamique, dans de nombreuses périodes et régions, se compose entièrement d'arts décoratifs, utilisant souvent des formes géométriques et végétales , à l'instar de l'art de nombreuses cultures traditionnelles.

La distinction entre arts décoratifs et beaux-arts n'est guère pertinente pour apprécier l'art chinois , ni pour comprendre l'art du haut Moyen Âge en Europe . À cette époque, en Europe, les beaux-arts tels que l'enluminure et la sculpture monumentale existaient, mais les œuvres les plus prestigieuses relevaient plutôt de l'orfèvrerie , du travail des métaux coulés comme le bronze, ou d'autres techniques comme la sculpture sur ivoire . Les peintures murales de grande envergure étaient bien moins prisées, d'exécution rudimentaire et rarement mentionnées dans les sources contemporaines. Elles étaient probablement considérées comme un substitut inférieur à la mosaïque , qui, pour l'époque, devait être considérée comme un art à part entière, même si, au cours des siècles suivants, elle a eu tendance à être perçue comme décorative. Un sort similaire a été réservé à la tapisserie , que la royauté de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance considérait comme la forme d'art la plus magnifique, et certainement la plus coûteuse. Le terme « ars sacra » (« arts sacrés ») est parfois employé pour désigner l'art chrétien médiéval réalisé en métal, en ivoire, en textile et autres matériaux précieux, mais pas pour les rares œuvres profanes de cette période.

La conception de la décoration comme un « art mineur » a été formellement remise en question dans les années 1970 par des écrivaines et historiennes de l'art telles qu'Amy Goldin et Anne Swartz . L'idée d'un récit unique en art a perdu de son influence à la fin du XXe siècle, sous l'effet de l'ironie postmoderne et de l'intérêt croissant des conservateurs pour le street art et les traditions décoratives ethniques. Le mouvement Pattern and Decoration, apparu dans les galeries new-yorkaises dans les années 1980, bien qu'éphémère, a ouvert la voie à une évaluation plus inclusive de la valeur des objets d'art

La compréhension moderne de l'art de nombreuses cultures est souvent faussée par la valorisation actuelle des beaux-arts au détriment des autres formes d'expression, ainsi que par les taux de conservation très variables des œuvres réalisées selon les supports. Les objets en métal, et plus particulièrement en métaux précieux, sont susceptibles d'être « recyclés » dès qu'ils tombent en désuétude et servaient souvent de réserve de richesse, étant fondus en cas de besoin d'argent. Les manuscrits enluminés, quant à eux, se conservent beaucoup mieux, notamment au sein des institutions ecclésiastiques, car les matériaux utilisés étaient peu coûteux et leur stockage aisé.

La promotion des beaux-arts au détriment des arts décoratifs dans la pensée européenne remonte en grande partie à la Renaissance, lorsque des théoriciens italiens tels que Vasari ont promu des valeurs artistiques, illustrées par les artistes de la Haute Renaissance , qui accordaient peu d'importance au coût des matériaux ou à la quantité de travail technique nécessaire à la réalisation d'une œuvre, mais privilégiaient plutôt l'imagination artistique et la touche personnelle d'un maître exceptionnellement doué comme Michel-Ange , Raphaël ou Léonard de Vinci , renouant ainsi, dans une certaine mesure, avec l'approche de l'Antiquité. La plupart des œuvres d'art européennes du Moyen Âge avaient été produites selon un système de valeurs très différent, où les matériaux coûteux et la virtuosité technique étaient hautement valorisés.

En Chine, les deux approches ont coexisté pendant de nombreux siècles : la peinture à l’encre , principalement de paysages , était en grande partie produite par et pour les lettrés-fonctionnaires ou « lettrés », et visait avant tout à exprimer l’imagination de l’artiste, tandis que d’autres domaines artistiques majeurs, notamment les céramiques chinoises très importantes produites dans des conditions quasi industrielles, étaient produits selon un ensemble de valeurs artistiques complètement différent.

Le statut inférieur accordé aux arts décoratifs par rapport aux beaux-arts s'est affiné avec l'essor du mouvement Arts and Crafts . Ce mouvement esthétique de la seconde moitié du XIXe siècle, né en Angleterre, s'inspirait des écrits de Thomas Carlyle , John Ruskin et William Morris . Il marqua le début d'une plus grande appréciation des arts décoratifs à travers l'Europe. L'attrait du mouvement Arts and Crafts pour une nouvelle génération incita l'architecte et designer anglais Arthur Heygate Mackmurdo à fonder la Century Guild pour les artisans en 1882, défendant l'idée qu'il n'existait aucune différence significative entre les beaux-arts et les arts décoratifs. De nombreux adeptes, issus aussi bien du milieu artistique professionnel que de la classe intellectuelle en général, contribuèrent à diffuser les idées du mouvement.

L'influence du mouvement Arts and Crafts a permis aux arts décoratifs d'être davantage appréciés et reconnus au sein de la société, ce qui s'est rapidement traduit par des modifications législatives. Jusqu'à la promulgation de la loi sur le droit d'auteur de 1911, seules les œuvres d'art étaient protégées contre la copie non autorisée. La loi de 1911 a étendu la définition d'« œuvre artistique » aux œuvres d'« artisanat artistique ».

Dans un contexte de production de masse et de consumérisme, certains individus cherchent à créer ou à maintenir leur mode de vie , voire à construire leur identité, lorsqu'ils sont contraints d'accepter des objets identiques produits en série. Selon Colin Campbell, dans son article « Le consommateur artisanal » cela se traduit par la sélection de biens dans le but précis de les modifier. Au lieu d'accepter un objet étranger tel quel, on l'intègre et on le transforme pour qu'il corresponde à son mode de vie et à ses choix ; on le personnalise .

Une façon de personnaliser l'apparence d'objets courants est de modifier leur aspect extérieur en appliquant des techniques décoratives, comme le découpage , les voitures artistiques , l'art des camions en Asie du Sud et le détournement de meubles IKEA .