l'art médiéval

L' art médiéval du monde occidental couvre une vaste période et un vaste espace, avec plus de mille ans d'histoire de l'art en Europe, et à certaines époques en Asie occidentale et en Afrique du Nord . Il englobe les grands mouvements et périodes artistiques, l'art national et régional, les genres, les renouveaux, les techniques des artistes et les artistes eux-mêmes.

Les historiens de l'art s'efforcent de classer l'art médiéval en grandes périodes et styles, souvent avec difficulté. Un système généralement admis comprend les dernières phases de l'art paléochrétien , l'art des Grandes Invasions , l'art byzantin , l'art insulaire , l'art préroman , l'art roman et l'art gothique , ainsi que de nombreuses autres périodes au sein de ces styles centraux. Par ailleurs, chaque région, surtout durant la période de formation des nations et des cultures, possédait son propre style artistique distinct, comme l'art anglo-saxon ou l'art viking .

L'art médiéval s'exprimait à travers de nombreux supports, et de nombreuses œuvres subsistent en sculpture , en manuscrits enluminés , en vitraux , en orfèvrerie et en mosaïque . Ces supports ont tous connu un taux de conservation supérieur à celui d'autres formes d'art comme les fresques , les objets en métaux précieux ou les textiles , notamment les tapisseries . Surtout au début de cette période, les œuvres relevant des « arts mineurs » ou arts décoratifs , telles que l'orfèvrerie, la sculpture sur ivoire, l'émaillage et la broderie aux métaux précieux, étaient probablement plus prisées que les peintures ou les sculptures monumentales .

L'art médiéval en Europe est issu de l'héritage artistique de l' Empire romain et des traditions iconographiques de l' Église primitive . Ces sources se sont mêlées à la vigoureuse culture artistique « barbare » d'Europe du Nord pour donner naissance à un remarquable héritage artistique. De fait, l'histoire de l'art médiéval peut être perçue comme celle de l'interaction entre les éléments de l'art classique , paléochrétien et « barbare » . Outre les aspects formels du classicisme, une tradition continue de représentation réaliste des objets s'est perpétuée dans l'art byzantin tout au long de cette période, tandis qu'en Occident, elle apparaît de manière intermittente, se combinant et parfois rivalisant avec les nouvelles possibilités expressionnistes développées en Europe occidentale et l'héritage nordique d'éléments décoratifs dynamiques. Cette période s'est achevée avec la renaissance, qui revendiquait la reconquête des techniques et des valeurs de l'art classique, et l'héritage artistique du Moyen Âge a ensuite été dénigré pendant plusieurs siècles. Depuis un regain d'intérêt et de compréhension au XIXe siècle, cette période est considérée comme une phase d'immenses réalisations qui sous-tendent le développement de l'art occidental ultérieur.

Les premiers siècles du Moyen Âge en Europe – jusqu'aux alentours de 800 – furent marqués par un déclin de la prospérité, de la stabilité et de la population, suivi d'une croissance relativement régulière et générale jusqu'au terrible coup dur de la peste noire vers 1350. On estime que cette épidémie a décimé au moins un tiers de la population européenne, avec des taux généralement plus élevés au sud et plus faibles au nord. De nombreuses régions ne retrouvèrent leur niveau de population antérieur qu'au XVIIe siècle. La population européenne aurait atteint son point le plus bas, à environ 18 millions d'habitants, en 650, avant de doubler vers l'an 1000 et de dépasser les 70 millions en 1340, juste avant la peste noire. En 1450, elle n'était encore que de 50 millions. À ces chiffres, la contribution de l'Europe du Nord, et notamment de la Grande-Bretagne, était moindre qu'aujourd'hui, tandis que celle de l'Europe du Sud, y compris la France, était plus importante. L'amélioration de la prospérité, pour les survivants, fut bien moins affectée par la peste noire. Jusqu'au XIe siècle environ, la majeure partie de l'Europe manquait de main-d'œuvre agricole, avec de grandes quantités de terres inutilisées, et la période chaude médiévale a été bénéfique à l'agriculture jusqu'en 1315 environ.

La période médiévale vit progressivement le déclin des invasions et incursions extérieures qui avaient caractérisé le premier millénaire. Les conquêtes islamiques des VIIe et VIIIe siècles isolèrent brutalement et définitivement l'Afrique du Nord du monde occidental, et, durant le reste de la période, les peuples musulmans prirent progressivement le contrôle de l' Empire byzantin , jusqu'à la fin du Moyen Âge où l'Europe catholique, après avoir reconquis la péninsule Ibérique au sud-ouest, se retrouva de nouveau sous la menace musulmane venue du sud-est.

Au début du Moyen Âge, la plupart des œuvres d'art importantes étaient des objets rares et coûteux, associés aux élites laïques, aux monastères ou aux grandes églises et, lorsqu'elles étaient religieuses, largement produites par des moines. À la fin du Moyen Âge, on trouvait des œuvres d'un intérêt artistique considérable dans les petits villages et dans un nombre important de demeures bourgeoises des villes, et leur production constituait dans de nombreux endroits une importante activité économique locale, les artistes issus du clergé étant désormais l'exception. Cependant, la Règle de saint Benoît autorisait la vente d'œuvres d'art par les monastères, et il est clair que, tout au long de cette période, les moines pouvaient produire de l'art, y compris des œuvres profanes, à des fins commerciales pour un marché laïc, et que les monastères employaient également des spécialistes laïcs lorsque cela s'avérait nécessaire.

Les œuvres qui nous sont parvenues pourraient laisser croire que l'art médiéval était presque exclusivement religieux. Or, il n'en est rien. Si l'Église s'est considérablement enrichie au Moyen Âge et a parfois été disposée à dépenser sans compter pour l'art, il existait également une abondante production d'art profane d'une qualité équivalente, qui a malheureusement subi un taux d'usure, de perte et de destruction bien plus élevé. Au Moyen Âge, on n'avait généralement pas la notion de préserver les œuvres anciennes pour leur valeur artistique intrinsèque, par opposition à leur association avec un saint ou une figure fondatrice, et les périodes suivantes, la Renaissance et le Baroque, ont eu tendance à dénigrer l'art médiéval. La plupart des manuscrits enluminés de luxe du haut Moyen Âge possédaient de somptueuses reliures en métaux précieux, ivoire et pierres précieuses ; les pages reliées et les reliefs en ivoire de ces reliures ont été conservés en bien plus grand nombre que les reliures complètes, dont la plupart ont été dépouillées de leurs matériaux précieux.

La plupart des églises ont été reconstruites, souvent à plusieurs reprises, mais les palais médiévaux et les grandes demeures ont disparu à un rythme bien plus rapide, de même que leurs aménagements et décorations. En Angleterre, des églises subsistent en grande partie intactes pour chaque siècle depuis le VIIe, et en nombre considérable pour les siècles suivants – la seule ville de Norwich compte 40 églises médiévales – mais parmi les dizaines de palais royaux, aucun ne subsiste d'avant le XIe siècle, et seuls quelques vestiges subsistent pour le reste de la période. La situation est similaire dans la majeure partie de l'Europe, bien que le Palais des Papes d' Avignon , datant du XIVe siècle , soit resté en grande partie intact. Nombre des plus longs débats scientifiques concernant la datation et l'origine d'œuvres individuelles portent sur des pièces profanes, car elles sont beaucoup plus rares – la Broche Fuller anglo-saxonne a été refusée par le British Museum, considérée comme un faux improbable, et les petites sculptures profanes en bronze sont si rares que la datation, l'origine et même l'authenticité des deux meilleurs exemplaires connus font l'objet de discussions depuis des décennies.

L'utilisation de matériaux précieux est une constante dans l'art médiéval ; jusqu'à la fin de la période, on dépensait généralement bien plus pour leur acquisition que pour la rémunération des artistes, même s'il ne s'agissait pas de moines accomplissant leurs devoirs. L'or était employé pour les objets destinés aux églises et aux palais, les bijoux personnels et les ornements de vêtements, et – fixé au dos des tesselles de verre – comme fond solide pour les mosaïques , ou appliqué en feuilles d'or sur les miniatures des manuscrits et des peintures sur panneau. Nombre d'objets en métaux précieux étaient fabriqués en sachant que leur valeur marchande pourrait être réalisée ultérieurement ; ce n'est que vers la fin de la période que l'argent put être investi autrement que dans l'immobilier , sauf au prix de grands risques ou en pratiquant l'usure .

L' outremer, pigment encore plus onéreux , fabriqué à partir de lapis-lazuli broyé provenant exclusivement d' Afghanistan , fut utilisé avec profusion à l'époque gothique, plus fréquemment pour le manteau bleu traditionnel de la Vierge Marie que pour les ciels. L'ivoire , souvent peint, demeura un matériau important jusqu'à la fin de cette période, illustrant parfaitement le passage de l'art de luxe aux objets profanes ; au début de cette période, la plupart des usages évoluaient des diptyques consulaires vers des objets religieux tels que des reliures de livres, des reliquaires et des crosses , mais à l'époque gothique, les étuis à miroirs, les coffrets et les peignes ornés devinrent courants parmi les classes aisées. Les fines plaques d'ivoire sculptées en relief étant rarement réutilisables, leur nombre est relativement élevé ; il en va de même pour les pages de manuscrits, bien que celles-ci fussent souvent recyclées par grattage, donnant ainsi naissance à des palimpsestes .

Même ces matériaux de base étaient coûteux : lorsque l’ abbaye anglo-saxonne de Monkwearmouth-Jarrow a prévu de créer trois copies de la Bible en 692 — dont l’une subsiste sous le nom de Codex Amiatinus —, la première étape nécessaire a été de planifier l’élevage du bétail pour fournir les 1 600 veaux nécessaires à la fabrication du vélin requis.

Le papier fit son apparition durant les derniers siècles de cette période, mais restait extrêmement cher selon les normes actuelles ; les gravures sur bois vendues aux pèlerins dans les sanctuaires étaient souvent de la taille d’une boîte d’allumettes , voire plus petites. La dendrochronologie moderne a révélé que la majeure partie du chêne utilisé pour les panneaux de la peinture des Primitifs flamands du XVe siècle provenait du bassin de la Vistule, en Pologne. Le bois était ensuite transporté par voie fluviale, puis par voie maritime à travers la mer Baltique et la mer du Nord jusqu’aux ports flamands , avant d’être séché pendant plusieurs années.

L’art au Moyen Âge est un vaste sujet, que les historiens de l’art divisent traditionnellement en plusieurs grandes phases, styles ou périodes. Le Moyen Âge ne commence ni ne se termine de façon nette à une date précise, ni simultanément dans toutes les régions, et il en va de même pour les grandes phases artistiques de cette période. Ces grandes phases sont abordées dans les sections suivantes.

L'art paléochrétien, plus généralement désigné comme art de l'Antiquité tardive , couvre la période allant d'environ 200 (avant laquelle aucun art chrétien distinct ne subsiste) jusqu'à l'avènement d'un style pleinement byzantin vers 500. Les avis divergent encore quant à la date de début du Moyen Âge durant cette période, tant du point de vue de l'histoire générale que de celui de l'histoire de l'art, mais on le situe le plus souvent vers la fin de cette période. Au cours du IVe siècle, le christianisme passe du statut de secte populaire persécutée à celui de religion officielle de l'Empire, adoptant les styles romains existants et souvent l'iconographie , issue de l'art populaire et impérial. Dès le début de cette période, les principaux témoignages de l'art chrétien sont les peintures tombales de style populaire des catacombes de Rome , mais à la fin, on trouve de nombreuses mosaïques somptueuses dans les églises construites sous le patronage impérial.

Durant cette période, l'art romain tardif impérial connut une phase baroque marquante, puis abandonna en grande partie le style classique et le réalisme grec au profit d'un style plus mystique et hiératique – un processus déjà bien amorcé avant même que le christianisme ne devienne une influence majeure sur l'art impérial. Les influences venues des régions orientales de l'Empire – l'Égypte , la Syrie et d'ailleurs – ainsi qu'une riche tradition vernaculaire italique, contribuèrent à cette évolution.

Les figures sont généralement représentées de face, fixant le spectateur, alors que l'art classique privilégiait les profils ; ce changement finit par se retrouver même sur les pièces de monnaie. L'individualité des portraits, grande force de l'art romain, décline fortement, et l'anatomie et les drapés des figures sont rendus avec beaucoup moins de réalisme. Les modèles à partir desquels l'Europe du Nord médiévale, en particulier, a forgé son idée du style « romain » étaient presque tous des objets portables de l'Antiquité tardive, ainsi que les sarcophages sculptés de cette époque, découverts dans tout l'ancien Empire romain ; la volonté de retrouver des modèles classiques plus anciens et « plus purs » fut un élément clé de l'art all'antica de la Renaissance.

reliefs en ivoire

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  Ascension du Christ et Noli me tangere , vers 400, conservant de nombreux éléments de style classique. Voir le Sacramentaire de Drogo pour une Ascension similaire , 450 ans plus tard.
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  Diptyque consulaire , Constantinople 506, dans le style de l'Antiquité tardive
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  Panneau ottonien des Ivoires de Magdebourg , dans un style monumental audacieux avec peu de tentative de classicisme ; Milan 962–973.
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  Triptyque gothique français de la fin du XIVe siècle , probablement destiné à un laïc, représentant des scènes de la Vie de la Vierge.

L'art byzantin est l'art de l'Empire byzantin de langue grecque, formé après la division de l'Empire romain entre l'Orient et l'Occident, et parfois de certaines parties de l'Italie sous domination byzantine. Il émerge de l'Antiquité tardive, vers 500 apr. J.-C., et forge rapidement une tradition distincte de celle de l'Europe catholique, tout en exerçant une grande influence sur elle. Au début du Moyen Âge, les plus belles œuvres d'art byzantin, souvent issues des grands ateliers impériaux, représentaient un idéal de raffinement et de technique que les mécènes européens s'efforçaient d'imiter. Durant la période d' iconoclasme byzantin (730-843), la grande majorité des icônes (images sacrées généralement peintes sur bois) furent détruites ; il en reste si peu qu'aujourd'hui, chaque découverte apporte un nouvel éclairage sur leur histoire. La plupart des œuvres restantes se trouvent en Italie (Rome, Ravenne, etc.) ou en Égypte, au monastère Sainte-Catherine .

L'art byzantin était extrêmement conservateur, pour des raisons religieuses et culturelles, mais il conservait une tradition continue de réalisme grec, qui se heurtait à une forte influence anti-réaliste et hiératique. Après la reprise de la production d'icônes en 843 et jusqu'en 1453, la tradition artistique byzantine se poursuivit avec relativement peu de changements, malgré, ou peut-être grâce à, le lent déclin de l'Empire. On observe un renouveau notable du style classique dans les œuvres d'art de cour du Xᵉ siècle, comme le Psautier de Paris . Tout au long de cette période, les enluminures de manuscrits présentent des styles parallèles, souvent employés par le même artiste, pour les figures iconiques des miniatures encadrées et pour les petites scènes ou figures plus informelles, ajoutées sans cadre dans les marges du texte dans un style beaucoup plus réaliste.

La sculpture monumentale figurative demeurait un tabou dans l'art byzantin ; on ne connaît pratiquement aucune exception. En revanche, les petits reliefs en ivoire, presque tous de style iconique (le Triptyque d'Harbaville est contemporain du Psautier de Paris, mais très différent par son style), constituaient une spécialité, de même que les décors en relief sur les coupes et autres objets en métal.

L'Empire byzantin a produit une grande partie des plus belles œuvres d'art du Moyen Âge, tant par la qualité des matériaux que par celle de la réalisation. La production de la cour était concentrée à Constantinople , bien que certains historiens de l'art aient remis en question l'idée, encore répandue, selon laquelle toutes les œuvres de la plus haute qualité, sans indication d'origine, étaient produites dans la capitale. Le chef-d'œuvre de l'art byzantin réside dans les fresques et mosaïques monumentales ornant les églises à coupole, dont la plupart ont disparu, victimes de catastrophes naturelles ou de la transformation d'églises en mosquées .

L'art byzantin a exercé une influence constante sur l'art d'Europe occidentale, et les splendeurs de la cour et des monastères byzantins, même à la fin de l'Empire, ont servi de modèle aux souverains occidentaux et aux mécènes, laïcs et ecclésiastiques. Par exemple, les textiles de soie byzantins , souvent tissés ou brodés de motifs représentant des figures animales et humaines (les premières reflétant souvent des traditions originaires de bien plus à l'est), restèrent inégalés dans le monde chrétien jusqu'à la fin de l'Empire. Ils étaient produits, mais probablement pas exclusivement, dans les ateliers impériaux de Constantinople, dont nous ignorons presque tout – l'existence d'ateliers similaires est souvent supposée pour d'autres arts, avec encore moins de preuves. Le style à fond d'or des mosaïques, des icônes et des miniatures de manuscrits était répandu dans toute l'Europe à l'époque gothique. D'autres arts décoratifs étaient moins développés ; la céramique byzantine dépasse rarement le niveau d'un art populaire attrayant , malgré l' héritage de la Grèce antique et le brillant avenir, sous l' Empire ottoman , des céramiques d'Iznik et d'autres types de poterie.

D’autres traditions locales en Arménie , en Syrie , en Géorgie et ailleurs témoignaient généralement d’une moindre sophistication, mais souvent d’une plus grande vigueur que l’art de Constantinople , et parfois, notamment en architecture , semblent avoir exercé une influence jusqu’en Europe occidentale. Par exemple, la sculpture monumentale figurative ornant l’extérieur des églises apparaît ici quelques siècles avant d’être observée en Occident.

Les œuvres du continent africain sont souvent négligées dans les études sur l'art médiéval. Parmi celles-ci figurent les arts d'Égypte, de Nubie et d'Éthiopie. Après le rejet du concile de Chalcédoine par les Églises africaines et leur transformation en Églises orthodoxes orientales , leur art évolua vers de nouvelles directions, apparentées à Byzance mais distinctes de celle-ci.

L'art copte trouve son origine dans les conceptions égyptiennes autochtones, avec un style non réaliste, souvent caractérisé par des figures aux grands yeux flottant sur des fonds non peints. La décoration copte utilisait des motifs géométriques complexes, repris plus tard par l'art islamique. Grâce à l'exceptionnel état de conservation des sépultures égyptiennes, nous connaissons mieux les textiles utilisés par les classes les plus modestes en Égypte que partout ailleurs. Ces textiles étaient souvent richement décorés de motifs figuratifs et ornementaux.

L'art éthiopien était un élément essentiel de l' empire aksumite , comme en témoignent les Évangiles de Garima , parmi les plus anciens manuscrits bibliques illustrés au monde. Les ouvrages consacrés à la Vierge Marie étaient particulièrement susceptibles d'être illustrés, comme le démontre un manuscrit royal connu sous le nom d' EMML 9002, datant de la fin du XIVe siècle. Certaines de ces images de Marie sont visibles dans le cadre du projet « Miracles de Marie d'Éthiopie, d'Érythrée et d'Égypte » de Princeton.

Le terme « art des Grandes Invasions » englobe l'art des peuples germaniques et d'Europe de l'Est, qualifiés de « barbares », qui immigrèrent et s'établirent ensuite dans l'ancien Empire romain et en Europe durant les Grandes Invasions, entre 300 et 700 environ. Ce terme générique recouvre une grande variété de styles ethniques et régionaux, notamment l'art anglo-saxon primitif , l'art wisigothique , l'art viking et l'art mérovingien , qui tous utilisaient le style animalier ainsi que des motifs géométriques inspirés de l'art classique. À cette époque, le style animalier avait atteint une forme beaucoup plus abstraite que dans l'art scythe antérieur ou dans le style de La Tène . La plupart des œuvres étaient de petite taille et portables, et celles qui nous sont parvenues sont principalement des bijoux et des objets en métal. L'art s'exprime par des motifs géométriques ou schématiques, souvent d'une grande beauté de conception et d'exécution, avec peu de figures humaines et sans recherche de réalisme. Les objets funéraires anglo-saxons primitifs de Sutton Hoo en sont parmi les plus beaux exemples.

À mesure que les missionnaires chrétiens convertissaient progressivement les peuples « barbares », l'art ethnique interagissait avec la tradition artistique chrétienne méditerranéenne post-classique et prenait de nouvelles formes, comme le manuscrit enluminé [ et les monnaies , qui cherchaient à imiter les monnaies provinciales romaines et les types byzantins . Les premières monnaies, telles que le sceat montrent que les graveurs, totalement novices en matière de représentation de profil, s'attaquaient à ce problème de diverses manières.

Quant aux œuvres de plus grande envergure, on trouve des références à des statues païennes anglo-saxonnes en bois, aujourd'hui disparues ; et dans l'art nordique, la tradition des pierres runiques sculptées s'est perpétuée après la conversion des Vikings au christianisme. Les Pictes celtes d'Écosse sculptaient également des pierres avant et après leur conversion, et la tradition anglo-saxonne et irlandaise caractéristique des grandes croix sculptées en extérieur pourrait refléter des œuvres païennes plus anciennes. L'art viking des siècles suivants, en Scandinavie et dans certaines régions des îles Britanniques, comprend des œuvres d'inspiration à la fois païenne et chrétienne, et représente l'un des derniers épanouissements de ce vaste ensemble de styles.

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  Fibules germaniques , début du Ve siècle
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  Sceat en argent anglo-saxon , Kent , vers 720. Tête diadémée tenant une croix ; revers, serpent à tête de loup.
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  Pierre à image de Suède

L'art insulaire désigne le style distinctif qui s'est développé en Irlande et en Grande-Bretagne du VIIe au Xe siècle environ, et qui a perduré plus tard en Irlande et dans certaines régions d'Écosse. Ce style est le fruit d'une fusion entre les traditions de l' art celtique , l' art de la période des Grandes Invasions germaniques (notamment chez les Anglo-Saxons) et les formes chrétiennes telles que l'art du livre, les hautes croix et l'orfèvrerie liturgique.

Des ornements géométriques, entrelacés et animaliers stylisés d'une extrême finesse, dont les formes s'inspiraient de l'orfèvrerie profane comme les broches , ornaient abondamment les manuscrits, généralement des évangélistes tels que le Livre de Kells , où des pages entières de tapis étaient consacrées à ces motifs. On assistait également au développement de la grande initiale historiée et décorée . Les figures humaines étaient rares – il s'agissait le plus souvent de portraits d'évangélistes – et d'une facture rudimentaire, même lorsqu'elles s'inspiraient des modèles de l'Antiquité tardive.

Le style manuscrit insulaire fut transmis au continent par la mission hiberno-écossaise , et son énergie anti-classique joua un rôle déterminant dans la formation des styles médiévaux ultérieurs. Dans la plupart des manuscrits de l'Antiquité tardive, le texte et l'ornementation étaient clairement séparés, bien que certaines initiales aient commencé à être agrandies et ornées. Cependant, les manuscrits insulaires majeurs consacrent parfois une page entière à une simple initiale ou aux premiers mots (voir illustration) au début des évangiles ou d'autres sections d'un livre. Cette liberté accordée à l'ornementation exerça une influence considérable sur l'art roman et gothique, tous supports confondus.

Les édifices des monastères pour lesquels furent réalisés les évangélistes insulaires étaient alors de petite taille et pouvaient être qualifiés de primitifs, surtout en Irlande. Les églises s'ornaient de plus en plus, lorsque cela était possible avec des métaux précieux, et quelques-uns de ces ornements subsistent, comme le calice d'Ardagh , ainsi qu'un plus grand nombre de bijoux profanes de haut rang, extrêmement ornementés et finement ouvragés ; les broches celtiques , probablement portées principalement par les hommes, dont la broche de Tara est la plus spectaculaire.

Le terme « franco-saxon » désigne une école d’enluminure carolingienne tardive du nord-est de la France, caractérisée par un décor de style insulaire, notamment des initiales de très grande taille, parfois associées à des images figuratives typiques des styles français contemporains. Considéré comme le plus tenace des styles carolingiens, il perdura jusqu’au XIe siècle.

Initiales géantes

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  Version carolingienne du style insulaire — comparer le « Liber generationis ... » ci-dessus.
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  Franco-saxon "In principio", 871-3.
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  Entrelacs roman , « habité » de personnages, Angleterre, 1190-1200.
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  Ornements typiques de la plume gothique dans un exemplaire de travail non illustré de l'Évangile de Jean en anglais, fin du XIVe siècle.

L'art islamique du Moyen Âge dépasse le cadre de cet article, mais il fut largement importé et admiré par les élites européennes, et son influence mérite d'être mentionnée. L'art islamique englobe une grande variété de supports, dont la calligraphie, les manuscrits enluminés, les textiles, la céramique, le travail des métaux et le verre, et désigne l'art des pays musulmans du Proche-Orient, de l'Espagne islamique et de l'Afrique du Nord, même si les artistes et artisans n'étaient pas toujours musulmans. La production de verre , par exemple, demeura une spécialité juive tout au long de cette période, et l'art chrétien, comme en Égypte copte, continua de se développer, notamment durant les premiers siècles, en maintenant certains contacts avec l'Europe. On observe une première phase de formation entre 600 et 900, suivie du développement de styles régionaux à partir de 900. Les premiers artistes islamiques travaillaient des mosaïstes et des sculpteurs formés aux traditions byzantine et copte. Au lieu de peintures murales, l'art islamique utilisait des carreaux peints , dès 862-863 (à la Grande Mosquée de Kairouan , dans l'actuelle Tunisie ), qui se répandirent également en Europe. Selon John Ruskin , le palais des Doges à Venise contient « trois éléments en proportions exactement égales : le romain, le lombard et l’arabe. C’est l’édifice central du monde. […] L’histoire de l’architecture gothique est l’histoire du raffinement et de la spiritualisation de l’œuvre nordique sous son influence. »

Les souverains islamiques contrôlaient à divers endroits la Sicile ( Émirat de Sicile ) et la majeure partie de la péninsule Ibérique ( Al-Andalus ), dominant ainsi les populations chrétiennes. Les croisés chrétiens régnaient également sur les populations musulmanes. L'art croisé est principalement un hybride des styles catholique et byzantin, avec peu d'influence islamique. Cependant, l' art mozarabe des chrétiens d' Al-Andalus semble présenter une influence islamique considérable, bien que les résultats soient peu comparables aux œuvres islamiques contemporaines. L'influence islamique se retrouve également dans le courant dominant de l'art médiéval occidental, par exemple dans le portail roman de Moissac , dans le sud de la France. Elle se manifeste à la fois dans des éléments décoratifs, tels que les bords festonnés de la porte et les décorations circulaires du linteau , et dans la représentation du Christ en majesté entouré de musiciens, un motif qui deviendra courant dans les scènes célestes occidentales et qui provient probablement des images des rois islamiques sur leur diwan . La calligraphie , l'ornementation et les arts décoratifs en général étaient plus importants qu'en Occident.

Les céramiques hispano-mauresques d'Espagne furent d'abord produites en Al-Andalus, mais les potiers musulmans semblent ensuite avoir émigré vers la région chrétienne de Valence , où ils produisirent des pièces destinées aux élites chrétiennes d'Europe ; d'autres types de produits de luxe islamiques, notamment les textiles de soie et les tapis, provenaient du monde islamique oriental, généralement plus prospère (les voies d'accès islamiques à l'Europe à l'ouest du Nil n'étaient cependant pas plus riches), et nombre d'entre elles transitaient par Venise. Toutefois, la plupart des produits de luxe de la culture de cour, tels que les soieries, l'ivoire, les pierres précieuses et les bijoux, étaient importés en Europe sous forme inachevée et transformés en produits finis qualifiés d'« orientaux » par les artisans médiévaux locaux. Ils étaient exempts de représentations de scènes religieuses et étaient normalement décorés d' ornements , ce qui les rendait faciles à accepter en Occident, en effet, à la fin du Moyen Âge, il y avait une mode pour les imitations pseudo-coufiques de l'écriture arabe utilisées de manière décorative dans l'art occidental.

Le terme « préroman » désigne l'architecture, et dans une moindre mesure l'art pictural et mobilier, apparu initialement en Europe du Sud (Espagne, Italie et sud de la France) entre l'Antiquité tardive et le début de l'époque romane au XIe siècle. L'art d'Europe du Nord s'intègre progressivement à ce mouvement après la christianisation , assimilant les styles post-classiques. L' art carolingien de l' Empire franc , notamment de la France et de l'Allemagne actuelles, entre 780 et 900 environ, tire son nom de Charlemagne. Art de la cour et de quelques centres monastiques sous patronage impérial, il visait consciemment à faire revivre les styles et les canons « romains », adaptés au nouvel Empire d'Occident . Certains centres de production carolingiens ont également été pionniers dans les styles expressifs, comme en témoignent des œuvres telles que le Psautier d'Utrecht et les Évangiles d'Ebbo . La sculpture monumentale chrétienne est attestée pour la première fois, et la représentation de la figure humaine dans des scènes narratives s'affirme pour la première fois dans l'art du Nord. L'architecture carolingienne a produit des édifices plus imposants que ceux construits depuis l'époque romaine, et a introduit le travail du bois et d'autres innovations.

Après la chute de la dynastie, une période d'interruption s'ensuivit avant qu'une nouvelle dynastie n'apporte un renouveau à l'art ottonien en Allemagne. Ce dernier , à nouveau centré sur la cour et les monastères, se caractérisait par une grande expressivité, grâce à des formes simples qui atteignaient une monumentalité même dans de petites œuvres comme les reliefs en ivoire et les miniatures de manuscrits , notamment celles de l' école de Reichenau , telles que les Péricopes d'Henri II (1002-1012). Plus tard, en Angleterre, à partir de 900 environ, l'art anglo-saxon se distinguait par une expressivité très différente, avec des figures animées et des drapés, particulièrement visibles dans les nombreux dessins à la plume des manuscrits. L' art mozarabe de l'Espagne chrétienne, fortement influencé par l'islam, se distinguait par un rejet total du réalisme dans ses miniatures aux couleurs éclatantes, où les figures sont représentées comme des motifs entièrement plats. Ces deux courants influencèrent la formation du style roman en France.

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  Portrait d'un évangéliste carolingien tiré du Codex Aureus de Lorsch , d'après un modèle de l'Antiquité tardive, fin du VIIIe siècle
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  Un autre portrait d'évangéliste carolingien dans un style réaliste gréco-byzantin, probablement par un artiste grec, également de la fin du VIIIe siècle.
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  Miniature mozarabe Beatus , fin du Xe siècle.
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  L' Apocalypse de Bamberg , de l'école ottonienne de Reichenau, atteint une monumentalité à petite échelle. 1000–1020.

L'art roman s'est développé entre l'an 1000 environ et l'essor de l'art gothique au XIIe siècle, en parallèle avec la montée du monachisme en Europe occidentale. Ce style a d'abord émergé en France, puis s'est répandu en Espagne chrétienne, en Angleterre, en Flandre, en Allemagne, en Italie et ailleurs, devenant ainsi le premier style médiéval présent dans toute l'Europe, malgré quelques variations régionales. Son apparition a coïncidé avec un essor considérable de la construction d'églises, notamment des cathédrales et des édifices religieux de grande taille ; nombre d'entre eux ont été reconstruits ultérieurement, mais atteignaient souvent leurs dimensions actuelles à l'époque romane. L' architecture romane se caractérise par des murs épais, des structures massives conçues comme un tout organique, avec des voûtes et des fenêtres et arcs en plein cintre.

La sculpture figurative, à l'origine peinte de couleurs vives, joue un rôle essentiel dans ces édifices, notamment dans les chapiteaux des colonnes et autour des imposants portails , généralement centrés sur un tympan au-dessus des portes principales, comme à l'abbaye de Vézelay et à la cathédrale d'Autun . Les reliefs sont bien plus fréquents que les statues en pierre indépendantes, mais les reliefs romans gagnent en hauteur, certains éléments étant même détachés du mur. Les grandes sculptures prennent également de l'importance, en particulier les crucifix en bois peint, tels que la Croix de Gero, dès le début de la période, et les figures de la Vierge Marie , comme la Vierge d'or d'Essen . La royauté et le haut clergé commencent à commander des effigies grandeur nature pour les monuments funéraires . Certaines églises possèdent d'imposantes portes jumelées en bronze ornées de panneaux en relief narratifs, comme les portes de Gniezno ou celles d' Hildesheim , « les premières portes en bronze décorées, coulées d'une seule pièce en Occident depuis l'époque romaine », et sans doute les plus belles avant la Renaissance.

La plupart des églises étaient richement décorées de fresques ; un agencement typique présentait le Christ en majesté à l’extrémité est (côté autel), le Jugement dernier à l’extrémité ouest, au-dessus des portes, et des scènes de la vie du Christ faisant face à des scènes de l’Ancien Testament typologiquement similaires sur les murs de la nef . Le « plus important monument de peinture murale romane subsistant », bien que fortement réduit par rapport à l’original, se trouve dans l’ église abbatiale de Saint-Savin-sur-Gartempe, près de Poitiers , où la voûte en berceau de la nef , la crypte , le portique et d’autres parties conservent la majeure partie de leurs peintures. Un cycle équivalent à Sant’Angelo in Formis, à Capoue, dans le sud de l’Italie, réalisé par des peintres italiens formés par des Grecs, illustre la prédominance persistante du style byzantin dans une grande partie de l’Italie.

La sculpture et la peinture romanesques sont souvent vigoureuses et expressives, et inventives sur le plan iconographique – tant par le choix des sujets que par leur traitement. Bien que de nombreux éléments empruntés à l'art classique fassent partie intégrante du style roman, les artistes romans cherchaient rarement à obtenir un effet classique, sauf peut-être dans l'art mosan . À mesure que l'art gagnait en popularité et sous l'effet des nouvelles hérésies , il devint plus didactique, et l'église locale, la « Bible du pauvre ». Parallèlement, les bêtes et les monstres grotesques, ainsi que les combats qui les opposent, constituaient des thèmes populaires auxquels on pouvait attribuer, de manière parfois vague, des significations religieuses. Cette situation n'impressionna cependant pas saint Bernard de Clairvaux , qui dénonça avec véhémence de telles distractions dans les monastères.

Mais dans le cloître, sous le regard des moines lecteurs, quel est l’intérêt d’une telle monstruosité ridicule, de cette étrange informe aux formes étranges ? Pourquoi ces singes disgracieux, ces lions féroces, ces centaures monstrueux, ces êtres semi-humains, ces tigres tachetés, ces soldats en guerre, ces chasseurs sonnant de la trompette ?… Bref, il y a partout une telle variété et une telle diversité de formes étranges qu’on préférerait peut-être lire les billes plutôt que les livres.

Il aurait très bien pu connaître la miniature de gauche, qui a été produite à l'abbaye de Cîteaux avant que le jeune Bernard ne soit transféré de là en 1115.

Durant cette période, la typologie devint l'approche dominante dans la littérature théologique et l'art pour interpréter la Bible. Les épisodes de l'Ancien Testament étaient perçus comme des préfigurations d'aspects de la vie du Christ et présentés en parallèle avec leurs équivalents du Nouveau Testament. L'iconographie des scènes néotestamentaires s'inspirait souvent de traditions et de modèles de l'Antiquité tardive, tandis que celle des épisodes de l'Ancien Testament dut être inventée, faute de précédents. De nouveaux thèmes, comme l' Arbre de Jessé , virent le jour et les représentations de Dieu le Père gagnèrent en popularité. La grande majorité des œuvres d'art qui nous sont parvenues sont religieuses. L'art mosan était un style régional particulièrement raffiné, comme en témoignent les nombreux ouvrages en métal de grande qualité qui nous sont parvenus, souvent associés à l'émail , et des éléments de classicisme rares dans l'art roman, tels que les fonts baptismaux de l'église Saint-Barthélemy de Liège ou le reliquaire des Rois mages de Cologne , l'une des nombreuses œuvres conservées de Nicolas de Verdun , dont les services étaient recherchés dans toute l'Europe du Nord-Ouest.

Le vitrail devint une forme d'art importante à cette époque, bien que peu de vitraux romans subsistent. Dans les manuscrits enluminés, la Bible devint un nouveau sujet d'une décoration intense, le psautier conservant également une grande importance. L'accent mis sur la souffrance du Christ et d'autres figures sacrées fit son apparition dans l'art occidental durant cette période, une caractéristique qui le distingue nettement de l'art byzantin et de l'art classique pour le reste du Moyen Âge et au-delà. La croix de Gero de 965-970, à la charnière des styles ottonien et roman, est considérée comme la première œuvre à en témoigner. La fin de la période romane marqua le début d'une importance accrue accordée à la Vierge Marie en théologie, en littérature et donc en art, importance qui atteindra son apogée à l'époque gothique.

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  Le reliquaire des Rois mages dans la cathédrale de Cologne , Cologne , Allemagne, 1180 à 1225
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  Le classicisme de l'art mosan ; Reliquaire de Nicolas de Verdun à Tournai , 1205.
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  Jonas avalé par la baleine , chapiteau dans la nef de l'abbaye de Mozac
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  Marie-Madeleine annonçant la Résurrection aux Apôtres , Psautier de St Albans , anglais, 1120–1145.
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  Les fresques du XIIe siècle de l'église St Botolph, en Angleterre , font partie du « groupe de Lewes » de peintures romanes créées pour le prieuré de Lewes .

L'art gothique est un terme variable selon la technique, le lieu et l'époque. Il tire son origine de l' architecture gothique qui se développa en France à partir de 1137 environ, avec la reconstruction de l' abbaye de Saint-Denis . À l'instar de l'architecture romane, la sculpture y occupait une place centrale, les portails et autres figures ornant les façades des églises accueillant les sculptures les plus importantes. À la fin de la période, les grands retables sculptés , généralement en bois peint et doré, devinrent des éléments centraux de nombreuses églises. La peinture gothique n'apparut que vers 1200 (cette date est sujette à caution), marquant sa divergence avec le style roman. Un style gothique en sculpture vit le jour en France vers 1144 et se répandit dans toute l'Europe, devenant au XIIIe siècle le style international, remplaçant le style roman. Toutefois, en sculpture et en peinture, la transition fut moins abrupte qu'en architecture.

La plupart des cathédrales romanes et des grandes églises furent remplacées par des édifices gothiques, du moins dans les régions ayant bénéficié de la croissance économique de l'époque. L'architecture romane est aujourd'hui surtout visible dans les zones qui connurent par la suite un déclin économique, comme de nombreuses régions du sud de la France et de l'Italie, ou le nord de l'Espagne. La nouvelle architecture permit la création de fenêtres beaucoup plus grandes, et les vitraux, d'une qualité inégalée, constituent sans doute le type d'art le plus souvent associé au gothique dans l'imaginaire collectif. Pourtant, les églises ayant conservé la quasi-totalité de leurs vitraux d'origine, à l'instar de la Sainte-Chapelle à Paris, sont extrêmement rares, et inconnues en Grande-Bretagne.

La plupart des peintures murales gothiques ont également disparu ; celles-ci restaient très répandues, bien que souvent d'exécution assez grossière dans les églises paroissiales. Les édifices profanes étaient aussi fréquemment ornés de peintures murales, mais la royauté préférait les tapisseries, bien plus coûteuses, qu'elle emportait lors de ses déplacements entre ses nombreux palais et châteaux, ou lors de ses campagnes militaires. La plus belle collection d'art textile de la fin du Moyen Âge provient du butin suisse de la bataille de Nancy , où les Suisses vainquirent et tuèrent Charles le Téméraire , duc de Bourgogne , et s'emparèrent de tout son convoi.

Comme mentionné dans la section précédente, la période gothique coïncide avec un intérêt accru pour la Vierge Marie, et c'est durant cette période que la Vierge à l'Enfant devient un symbole emblématique de l'art catholique. Les saints sont également représentés beaucoup plus fréquemment, et nombre des attributs permettant de les identifier visuellement pour un public encore largement illettré font leur apparition.

Durant cette période, la peinture sur panneau pour les retables, souvent des polyptyques et des œuvres de petit format, acquit une importance nouvelle. Auparavant, les icônes sur panneau étaient bien plus répandues dans l'art byzantin qu'en Occident, même si de nombreux panneaux occidentaux aujourd'hui disparus sont attestés depuis des périodes beaucoup plus anciennes. À leurs débuts, les peintres occidentaux sur panneau étaient largement influencés par les modèles byzantins, notamment en Italie, d'où provient la plupart des premiers panneaux occidentaux. L'élaboration d'un style occidental distinct fut initiée par Cimabue et Duccio , et achevée par Giotto , traditionnellement considéré comme le point de départ du développement de la peinture de la Renaissance. La plupart des peintures sur panneau restèrent cependant plus conservatrices que les miniatures, en partie parce qu'elles étaient destinées à un large public.

Le terme « gothique international » désigne l'art gothique de cour d'environ 1360 à 1430, après quoi il commence à se fondre dans l' art de la Renaissance, qui s'était formé en Italie au Trecento , avec un retour aux principes classiques de composition et de réalisme. Le sculpteur Nicola Pisano et le peintre Giotto en furent des figures particulièrement marquantes. Les Très Riches Heures du duc de Berry constituent l'une des œuvres les plus célèbres du gothique international. La transition vers la Renaissance s'est opérée à des époques et en des lieux différents : la peinture des Primitifs flamands se situe à la croisée des deux, tout comme le peintre italien Pisanello . Hors d'Italie, des influences Renaissance sont apparues dans certaines œuvres de cours et de villes prospères, tandis que d'autres œuvres, et toutes celles réalisées en dehors de ces centres d'innovation, ont perpétué les styles du gothique tardif pendant quelques décennies. La Réforme protestante a souvent marqué la fin de la tradition gothique dans les régions converties au protestantisme, car elle était associée au catholicisme.

L'invention d'un système complet de perspective linéaire, fondé sur des principes mathématiques , constitue une réalisation majeure de la Renaissance italienne du début du XVe siècle à Florence . Cependant, la peinture gothique avait déjà accompli de grands progrès dans la représentation naturaliste des distances et des volumes, même si elle ne les considérait généralement pas comme des éléments essentiels d'une œuvre si d'autres objectifs entraient en conflit avec eux. La sculpture gothique tardive, quant à elle, se caractérisait par un naturalisme croissant. Dans la miniature bourguignonne du milieu du XVe siècle (à droite), l'artiste semble désireux de démontrer son habileté à représenter les bâtiments et les blocs de pierre en perspective oblique, ainsi qu'à gérer les scènes à différentes distances. Toutefois, sa tentative générale de réduire la taille des éléments les plus éloignés manque de méthode. Les différentes parties de la composition sont à une échelle similaire, la distance relative étant rendue par la superposition, le raccourci et la hauteur des objets les plus éloignés par rapport aux plus proches. On note cependant un ajustement plus précis des proportions chez les ouvriers à gauche. Ce procédé est abandonné à droite, où le personnage principal est beaucoup plus grand que le maçon.

La fin de cette période voit l'apparition de nouveaux supports, tels que les estampes ; avec les petits panneaux peints, elles étaient fréquemment utilisées pour les andachtsbilder (« images de dévotion ») à forte charge émotionnelle, influencées par les nouveaux courants religieux de l'époque. Il s'agissait d'images de moments détachés du récit de la Passion du Christ, destinées à la méditation sur ses souffrances, ou de scènes de la Vierge : l' Homme de douleurs , la Pietà , le Voile de Véronique ou l'Arma Christi . Le traumatisme de la peste noire au milieu du XIVe siècle explique en partie la popularité de thèmes tels que la Danse macabre et le Memento mori . Dans les livres xylographiques bon marché , avec texte (souvent en langue vernaculaire ) et images gravées en une seule couche de bois , des œuvres comme l' Ars Moriendi ( Art de mourir ) illustrée (à gauche) et des résumés typologiques de la Bible en versets, comme le Speculum Humanae Salvationis ( Miroir du salut humain ), étaient les plus populaires.

L'humanisme de la Renaissance et l'essor d'une riche bourgeoisie urbaine, menée par les marchands, ont profondément transformé le contexte social de l'art, avec la renaissance du portrait réaliste, l'apparition de la gravure et de l' autoportrait , et le déclin de formes telles que le vitrail et le manuscrit enluminé. Les portraits de donateurs , autrefois réservés aux papes, aux rois et aux abbés, représentaient désormais des hommes d'affaires et leurs familles, et les églises se remplissaient des monuments funéraires des plus fortunés.

Le livre d'heures , manuscrit généralement détenu par des laïcs, ou plus souvent encore par des laïques, devint, à partir du XIVe siècle, le type de manuscrit le plus richement illustré. À cette même époque, la production de miniatures passa aux mains d'artistes laïcs, eux aussi très souvent des femmes. Dans les principaux centres d'enluminure, Paris et, au XVe siècle, les villes de Flandre , de grands ateliers exportaient leurs œuvres dans toute l'Europe. D'autres formes d'art, comme les petits reliefs en ivoire, les vitraux, les tapisseries et les albâtres de Nottingham (panneaux sculptés bon marché destinés aux retables), étaient produites dans des conditions similaires. Dans les villes, les artistes et artisans étaient généralement regroupés au sein de corporations : la corporation des orfèvres figurait souvent parmi les plus riches, et les peintres appartenaient, dans de nombreuses localités, à la corporation spéciale de Saint-Luc .

Les œuvres profanes, souvent consacrées à l'amour courtois ou à l'héroïsme chevaleresque , se présentaient sous forme de manuscrits enluminés, d'étuis à miroirs en ivoire sculpté, de tapisseries et de somptueux centres de table en or, tels que les nefs . On commence à distinguer un nombre croissant d'artistes, dont certains jouissaient d'une renommée internationale. Des collectionneurs d'art font leur apparition : des manuscrits parmi les grands nobles, comme Jean, duc de Berry (1340-1416), et des estampes et autres œuvres parmi les personnes aux revenus plus modestes. Dans les régions les plus prospères, de petites gravures religieuses sur bois, bon marché , introduisent l'art, dans un style proche de la modernité, jusque dans les foyers paysans dès la fin du XVe siècle.

Vierge Marie

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  The oldest Byzantine icon of Mary, c. 600, encaustic, at Saint Catherine's Monastery retains much of Greek realist style.
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  Romanesque statue of the Virgin as Seat of Wisdom, 12th century
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  The "Ravensburger Schutzmantelmadonna", painted limewood of ca 1480, Virgin of Mercy type. Attributed to Michel Erhart.
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  "Hunt of the Unicorn Annunciation" (c. 1500) from a Netherlandish Book of Hours collected by John Pierpont Morgan. For the complicated iconography, see Hortus conclusus

Medieval art had little sense of its own art history, and this disinterest was continued in later periods. The Renaissance generally dismissed it as a "barbarous" product of the "Dark Ages", and the term "Gothic" was invented as a deliberately pejorative one, first used by the painter Raphael in a letter of 1519 to characterise all that had come between the demise of Classical art and its supposed 'rebirth' in the Renaissance. The term was subsequently adopted and popularised in the mid 16th century by the Florentine artist and historian, Giorgio Vasari, who used it to denigrate northern European architecture generally. Illuminated manuscripts continued to be collected by antiquarians, or sit unregarded in monastic or royal libraries, but paintings were mostly of interest if they had historical associations with royalty or others. The long period of mistreatment of the Westminster Retable by Westminster Abbey is an example; until the 19th century it was only regarded as a useful piece of timber. But their large portrait of Richard II of England was well looked after, like another portrait of Richard, the Wilton Diptych (illustrated above). As in the Middle Ages themselves, other objects have often survived mainly because they were considered to be relics.

Il n'existait pas d'équivalent, en art pictural, à la « survivance gothique » que l'on observait en architecture, une fois le style gothique définitivement éteint en Allemagne, en Angleterre et en Scandinavie . Le renouveau gothique s'est longtemps concentré sur l'architecture gothique plutôt que sur l'art. La compréhension de la succession des styles restait très rudimentaire, comme en témoigne le titre de l'ouvrage pionnier de Thomas Rickman sur l'architecture anglaise : « An Attempt to discriminate the Styles of English Architecture from the Conquest to the Reformation » (1817). Cette situation changea radicalement au milieu du XIXe siècle, avec l'essor de l'appréciation de la sculpture et de la peinture médiévales, connues sous le nom de « Primitifs » italiens ou flamands, sous l'influence d'écrivains tels que John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc et Pugin , ainsi que du médiévalisme romantique d'œuvres littéraires comme « Ivanhoé » de Sir Walter Scott (1819) et « Notre-Dame de Paris » de Victor Hugo (1831). Parmi les premiers collectionneurs de « Primitifs », alors encore relativement bon marché, figurait le prince Albert .

Parmi les artistes, le mouvement nazaréen allemand de 1809 et la Confrérie préraphaélite anglaise de 1848 rejetaient tous deux les valeurs de la Renaissance tardive, mais dans la pratique, et malgré la présence occasionnelle de scènes médiévales dans leurs œuvres, celles-ci puisent leur influence principalement dans la Première Renaissance plutôt que dans le gothique ou les périodes antérieures – les premières œuvres graphiques de John Millais constituant une exception. William Morris , également collectionneur averti d'art médiéval, a intégré plus profondément le style médiéval dans son œuvre, tout comme William Burges .

À la fin du XIXe siècle, de nombreux illustrateurs et créateurs d'objets d'art décoratifs de toutes sortes avaient appris à utiliser avec succès les styles médiévaux grâce aux nouveaux musées, comme le Victoria & Albert Museum, créé à cet effet. Parallèlement, le nouveau champ d'études qu'était l' histoire de l'art , dominé par l'Allemagne et la France, se concentra fortement sur l'art médiéval et se révéla rapidement très productif dans le catalogage et la datation des œuvres conservées, ainsi que dans l'analyse du développement des styles et de l'iconographie médiévaux ; toutefois, la période de l'Antiquité tardive et la période précarolingienne restèrent une zone d'ombre jusqu'au XXe siècle.

Franz Theodor Kugler fut le premier à nommer et à décrire l'art carolingien en 1837. À l'instar de nombreux historiens de l'art de son époque, il s'efforçait de mettre en lumière et de promouvoir l'esprit national de son pays à travers l'histoire de l'art, une quête initiée par Johann Gottfried Herder au XVIIIe siècle. Son élève, le grand historien d'art suisse Jacob Burckhardt , bien que n'étant pas un spécialiste de l'art médiéval, joua un rôle important dans le développement de sa compréhension. L'art médiéval était alors très prisé, tant par les musées que par des collectionneurs privés tels que George Salting , la famille Rothschild et John Pierpont Morgan .

Après le déclin du renouveau gothique et l' utilisation des styles insulaires par le renouveau celtique , les éléments anti-réalistes et expressifs de l'art médiéval ont continué d'inspirer de nombreux artistes modernes.

Les historiens d'art germanophones ont continué de dominer l'histoire de l'art médiéval, malgré des figures telles qu'Émile Mâle (1862-1954) et Henri Focillon (1881-1943), jusqu'à la période nazie, où de nombreuses personnalités importantes ont émigré, principalement en Grande-Bretagne ou en Amérique, où l'étude académique de l'histoire de l'art était encore en plein essor. Parmi eux figuraient le vétéran Adolph Goldschmidt et de plus jeunes figures comme Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer et bien d'autres. Meyer Schapiro avait immigré enfant en 1907.

La grande majorité des œuvres d'art religieuses narratives du Moyen Âge représentaient des événements bibliques, où la plupart des personnages étaient juifs. Cependant, l'importance accordée à cette dimension dans ces représentations variait considérablement. Au Moyen Âge, certaines œuvres d'art chrétiennes servaient à exprimer des préjugés et des opinions négatives courantes.

En Europe médiévale, entre le Ve et le XVe siècle, de nombreux chrétiens considéraient les Juifs comme des ennemis et des étrangers pour diverses raisons. Ils avaient également tendance à les haïr en raison de leurs différences culturelles et religieuses, ainsi que des enseignements religieux véhiculant une image négative du peuple juif, comme la représentation de l'Antéchrist comme juif. La position économique des Juifs en tant que prêteurs d'argent, conjuguée à la protection royale dont ils bénéficiaient , a engendré des relations tendues entre Juifs et chrétiens. Ces tensions se sont manifestées de diverses manières, notamment par la création d' œuvres d'art et de propagande antisémites et antijuives visant à discréditer les Juifs et leurs croyances religieuses, et à diffuser plus largement ces idées au sein de la société. Les représentations de l'Église et de la Synagogue à la fin du Moyen Âge illustraient la doctrine chrétienne du supersessionisme , selon laquelle la Nouvelle Alliance chrétienne avait remplacé l' Alliance mosaïque juive . Sara Lipton a soutenu que certaines représentations, telles que celles de la cécité juive en présence de Jésus, étaient destinées à servir de forme d’autoréflexion plutôt qu’à être explicitement antisémites.

Dans son ouvrage de 2013, *Sarracens, Demons, and Jews* , Debra Higgs Strickland soutient que les représentations négatives des Juifs dans l'art médiéval peuvent être classées en trois catégories : l'art privilégiant les descriptions physiques, l'art mettant en scène des signes de damnation et les images représentant les Juifs comme des monstres. Les représentations physiques des Juifs dans l'art chrétien médiéval les montraient souvent comme des hommes coiffés de chapeaux pointus et arborant de longues barbes, un symbole dénigrant destiné à distinguer clairement les Juifs des chrétiens. Cette représentation s'est amplifiée avec le temps, tandis que les femmes juives ne bénéficiaient pas de descriptions physiques aussi distinctives dans l'art chrétien du haut Moyen Âge. L'art représentant des Juifs dans des scènes de damnation serait issu de la croyance chrétienne selon laquelle les Juifs étaient responsables du meurtre du Christ, ce qui a conduit à certaines représentations artistiques montrant des Juifs crucifiant le Christ.

Jewish people were sometimes seen as outsiders in Christian dominated societies, which Strickland states developed into the belief that Jews were barbarians, which eventually expanded into the idea that Jewish people were monsters that rejected the "True Faith". Some art from this time period combined these concepts and morphed the stereotypical Jewish beard and pointed hat imagery with that of monsters, creating art that made the Jew synonymous with a monster.

The reasons for these negative depictions of Jews can be traced back to many sources, but mainly stem from the Jews being charged with deicide, their religious and cultural differences from their cultural neighbours, and how the antichrist was often depicted as Jewish in medieval writings and texts. The Jews were recently blamed for the death of Christ and were thus negatively depicted by the Christians in both art and scripture alike.

Tensions between Jews and Christians were often high and this caused various stereotypes about Jews to form and become commonplace in their artistic depiction. Some of the attributes seen distinguishing Jews from their Christian counterparts in pieces of art are pointed hats, hooked and crooked noses, and long beards. By including these attributes in the portrayal of Jews in art, Christians succeeded in 'othering' Jews more than they already were and made them seem even more ostracised and segregated from the general population than they already were. Not only were these attributes added into depictions of Jewish People, they were generally portrayed as villainous and monstrous because of their supposed murder of Christ as well their rejection of Christ as the messiah. This, coupled with the fact that they lived in largely insular groups separated them greatly from their Christian neighbours and caused a lasting rift between the groups that are reflected in the medieval art.