Soir Bleu par Edward Hopper , vers 1914 L'histoire de l'art est une discipline universitaire consacrée à l'étude de la production artistique et de la culture visuelle à travers ...
L'étude de l'histoire de l'art est apparue comme un moyen de documenter et d'interpréter la production artistique. Les premières traditions d'écriture en histoire de l'art se sont développées dans plusieurs cultures, notamment la Grèce antique , la Chine impériale et l'Italie de la Renaissance , chacune produisant des figures et des approches influentes qui ont façonné les recherches ultérieures. En tant que discipline universitaire, l'histoire de l'art a émergé au XIXe siècle et était un domaine largement eurocentré , se concentrant sur les définitions occidentales des beaux -arts et des arts décoratifs , en particulier la peinture , le dessin , la sculpture et l'architecture .
Un technicien de conservation travaillant sur un tableau. Vers 2010
Les historiens de l'art emploient diverses méthodes de recherche pour examiner une œuvre dans son contexte historique. Cette démarche, menée avec professionnalisme, respecte les motivations et les impératifs de son créateur, tout en tenant compte des désirs et des préjugés de ses mécènes et commanditaires. L'analyse comparative des thèmes et des approches des collègues et des maîtres de l'artiste, ainsi que l'étude de l'iconographie et du symbolisme, font partie intégrante de cette analyse. Cette approche permet d'appréhender l'œuvre d'art dans le contexte du monde où elle a été créée.
L'analyse iconographique est une branche importante de l'histoire de l'art qui s'intéresse aux éléments de conception spécifiques d'un objet. Une lecture attentive de ces éléments permet de retracer leur origine et d'en tirer des conclusions quant à la provenance et à l'évolution de ces motifs . Elle permet également de formuler diverses observations sur les valeurs sociales, culturelles, économiques et esthétiques des personnes ayant produit l'objet.
Les historiens de l'art peuvent également travailler aux côtés de conservateurs d'art ou en tant que tels, contribuant à la restauration et à la conservation des œuvres. La conservation est un domaine scientifique essentiel au travail des historiens, car elle implique d'observer une œuvre dans un état suffisamment bon pour être examinée. La formation en conservation d'art comprend généralement des cours de chimie ainsi que des cours sur la pratique et l'histoire de l'art.
Dans les années 1970, l'essai de Linda Nochlin, « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? », a contribué à l'essor de l'histoire de l'art féministe et demeure l'un des essais les plus lus sur les artistes femmes. Il a été suivi, en 1972, d'une table ronde de la College Art Association , présidée par Nochlin, intitulée « Érotisme et image de la femme dans l'art du XIXe siècle ». En l'espace d'une décennie, de nombreux articles et essais ont alimenté un élan croissant, porté par la deuxième vague du féminisme , en matière de discours critique sur les interactions des femmes avec les arts, à la fois comme artistes et comme sujets. Dans son essai pionnier, Nochlin applique un cadre critique féministe pour démontrer l'exclusion systématique des femmes de la formation artistique, arguant que leur exclusion de la pratique artistique et de l'histoire canonique de l'art était la conséquence de conditions culturelles qui limitaient et restreignaient leur accès aux domaines de la production artistique. Les rares femmes qui ont réussi ont été considérées comme des exceptions et n'ont pas servi de modèle pour les générations futures. Griselda Pollock est une autre historienne de l'art féministe de premier plan, dont l'utilisation de la théorie psychanalytique est décrite ci-dessus.
Bien que l'histoire de l'art féministe puisse s'intéresser à n'importe quelle période et à n'importe quel lieu, l'époque moderne a fait l'objet d'une attention particulière. Certains travaux de recherche portent sur le mouvement artistique féministe , qui s'intéressait spécifiquement à l'expérience des femmes. L'histoire de l'art féministe propose souvent une relecture critique du canon artistique occidental, à l'instar de la réinterprétation des Demoiselles d'Avignon par Carol Duncan . Mary Garrard et Norma Broude sont deux pionnières dans ce domaine . Leurs ouvrages collectifs , *Feminism and Art History: Questioning the Litany* , *The Expanding Discourse: Feminism and Art History * et * Reclaiming Feminist Agency: Feminist Art History After Postmodernism*, constituent des contributions majeures à l'intégration des perspectives féministes dans le discours de l'histoire de l'art. Elles ont également cofondé la Conférence d'histoire de l'art féministe.
muséologie
Les historiens de l'art sont souvent employés par les musées en raison de leur expertise. Galeries et archives sont des lieux où ils peuvent être responsables d'expositions, de recherches ou de collections, selon leur spécialisation. Les études muséales , notamment l'histoire des collections et de la présentation muséales, constituent aujourd'hui un domaine d'études spécialisé, tout comme l'histoire du collectionnisme.
Chronologie des principales méthodes
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Pline l'Ancien et les précédents antiques
Les plus anciens écrits sur l'art qui nous soient parvenus et qui peuvent être classés comme histoire de l'art sont les passages de l'Histoire naturelle de Pline l'Ancien ( vers 77-79 ap. J.-C. ), concernant le développement de la sculpture et de la peinture grecques . On peut y retracer les idées de Xénocrate de Sicyone ( vers 280 av. J.-C. ), sculpteur grec considéré comme le premier historien de l'art. L'œuvre de Pline, bien qu'étant principalement une encyclopédie des sciences, a ainsi exercé une influence considérable depuis la Renaissance . (Les passages relatifs aux techniques employées par le peintre Apelle (vers 332-329 av. J.-C.) sont particulièrement connus.) Des évolutions similaires, quoique indépendantes, se sont produites en Chine au VIe siècle, où un canon d'artistes de renom a été établi par des écrivains appartenant à la classe des lettrés-fonctionnaires. Ces écrivains, nécessairement versés dans la calligraphie, étaient eux-mêmes des artistes. Ces artistes sont décrits dans les Six Principes de la peinture formulés par Xie He .
Giorgio Vasari , peintre, sculpteur et auteur toscan des Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes , est considéré comme le premier véritable auteur d'histoire de l'art. Il met l'accent sur la progression et le développement de l'art, ce qui constitue une étape importante dans ce domaine. Son œuvre, à la fois personnelle et historique, présente des biographies d'artistes italiens, dont beaucoup étaient ses contemporains et des connaissances. Le plus célèbre d'entre eux est Michel-Ange .
Les écrits de Vasari sur l'art ont eu une influence considérable et ont servi de modèle à beaucoup.
Winckelmann et la critique d'art
Des érudits tels que Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) critiquèrent le « culte » de la personnalité artistique prôné par Vasari et soutinrent que l'étude de l'art devait s'attacher au regard du connaisseur et non à celui de l'artiste. Les écrits de Winckelmann marquèrent ainsi les débuts de la critique d'art . Ses deux ouvrages les plus importants, qui introduisirent ce concept, furent les <i>Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst</i> (Réflexions sur la peinture et la sculpture des Grecs ), publiés en 1755, et la <i>Geschichte der Kunst des Altertums</i> ( Histoire de l'art dans l'Antiquité ), publiée en 1764 (première occurrence de l'expression « histoire de l'art » dans le titre d'un ouvrage). Winckelmann a critiqué les excès artistiques des formes baroques et rococo et a joué un rôle déterminant dans la réforme du goût en faveur du néoclassicisme . L'œuvre de Winckelmann a marqué l'entrée de l'histoire de l'art dans le discours philosophique de haut niveau de la culture allemande .
Winckelmann fut lu avec avidité par Johann Wolfgang von Goethe et Friedrich Schiller , qui commencèrent tous deux à écrire sur l'histoire de l'art, et son analyse du groupe du Laocoon suscita une réponse de Lessing . L'émergence de l'art comme sujet majeur de spéculation philosophique fut consolidée par la parution de la Critique du jugement d' Emmanuel Kant en 1790, et approfondie par les Leçons d'esthétique de Hegel . La philosophie de Hegel inspira directement l' œuvre de Karl Schnaase . Les Niederländische Briefe de Schnaase établirent les fondements théoriques de l'histoire de l'art en tant que discipline autonome, et son Histoire des arts visuels (Geschichte der bildenden Künste) , l'une des premières synthèses historiques de l'histoire de l'art de l'Antiquité à la Renaissance, facilita l'enseignement de l'histoire de l'art dans les universités germanophones. L'ouvrage de Schnaase fut publié simultanément à un ouvrage similaire de Franz Theodor Kugler .
Wölfflin et l'analyse stylistique
Heinrich Wölfflin (1864-1945), élève de Burckhardt à Bâle, est considéré comme l'un des historiens de l'art moderne les plus influents. Il a introduit une approche scientifique de l'histoire de l'art, articulée autour de trois concepts. Premièrement, il a cherché à étudier l'art à travers le prisme de la psychologie, notamment en s'appuyant sur les travaux de Wilhelm Wundt . Il affirmait, entre autres, que l'art et l'architecture sont réussis s'ils évoquent le corps humain. Par exemple, les maisons étaient considérées comme réussies si leurs façades rappelaient des visages. Deuxièmement, il a introduit l'idée d'étudier l'art par comparaison. En comparant des tableaux individuels, il a pu établir des distinctions stylistiques. Son ouvrage Renaissance et Baroque a développé cette idée et a été le premier à démontrer les différences entre ces périodes stylistiques. Contrairement à Giorgio Vasari , Wölfflin ne s'intéressait pas aux biographies des artistes. Il proposait la création d'une « histoire de l'art sans noms ». Il a également étudié l'art en fonction des idées de nation . Il s'intéressait particulièrement à la question de savoir s'il existait un style intrinsèquement « italien » et un style intrinsèquement « allemand ». Ce dernier intérêt a été pleinement exposé dans sa monographie sur l'artiste allemand Albrecht Dürer .
Riegl, Wickhoff et l'école de Vienne
À la fin du XIXe siècle, un important courant de pensée en histoire de l'art se développa à l' Université de Vienne . La première génération de l'École de Vienne fut dominée par Alois Riegl et Franz Wickhoff , tous deux élèves de Moritz Thausing , et se caractérisait par une volonté de réévaluer les périodes négligées ou décriées de l'histoire de l'art. Riegl et Wickhoff écrivirent abondamment sur l'art de l' Antiquité tardive , qui avait été auparavant considéré comme une période de déclin par rapport à l'idéal classique. Riegl contribua également à la réévaluation du baroque.
La génération suivante de professeurs à Vienne comprenait Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda et Josef Strzygowski . Plusieurs des plus importants historiens de l'art du XXe siècle, dont Ernst Gombrich , obtinrent leur diplôme à Vienne à cette époque. L'expression « Seconde École de Vienne » (ou « Nouvelle École de Vienne ») désigne généralement la génération suivante d'érudits viennois, parmi lesquels Hans Sedlmayr , Otto Pächt et Guido Kaschnitz von Weinberg. Ces érudits commencèrent, dans les années 1930, à renouer avec les travaux de la première génération, notamment ceux de Riegl et son concept de « Kunstwollen » (œuvres d'art perdues), et s'efforcèrent de les développer en une méthodologie d'histoire de l'art à part entière. Sedlmayr, en particulier, rejeta l'étude détaillée de l'iconographie, du mécénat et d'autres approches ancrées dans le contexte historique, préférant se concentrer sur les qualités esthétiques d'une œuvre d'art. De ce fait, la Seconde École de Vienne acquit la réputation d' un formalisme débridé et irresponsable . Cette dernière tendance n'était cependant pas partagée par tous les membres de l'école ; Pächt, par exemple, était lui-même juif et fut contraint de quitter Vienne dans les années 1930.
En 1920, un groupe d'érudits se réunit à Hambourg pour étudier l'iconographie. Parmi eux, les plus éminents étaient Erwin Panofsky , Aby Warburg , Fritz Saxl et Gertrud Bing . Ensemble, ils élaborèrent une grande partie du vocabulaire encore utilisé au XXIe siècle par les historiens de l'art. « Iconographie », dont l'étymologie signifie « symboles issus de l'écriture », désigne les sujets artistiques inspirés de sources écrites, notamment les Écritures et la mythologie. « Iconologie », terme plus général, englobait tout symbolisme, qu'il soit issu d'un texte spécifique ou non. Aujourd'hui, les historiens de l'art emploient parfois ces deux termes de manière interchangeable.
Dans ses premiers travaux, Panofsky développa également les théories de Riegl, mais se consacra finalement davantage à l'iconographie, et en particulier à la transmission des thèmes liés à l'Antiquité classique au Moyen Âge et à la Renaissance. À cet égard, ses intérêts rejoignaient ceux de Warburg, fils d'une riche famille qui avait constitué à Hambourg une bibliothèque consacrée à l'étude de la tradition classique dans l'art et la culture postérieurs. Sous l'égide de Saxl, cette bibliothèque fut transformée en un institut de recherche, rattaché à l' Université de Hambourg , où Panofsky enseigna.
Warburg mourut en 1929 et, dans les années 1930, Saxl et Panofsky, tous deux juifs, furent contraints de quitter Hambourg. Saxl s'installa à Londres, emportant avec lui la bibliothèque de Warburg et fondant l' Institut Warburg . Panofsky s'établit à Princeton, à l' Institute for Advanced Study . À cet égard, ils participèrent à un afflux extraordinaire d'historiens de l'art allemands dans le monde universitaire anglophone des années 1930. Ces chercheurs jouèrent un rôle déterminant dans la reconnaissance de l'histoire de l'art comme discipline à part entière dans le monde anglophone, et l'influence de la méthodologie de Panofsky, en particulier, marqua durablement l'histoire de l'art américaine.
Le marxisme et l'école de Francfort
Au milieu du XXe siècle, les idées du marxisme se répandirent rapidement en Europe, parallèlement à un regain d'intérêt pour l' histoire de l'art . L'École de Francfort , s'appuyant sur la théorie critique , joua un rôle déterminant dans le développement des études artistiques. De même, avant les années 1920, des marxistes comme Georgi Plekhanov et Friedrich Engels , qui utilisaient le matérialisme historique pour analyser l'évolution des arts au sein de la société, contribuèrent à cette avancée.
Au sein de l'École de Francfort, le philosophe Walter Benjamin publia en 1935 son essai « L'œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique », dans lequel il défendait l'idée qu'une « aura » imprègne les œuvres d'art : leur présence originelle dans le temps et l'espace. Il suggère que l'aura d'une œuvre d'art se dégrade car il devient de plus en plus difficile d'appréhender le contexte spatio-temporel de sa création. La théorie de Benjamin est étroitement liée à la théorie de l'affect .
La société de classes a également servi de fondement à l'étude du développement des arts. Au début du XXe siècle et à la fin du XIXe, le matérialisme historique était une théorie historique active qui commençait à gagner en popularité et qui est encore utilisée aujourd'hui par les historiens de l'art du monde entier. Georgi Plekhanov est considéré comme un pionnier de l'utilisation de la pensée matérialiste dans l'étude de l'art. Son ouvrage « Le matérialisme historique et les arts », écrit en 1899, décrit comment le matérialisme historique peut être utilisé pour contrer une conception idéaliste de l'art et parvenir à une vision plus claire du sujet. Les marxistes, comme Plekhanov, soutiennent que si les périodes et les révolutions artistiques obéissent à leur propre logique, l'art reste en définitive limité par le mode de production. Surtout, les marxistes estiment que les idées dans la société, y compris l'art, sont l'expression de l'une ou l'autre des classes en conflit existant dans ce mode de production.
organisations professionnelles
Aux États-Unis, l'une des plus importantes organisations d'histoire de l'art est la College Art Association . Elle organise un congrès annuel et publie l' Art Bulletin et l'Art Journal . Des organisations similaires existent dans d'autres régions du monde, ainsi que pour des spécialisations telles que l'histoire de l'architecture et l'histoire de l'art de la Renaissance. Au Royaume-Uni, par exemple, l' Association of Art Historians est la principale organisation dans ce domaine et publie la revue Art History .
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