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L' histoire de l'art asiatique englobe une vaste gamme d'œuvres issues de diverses cultures, régions et religions du continent asiatique. On distingue généralement plusieurs grandes catégories d'art : l'art d'Asie orientale comprend les œuvres de Chine, du Japon, de Corée et du Tibet ; l'art d'Asie du Sud-Est regroupe les arts du Cambodge, d'Indonésie, du Laos, de Malaisie, du Myanmar (Birmanie), des Philippines, de Thaïlande et du Vietnam ; historiquement, l'art d'Asie du Sud est principalement rattaché à l' art indien , qui englobe les arts du sous-continent indien , tandis que l'art d'Asie centrale couvre cette région ; et l'art d'Asie occidentale comprend les arts du Proche-Orient ancien, notamment l'art mésopotamien et l'art persan , et plus récemment, l' art islamique .
À bien des égards, l'histoire de l'art oriental suit les parallèles du développement de l'art occidental . Les histoires de l'art en Asie et en Europe s'entremêlent constamment : l'art asiatique influence fortement l'art européen, et inversement . Les cultures eurasiennes se sont mélangées par divers moyens, tels que les migrations des nomades des steppes , puis la transmission artistique via la Route de la Soie , les échanges culturels de l' époque des Grandes Découvertes et de la colonisation occidentale , et enfin Internet et la mondialisation moderne .
Si l'on exclut l'art préhistorique , l' art mésopotamien représente les formes d'art les plus anciennes d'Asie.
Paléolithique supérieur Asie du Nord-Est
Les premières traces d'occupation humaine moderne dans les climats difficiles de l'Asie du Nord-Est remontent à environ 40 000 ans, la culture de Yana, en Sibérie septentrionale, étant datée d'environ 31 000 avant notre ère. Vers 21 000 avant notre ère, deux cultures principales se sont développées : la culture de Mal'ta et, un peu plus tard, la culture d'Afontova Gora-Oshurkovo .
La culture de Mal'ta , centrée sur le site de Mal'ta , sur les rives de l'Angara , près du lac Baïkal dans l'oblast d'Irkoutsk , en Sibérie méridionale , a produit certaines des premières œuvres d'art du Paléolithique supérieur , comme les statuettes de Vénus de Mal'ta . Ces figurines sont le plus souvent en ivoire de mammouth . Datant d'environ 23 000 ans, elles appartiennent à la période gravettienne . La plupart de ces statuettes présentent des vêtements stylisés. Le visage est fréquemment représenté. La tradition des statuettes portables du Paléolithique supérieur étant presque exclusivement européenne, il a été suggéré que Mal'ta entretenait des liens culturels et cultuels avec l'Europe à cette époque, mais cette hypothèse reste à confirmer.
l'art d'Asie orientale
l'art chinois
L'art chinois (chinois : 中國藝術/中国艺术) a connu une grande diversité au cours de son histoire ancienne , marquée par les différentes périodes définies par les dynasties régnantes et l'évolution des techniques. Ses diverses formes d'art ont été influencées par de grands philosophes, des maîtres, des figures religieuses et même des dirigeants politiques. L'art chinois englobe les beaux-arts , les arts populaires et les arts du spectacle . Il s'agit d'un art, qu'il soit moderne ou ancien, originaire de Chine, pratiqué en Chine ou par des artistes ou interprètes chinois.
Sous la dynastie Song , la poésie se caractérisait par une poésie lyrique appelée Ci (詞), qui exprimait des sentiments de désir, souvent à travers un personnage adopté. Toujours sous la dynastie Song, apparurent des peintures de paysages aux expressions plus subtiles, avec des contours flous et des reliefs montagneux qui suggéraient la distance par un traitement impressionniste des phénomènes naturels. C'est durant cette période que, en peinture, l'accent fut mis sur les éléments spirituels plutôt qu'émotionnels, contrairement à la période précédente. Le Kunqu , la plus ancienne forme d'opéra chinois encore existante, se développa sous la dynastie Song à Kunshan , près de l'actuelle Shanghai. Sous la dynastie Yuan , la peinture du peintre chinois Zhao Mengfu (趙孟頫) influença grandement la peinture de paysage chinoise ultérieure, et l'opéra de la dynastie Yuan devint une variante de l'opéra chinois qui perdure aujourd'hui sous le nom d'opéra cantonais .
Peinture chinoise
Gongbi et Xieyi sont deux styles de peinture chinoise.
Gongbi signifie « méticuleux », les couleurs riches et les détails précis de l'image en sont les principales caractéristiques, et son contenu représente principalement des portraits ou des récits. Xieyi signifie « à main levée », sa forme est souvent exagérée et irréelle, mettant l'accent sur l'expression émotionnelle de l'auteur et généralement utilisée pour représenter des paysages.
Outre le papier et la soie, des peintures traditionnelles ornent également les parois, comme celles des grottes de Mogao, dans la province du Gansu. Les grottes de Mogao à Dunhuang furent construites sous la dynastie des Wei du Nord (386-534 apr. J.-C.). Elles comprennent plus de 700 grottes, dont 492 sont ornées de peintures murales, couvrant une superficie totale de plus de 45 000 mètres carrés. Ces peintures murales présentent une grande variété de thèmes : statues de Bouddha, scènes du paradis, anges, événements historiques importants et même portraits de donateurs. Les styles picturaux des premières grottes furent influencés par l’Inde et l’Occident. À partir de la dynastie Tang (618-906 apr. J.-C.), les peintures murales commencèrent à refléter le style pictural chinois propre à la Chine.
calligraphie chinoise
La calligraphie chinoise remonte au Dazhuan (écriture sigillaire large) apparu sous la dynastie Zhou . Après l'unification de la Chine par l'empereur Qin , le Premier ministre Li Si collecta et compila le Xiaozhuan (écriture sigillaire étroite) comme nouvelle écriture officielle. L'écriture sigillaire étroite est très élégante, mais difficile à exécuter rapidement. Sous la dynastie des Han orientaux , un type d'écriture appelé Lishu (écriture officielle) commença à se développer. Sans cercles et avec très peu de courbes, il était particulièrement adapté à une écriture rapide. Par la suite, le style Kaishu (écriture régulière traditionnelle) apparut et, grâce à sa structure plus simple et plus soignée, il est encore largement utilisé aujourd'hui.
artisanat chinois ancien
Jade
Le jade ancien était utilisé comme ornement ou comme ustensile sacrificiel. Les plus anciens objets en jade sculpté de Chine apparaissent dans la culture de Hemudu, au début du Néolithique (environ 3500-2000 av. J.-C.). Sous la dynastie Shang (env. 1600-1046 av. J.-C.), le Bi (jade perforé circulaire) et le Cong (tube de jade carré) font leur apparition ; on suppose qu'il s'agissait d'ustensiles sacrificiels représentant le ciel et la terre. Sous la dynastie Zhou (1046-256 av. J.-C.), grâce à l'utilisation d'outils de gravure plus durs, le jade est sculpté avec plus de finesse et commence à être utilisé comme pendentif ou ornement vestimentaire. Le jade était considéré comme immortel et protecteur ; c'est pourquoi les objets en jade sculpté étaient souvent enterrés avec le défunt, comme le costume funéraire en jade découvert dans la tombe de Liu Sheng, prince de la dynastie des Han occidentaux .
Porcelaine
La porcelaine est un type de céramique fabriqué à partir de kaolin à haute température. Les premières céramiques chinoises sont apparues sous la dynastie Shang (env. 1600-1046 av. J.-C.). La production de céramique a jeté les bases de l'invention de la porcelaine. L'histoire de la porcelaine chinoise remonte à la dynastie Han (206 av. J.-C. – 220 apr. J.-C.). Sous la dynastie Tang , la porcelaine se divisait en céladon et porcelaine blanche. Sous la dynastie Song , Jingdezhen fut choisie comme centre de production de porcelaine royale et commença à produire de la porcelaine bleue et blanche.
L'art chinois moderne
Après la chute de la dernière dynastie féodale en Chine , avec l'essor du nouveau mouvement culturel , les artistes chinois commencèrent à être influencés par l'art occidental et à l'intégrer à la culture chinoise. Influencé par le jazz américain, le compositeur chinois Li Jinhui (considéré comme le père de la musique pop chinoise) commença à créer et à promouvoir une musique populaire qui connut un immense succès. Au début du XXe siècle, la peinture à l'huile fut introduite en Chine, et de plus en plus de peintres chinois s'inspirèrent des techniques picturales occidentales et les combinèrent à la peinture traditionnelle chinoise. Parallèlement, une nouvelle forme d'expression artistique, la bande dessinée, fit son apparition. Populaire auprès du public, elle devint le moyen de divertissement le plus abordable de l'époque.
l'art tibétain
L'art tibétain est l'art distinctif du Tibet ( Région autonome du Tibet en Chine) et d'autres royaumes himalayens actuels et anciens ( Bhoutan , Ladakh , Népal et Sikkim ). Il s'agit avant tout d'un art sacré , reflétant l'influence prépondérante du bouddhisme tibétain sur ces cultures. Le mandala de sable ( en tibétain : kilkhor ) est une tradition bouddhiste tibétaine symbolisant la nature transitoire de toute chose. Selon le canon bouddhiste , tout ce qui est matériel est considéré comme éphémère. Le mandala de sable en est un exemple : une fois construit et les cérémonies et contemplations qui l'accompagnent terminées, il est systématiquement détruit .
Le bouddhisme mahayana, apparu comme école distincte au IVe siècle avant J.-C., mettait l'accent sur le rôle des bodhisattvas , êtres compatissants qui renoncent à leur propre ascension vers le nirvana pour aider autrui. Dès l'Antiquité, divers bodhisattvas furent représentés dans l'art statuaire. Le bouddhisme tibétain, issu du mahayana, hérita de cette tradition. Cependant, la présence dominante du vajrayana (ou tantra bouddhique) a probablement exercé une influence prépondérante sur la culture artistique. Un bodhisattva fréquemment représenté dans l'art tibétain est Chenrezig (Avalokiteshvara), souvent figuré comme un saint aux mille bras, chaque main portant un œil, symbolisant le bienveillant omniscient qui entend nos prières. Cette divinité peut également être considérée comme un yidam , ou « bouddha de méditation », dans la pratique du vajrayana.
Le bouddhisme tibétain comprend le bouddhisme tantrique , également appelé bouddhisme vajrayana en raison de son symbolisme récurrent du vajra , le foudre de diamant (connu en tibétain sous le nom de dorje ). La plupart des œuvres d'art typiques du bouddhisme tibétain s'inscrivent dans la pratique du tantra. Les techniques vajrayana intègrent de nombreuses visualisations et imaginations durant la méditation, et la plupart des œuvres d'art tantriques élaborées servent de supports à ces visualisations ; qu'il s'agisse de représentations de divinités méditatives ( yidams ), de mandalas ou de toutes sortes d'objets rituels.
Un aspect visuel du bouddhisme tantrique est la représentation fréquente de divinités courroucées , souvent figurées avec des visages furieux, des cercles de flammes ou des crânes de défunts. Ces images représentent les Protecteurs ( Skt . dharmapala ) et leur apparence redoutable masque leur véritable nature compatissante. En réalité, leur colère symbolise leur dévouement à la protection de l' enseignement du Dharma ainsi qu'à la préservation des pratiques tantriques spécifiques, afin d'en prévenir toute corruption ou perturbation. Elles servent surtout de levier psychologique pour vaincre les attitudes négatives du pratiquant.
Les historiens notent que la peinture chinoise a exercé une profonde influence sur la peinture tibétaine en général. Dès les XIVe et XVe siècles, la peinture tibétaine a intégré de nombreux éléments chinois, et au XVIIIe siècle, l'influence de la peinture chinoise sur l'art visuel tibétain a été profonde et durable. Selon Giuseppe Tucci , sous la dynastie Qing, « un nouvel art tibétain s'est alors développé, qui constituait en quelque sorte un écho provincial de la délicatesse ornementale et raffinée de la peinture chinoise du XVIIIe siècle. »
l'art japonais
L'art et l'architecture japonais englobent les œuvres produites au Japon depuis les premiers temps de l'occupation humaine, probablement au Xᵉ millénaire avant J.-C., jusqu'à nos jours. L'art japonais couvre une grande variété de styles et de supports, tels que la céramique ancienne, la sculpture sur bois et en bronze, la peinture à l'encre sur soie et papier, et une multitude d'autres formes d'art ; de l'Antiquité au XXIᵉ siècle.
Cet art connut une grande popularité dans la culture métropolitaine d' Edo (Tokyo) durant la seconde moitié du XVIIe siècle, trouvant son origine dans les œuvres monochromes de Hishikawa Moronobu dans les années 1670. Au début, seule l'encre de Chine était utilisée, puis certaines estampes furent colorées manuellement au pinceau, mais au XVIIIe siècle, Suzuki Harunobu développa la technique d'impression polychrome pour produire des nishiki-e .
La peinture japonaise (絵画, Kaiga ) est l'un des arts japonais les plus anciens et les plus raffinés , englobant une grande variété de genres et de styles. À l'instar de l'histoire des arts japonais en général, l'histoire de la peinture japonaise est marquée par une longue période de synthèse et de confrontation entre l'esthétique japonaise traditionnelle et l'adaptation d'idées importées.
Les origines de la peinture au Japon remontent à la préhistoire . Des figures stylisées et des motifs géométriques se retrouvent sur des poteries de la période Jōmon et sur des cloches en bronze dōtaku de la période Yayoi (300 av. J.-C. – 300 apr. J.-C.) . Des peintures murales aux motifs à la fois géométriques et figuratifs ont été découvertes dans de nombreux tumulus de la période Kofun (300-700 apr. J.-C.).
La sculpture japonaise ancienne était principalement issue du culte des idoles bouddhistes ou des rites animistes des divinités shintoïstes . De tous les arts, la sculpture, en particulier , se concentra intensément autour du bouddhisme. Les matériaux traditionnellement utilisés étaient le métal, notamment le bronze , et plus couramment le bois, souvent laqué , doré ou peint de couleurs vives. À la fin de l' époque d'Edo , cette sculpture traditionnelle, à l'exception des œuvres miniatures, avait quasiment disparu en raison du déclin du mécénat des temples bouddhistes et de la noblesse.
Ukiyo , qui signifie « monde flottant », désigne la culture jeune et impétueuse qui s'est épanouie dans les centres urbains d' Edo (l'actuelle Tokyo), d'Osaka et de Kyoto , véritables mondes à part. C'est une allusion ironique à l' expression homophone « Monde douloureux » (憂き世), le plan terrestre de la mort et de la renaissance dont les bouddhistes cherchaient la libération.
l'art coréen
L'art coréen est réputé pour ses traditions en matière de poterie, de musique, de calligraphie, de peinture, de sculpture et d'autres genres, souvent caractérisées par l'utilisation de couleurs vives, de formes naturelles, de formes et d'échelles précises, et de décorations de surface.
Bien qu'il existe des différences claires et distinctives entre ces trois cultures indépendantes, il existe des similitudes et des interactions historiques importantes entre les arts de la Corée , de la Chine et du Japon.
L'étude et l'appréciation de l'art coréen sont encore à leurs débuts en Occident. Du fait de sa position entre la Chine et le Japon, la Corée a longtemps été perçue comme un simple vecteur de la culture chinoise vers le Japon. Cependant, des chercheurs récents ont commencé à reconnaître l'art et la culture uniques de la Corée, ainsi que son rôle important non seulement dans la transmission de la culture chinoise, mais aussi dans son assimilation et la création d'une culture qui lui est propre. Un art né et développé par une nation est un art qui lui est propre.
L'histoire de la peinture coréenne remonte généralement à environ 108 apr. J.-C., date à laquelle elle apparaît pour la première fois comme une forme indépendante. Entre cette époque et les peintures et fresques ornant les tombeaux de la dynastie Goryeo , les recherches sont restées rares. On peut toutefois affirmer que, jusqu'à la dynastie Joseon, l'influence principale était la peinture chinoise, bien que celle-ci se soit traduite par des paysages coréens, des traits du visage, des thèmes bouddhistes et une attention particulière portée à l'observation céleste, en lien avec le développement rapide de l'astronomie coréenne.
Tout au long de l'histoire de la peinture coréenne, il y a eu une séparation constante entre les œuvres monochromes réalisées au pinceau noir, très souvent sur du papier de mûrier ou de la soie ; et l'art populaire coloré ou min-hwa , les arts rituels, les peintures funéraires et les arts de festival qui faisaient un usage intensif de la couleur.
Cette distinction était souvent fondée sur la classe sociale : les érudits, notamment en art confucéen , estimaient que la couleur était perceptible dans les peintures monochromes grâce aux dégradés et que l’utilisation de la couleur elle-même en appauvrissait l’esthétique et limitait l’imagination. L’art populaire coréen, et la peinture des encadrements architecturaux, étaient considérés comme un moyen d’égayer certains cadres extérieurs en bois, dans la tradition de l’architecture chinoise et sous l’influence des premiers courants bouddhistes, caractérisés par une profusion de couleurs primaires et de thalo .
L'art contemporain en Corée : Le premier exemple de peinture à l'huile de style occidental dans l'art coréen se trouve dans les autoportraits de l'artiste coréen Ko Hu i-dong (1886-1965). Seuls trois de ces œuvres subsistent aujourd'hui. Ces autoportraits témoignent d'une compréhension du médium qui dépasse largement la simple affirmation de différences stylistiques et culturelles. Au début du XXe siècle, le choix de peindre à l'huile sur toile en Corée donnait lieu à deux interprétations. L'une était une forme d'éveil artistique grâce aux idées et aux styles artistiques occidentaux. Cet éveil était issu d'un mouvement intellectuel des XVIIe et XVIIIe siècles. Ko peignait déjà selon cette technique pendant la période d'annexion de la Corée par le Japon. À cette époque, beaucoup affirmaient que son art avait une dimension politique ; pourtant, il se disait artiste et non homme politique. Ko a déclaré : « Pendant mon séjour à Tokyo, une chose très curieuse s'est produite. À cette époque, il y avait moins de cent étudiants coréens à Tokyo. Nous étions tous avides de découvrir le nouvel environnement et de nous lancer dans de nouvelles études, mais certains se moquaient de mon choix d'étudier l'art. Un ami proche m'a dit qu'il n'était pas convenable pour moi d'étudier la peinture à une époque pareille. »
La poterie coréenne est attestée dès 6000 avant notre ère. On l'appelait aussi poterie à motifs en peigne en raison des lignes décoratives gravées sur sa surface extérieure. Les premières sociétés coréennes dépendaient principalement de la pêche. Elles utilisaient donc la poterie pour conserver le poisson et d'autres produits de la mer, comme les coquillages. La poterie présentait deux grandes distinctions régionales : celle de la côte est avait généralement un fond plat, tandis que celle de la côte sud avait un fond arrondi.
l'art d'Asie du Sud-Est
L'art brunéien
L'argent est un élément très présent dans l'art brunéien . Les orfèvres confectionnent des ornements, des vases et des gongs (disques métalliques à bord tourné produisant un son résonnant lorsqu'on les frappe). Parmi les ustensiles populaires, on trouve également le pasigupan, une sorte de petit pot orné d'un mandala et servant à contenir du tabac.
Le savoir-faire du tissage se transmet de génération en génération. Le Brunei produit des tissus pour la confection de robes et de sarongs . « Le tissage et la décoration des étoffes, ainsi que leur port, leur présentation et leur échange, constituent depuis des siècles une part importante de la culture brunéienne (Orr 96). » Le tissage a pris une importance considérable au XVe siècle. Lors de ses voyages au Brunei, Antonio Pigafetta a observé les techniques de fabrication des vêtements. Il a notamment étudié le Jongsarat, un vêtement artisanal porté lors des mariages et des grandes occasions. Ce tissu, généralement orné de fils d'or et d'argent, peut également servir de revêtement mural.
À Brunei, les deux principaux types de vêtements sont le batik et l'ikat . Le batik est un tissu de coton teint selon une technique appelée teinture à la cire . L'ikat est fabriqué selon un procédé similaire au batik, mais au lieu de teindre le motif sur le tissu fini, il est créé lors du tissage.
L'art cambodgien
L'art et la culture cambodgiens possèdent une histoire riche et variée remontant à plusieurs siècles et ont été fortement influencés par l'Inde . En retour, le Cambodge a exercé une influence considérable sur la Thaïlande et le Laos, et inversement. Tout au long de sa longue histoire, la religion a été une source d'inspiration majeure pour le Cambodge. Pendant près de deux millénaires, les Cambodgiens ont développé une croyance khmère unique , issue du syncrétisme des croyances animistes indigènes et des religions indiennes que sont le bouddhisme et l'hindouisme . La culture et la civilisation indiennes, y compris leur langue et leurs arts, ont atteint l'Asie du Sud-Est continentale vers le Ier siècle de notre ère. On pense généralement que les marchands navigateurs ont introduit les coutumes et la culture indiennes dans les ports du golfe de Thaïlande et du Pacifique lors de leurs échanges commerciaux avec la Chine. Le Funan fut le premier État à en bénéficier . À différentes époques, la culture cambodgienne a également intégré des éléments des cultures javanaise , chinoise , laotienne et thaïlandaise .
L'histoire des arts visuels du Cambodge remonte à plusieurs siècles, aux artisanats anciens ; l'art khmer a atteint son apogée durant la période d'Angkor . Les arts et l'artisanat traditionnels cambodgiens comprennent le textile, le tissage non textile , l'orfèvrerie , la sculpture sur pierre , la laque , la céramique , les peintures murales des wats et la fabrication de cerfs-volants . À partir du milieu du XXe siècle, une tradition d'art moderne s'est développée au Cambodge, mais à la fin du XXe siècle, les arts traditionnels et modernes ont décliné pour plusieurs raisons, notamment l'assassinat d'artistes par les Khmers rouges . Le pays connaît depuis peu un renouveau artistique grâce au soutien accru des gouvernements, des ONG et des touristes étrangers.
sculpture khmère
La sculpture khmère désigne la sculpture sur pierre de l' Empire khmer , qui a régné sur un territoire correspondant au Cambodge actuel, mais bien plus vaste, du IXe au XIIIe siècle. Les exemples les plus célèbres se trouvent à Angkor , qui fut le siège de l'empire.
Au VIIe siècle, la sculpture khmère s'affranchit progressivement des influences hindoues – pré-Gupta pour les figures bouddhistes, Pallava pour les figures hindoues – et, par une évolution stylistique constante, développe une originalité propre, qui, au Xe siècle, peut être considérée comme aboutie. La sculpture khmère dépasse alors la simple représentation religieuse, qui devient presque un prétexte pour dépeindre les personnages de la cour sous les traits de dieux et de déesses. Mais elle devient aussi un moyen et une fin en soi, un expérimentation stylistique. Nous avons déjà vu comment le contexte social du royaume khmer offre une seconde clé de compréhension de cet art. On peut également imaginer qu'à un niveau plus restreint, de petits groupes d'intellectuels et d'artistes œuvraient, rivalisant de maîtrise et de raffinement dans leur quête d'une perfection stylistique idéale.
Les dieux que l'on retrouve dans la sculpture khmère sont ceux des deux grandes religions de l'Inde, le bouddhisme et l'hindouisme . Ils sont toujours représentés avec une grande précision iconographique, ce qui indique clairement que des prêtres érudits supervisaient l'exécution des œuvres. Néanmoins, contrairement aux images hindoues qui répètent un stéréotype idéalisé, ces images sont traitées avec un grand réalisme et une grande originalité car elles représentent des modèles vivants : le roi et sa cour. La véritable fonction sociale de l'art khmer était, en réalité, la glorification de l' aristocratie à travers ces images des dieux incarnés par les princes. De fait, le culte du « deva-raja » exigeait le développement d'un art éminemment aristocratique dans lequel le peuple était censé voir la preuve tangible de la divinité du souverain, tandis que l'aristocratie prenait plaisir à se voir – certes, sous une forme idéalisée – immortalisée dans la splendeur d'ornements complexes, de vêtements élégants et de bijoux extravagants.
Les sculptures sont d'admirables représentations de dieux, des présences royales et imposantes, non sans une certaine sensualité féminine, évoquant des personnages importants de la cour et des personnes d'un pouvoir considérable. Les artistes qui ont sculpté ces pierres ont sans doute satisfait aux objectifs et exigences primordiaux fixés par leurs commanditaires. Les sculptures représentent la divinité choisie de manière orthodoxe et réussissent à dépeindre, avec une grande habileté et une grande expertise, les hautes figures de la cour dans toute leur splendeur, parées de vêtements, d'ornements et de bijoux d'une beauté raffinée.
L'art philippin
Les plus anciens exemples d'art philippin sont les pétroglyphes, dont les plus anciens sont les pétroglyphes d'Angono , datant du Néolithique (entre 6000 et 2000 av. J.-C.). Ces gravures étaient probablement utilisées dans le cadre d'une ancienne pratique de guérison pour les enfants malades. Viennent ensuite les pétroglyphes d'Alab , datés au plus tard de 1500 av. J.-C., qui présentent des symboles de fertilité, comme un organe génital. Parmi les autres formes d'art rupestre, on trouve les pétroglyphes, notamment ceux de Peñablanca et de Singnapan , les pétroglyphes à l'hématite rouge d' Anda [ et les pétroglyphes récemment découverts à Monreal (Ticao) , représentant des singes, des visages humains, des vers ou des serpents, des plantes, des libellules et des oiseaux . Entre 890 et 710 av. J.-C., le vase de Manunggul a été fabriqué dans le sud de Palawan . Il servait de vase funéraire secondaire, dont le couvercle représentait le voyage de l'âme vers l'au-delà à bord d'une barque avec un psychopompe . En 100 av. J.-C., les grottes funéraires de momies de Kabayan furent creusées dans une montagne. Entre 5 av. J.-C. et 225 apr. J.-C., la céramique anthropomorphe de Maitum fut créée à Cotabato. Ces objets étaient des vases funéraires secondaires, dont beaucoup représentaient des têtes, des mains, des pieds et des seins humains.
Au IVe siècle de notre ère, et probablement même avant, les anciens habitants des Philippines construisaient des navires de guerre gigantesques. Les plus anciens vestiges archéologiques connus ont été mis au jour à Butuan , où un navire, identifié comme un balangay , a été daté de 320 de notre ère . Le plus ancien artefact connu à ce jour portant une inscription est l' inscription sur plaque de cuivre de Laguna , datée de 900 de notre ère. Cette plaque évoque le paiement d'une dette . Le sceau en ivoire de Butuan est le plus ancien objet d'art en ivoire connu du pays, daté du IXe au XIIe siècle de notre ère. Ce sceau présente des gravures d'une écriture ancienne . Durant cette période, divers artefacts ont été produits, tels que l' image d'Agusan , une statue en or d'une divinité, possiblement influencée par l'hindouisme et le bouddhisme . Du XIIe au XVe siècle, le paléographe en argent de Butuan a été réalisé. L’inscription sur l’argent reste à déchiffrer. Entre le XIIIe et le XIVe siècle, les habitants de Banton, à Romblon, confectionnaient le tissu de Banton , le plus ancien textile ikat conservé en Asie du Sud-Est. Ce tissu servait de linceul. Du XVIe siècle jusqu’à la fin du XIXe siècle, la colonisation espagnole a influencé diverses formes d’art dans le pays.
De 1565 à 1815, les artisans philippins fabriquaient les galions de Manille utilisés pour le commerce entre l'Asie et les Amériques, d'où une grande partie des marchandises était exportée vers l'Europe. En 1565, la tradition ancestrale du tatouage aux Philippines fut mentionnée pour la première fois dans les Pintados . En 1584, le fort San Antonio Abad fut achevé, suivi en 1591 par le fort Santiago . Vers 1600, les rizières en terrasses des Cordillères des Philippines étaient aménagées. Cinq ensembles de rizières en terrasses sont inscrits au patrimoine mondial de l'UNESCO . En 1607, l' église San Agustín de Manille fut construite. Cet édifice est également inscrit au patrimoine mondial de l'UNESCO . Il est célèbre pour ses peintures intérieures. En 1613, le plus ancien document écrit en suyat sur papier connu fut retrouvé dans les documents baybayin de l'Université de Santo Tomas . Après 1621, les Pierres de Monreal furent créées à Ticao, Masbate. En 1680, l' Arc des Siècles fut construit. En 1692, l'image de Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga fut peinte.
L'église de Manaoag fut fondée en 1701. En 1710, l' église de Paoay, inscrite au patrimoine mondial, fut construite. Elle est réputée pour ses imposants contreforts, caractéristiques de l'architecture baroque post-séisme. En 1720, les peintures religieuses de Camarin de la Virgen à Santa Ana furent réalisées. En 1725, l' église historique de Santa Ana fut érigée. En 1765, l' église de Santa Maria, également inscrite au patrimoine mondial, fut construite. Ce site est remarquable pour son architecture de montagne. L'église de Bacarra fut construite en 1782. En 1783, les idjangs , forteresses-châteaux, de Batanes furent mentionnés pour la première fois. L'âge exact de ces édifices demeure inconnu. En 1797, l' église de Miagao, inscrite au patrimoine mondial, fut construite. Elle est célèbre pour les sculptures de sa façade. L'église de Tayoum fut construite en 1803. En 1807, les peintures de la Révolte du Basi furent réalisées, illustrant la révolution ilocano contre l'ingérence espagnole dans la production et la consommation de basi. En 1822, le parc historique de Paco fut créé. En 1824, l' orgue de bambou de Las Piñas fut conçu, devenant ainsi le premier et unique orgue en bambou. En 1852, les peintures d'art sacré de l'église paroissiale de Santiago Apostol furent achevées. En 1884, les tableaux « L' Assassinat du gouverneur Bustamante et de son fils » et « Spoliarium » remportèrent des prix lors d'un concours artistique en Espagne. En 1890, le tableau « Nourrir les poules » fut réalisé. La Vie parisienne a été peinte en 1892, tandis que La Bulaqueña date de 1895. La sculpture en terre cuite Le Triomphe de la science sur la mort a été réalisée en 1890. En 1891, la première et unique église entièrement en acier d'Asie, l'église San Sebastian (Manille) , a été construite. En 1894, la sculpture en terre cuite La Vengeance de la mère a été créée.
Au XXe siècle, voire plus tôt, le Coran de Bayang fut rédigé. À la même époque, le calendrier agricole sur pierre de Guiday, à Besao, fut découvert. En 1913, le monument Rizal fut achevé. En 1927, le bâtiment principal de l'Université de Santo Tomas fut reconstruit, tandis que son séminaire central fut bâti en 1933. En 1931, le palais royal Darul Jambangan de Sulu fut détruit. La même année, le Théâtre métropolitain de Manille fut construit. Les peintures illustrant les progrès de la médecine aux Philippines furent achevées en 1953. L'église Santo Domingo fut construite en 1954. En 1962, la peinture de l'Institut international de recherche sur le riz fut achevée, et la fresque de Manille réalisée en 1968. En 1993, le monument Bonifacio fut inauguré.
L'art indonésien
L'art et la culture indonésiens ont été façonnés par une longue interaction entre les coutumes autochtones et de multiples influences étrangères. L'Indonésie , située au carrefour des anciennes routes commerciales entre l'Extrême-Orient et le Moyen-Orient, a vu ses pratiques culturelles fortement influencées par une multitude de religions , dont l'hindouisme , le bouddhisme , le confucianisme et l'islam, toutes florissantes dans les principales villes commerçantes. Il en résulte un mélange culturel complexe, très différent des cultures autochtones d'origine. L'Indonésie n'est généralement pas réputée pour sa peinture, exception faite des peintures balinaises , d'une grande finesse et expressivité , qui représentent souvent des scènes de la nature et des thèmes issus des danses traditionnelles.
Parmi les autres exceptions, on trouve les motifs de peinture indigènes Kenyah , inspirés, comme c'est souvent le cas dans les cultures austronésiennes , de motifs naturels endémiques tels que des fougères, des arbres, des chiens, des calaos et des figures humaines. Ces motifs ornent encore les murs des maisons longues Kenyah Dayak de la région d'Apo Kayan, dans l'est du Kalimantan .
L'Indonésie possède une longue histoire, celle des âges du bronze et du fer , mais cet art a particulièrement prospéré du VIIIe au Xe siècle, à la fois comme œuvres d'art autonomes et intégrées aux temples.
Les centaines de mètres de bas-reliefs du temple de Borobudur , dans le centre de Java , sont particulièrement remarquables . Sur près de trois kilomètres, ces sculptures d'une finesse exceptionnelle retracent la vie du Bouddha et illustrent ses enseignements. Le temple abritait à l'origine 504 statues du Bouddha assis. Ce site, comme d'autres dans le centre de Java, témoigne d'une nette influence indienne.
La calligraphie, principalement inspirée du Coran , est souvent utilisée comme ornement, l'islam interdisant les représentations naturalistes. Quelques peintres étrangers se sont également installés en Indonésie . Les peintres indonésiens contemporains explorent une grande variété de styles et de thèmes.
l'art balinais
L'art balinais est un art d' origine hindou - japonaise , né du travail des artisans du royaume de Majapahit et de son expansion à Bali à la fin du XIIIe siècle. Du XVIe au XXe siècle, le village de Kamasan, à Klungkung (est de Bali), fut le centre de l'art balinais classique. Au début du XXe siècle, de nouvelles formes d'art balinais émergèrent. Depuis la fin du XXe siècle, Ubud et ses villages voisins se sont imposés comme les centres de l'art balinais. Ubud et Batuan sont réputés pour leurs peintures, Mas pour leurs sculptures sur bois, Celuk pour leurs orfèvres et Batubulan pour leurs sculptures sur pierre. Covarrubias décrit l'art balinais comme « un art populaire baroque très élaboré, bien qu'informel, qui allie la vivacité paysanne au raffinement du classicisme javanais hindouiste, mais affranchi des préjugés conservateurs et animé d'une vitalité nouvelle, nourrie par l'exubérance de l'esprit primitif tropical ». Eiseman a souligné que l'art balinais est en fait sculpté, peint, tissé et préparé en objets destinés à un usage quotidien plutôt qu'en tant qu'objet d'art.
Dans les années 1920, avec l'arrivée de nombreux artistes occidentaux, Bali devint un refuge pour les artistes d'avant-garde (à l'instar de Tahiti pour Paul Gauguin ), tels que Walter Spies (Allemand), Rudolf Bonnet (Néerlandais), Adrien-Jean Le Mayeur (Belge), Arie Smit (Néerlandais) et, plus récemment, Donald Friend (Australien). La plupart de ces artistes occidentaux n'eurent que peu d'influence sur les Balinais jusqu'à l'après-Seconde Guerre mondiale, même si certains récits tendent à survaloriser la présence occidentale au détriment de la reconnaissance de la créativité balinaise.
Cette période de créativité novatrice atteignit son apogée à la fin des années 1930. De nombreux visiteurs célèbres, parmi lesquels Charlie Chaplin et les anthropologues Gregory Bateson et Margaret Mead , encouragèrent les talentueux artistes locaux à créer des œuvres d'une grande originalité. Lors de leur séjour à Bali au milieu des années 1930, Bateson et Mead collectèrent plus de 2 000 peintures, provenant principalement du village de Batuan, mais aussi du village côtier de Sanur. Parmi les artistes occidentaux, Spies et Bonnet sont souvent considérés comme les artisans de la modernisation de la peinture balinaise traditionnelle. À partir des années 1950, les artistes balinais intégrèrent des éléments de perspective et d'anatomie issus de leur travail. Plus important encore, ils furent des agents du changement en encourageant l'expérimentation et en promouvant une rupture avec la tradition. Il en résulta une explosion d'expression individuelle qui accéléra l'évolution de l'art balinais.
l'art laotien
L'art laotien comprend la céramique , la sculpture bouddhiste laotienne et la musique laotienne .
Les sculptures bouddhistes laotiennes étaient réalisées dans une grande variété de matériaux, notamment l'or, l'argent et, le plus souvent, le bronze . La brique et le mortier étaient également utilisés pour les images colossales, dont la plus célèbre est celle de Phya Vat (XVIe siècle) à Vientiane . Cependant, une rénovation a complètement altéré l'apparence de la sculpture, qui ne ressemble plus à un Bouddha laotien. Le bois est un matériau prisé pour les petites images votives bouddhistes, souvent déposées dans des grottes. Il est également très courant pour les grandes statues du Bouddha, grandeur nature. Les deux sculptures les plus célèbres taillées dans des pierres semi-précieuses sont le Phra Keo (le Bouddha d'Émeraude ) et le Phra Phuttha Butsavarat. Le Phra Keo, probablement originaire de Xieng Sen ( Chiang Saen ), est sculpté dans un bloc de jade massif. Il est resté à Vientiane pendant deux siècles avant d'être emporté comme butin par les Siamois à la fin du XVIIIe siècle. Aujourd'hui, il sert de palladium au royaume de Thaïlande et se trouve au Grand Palais de Bangkok. Le Phra Phuttha Butsavarat, tout comme le Phra Keo, est également conservé dans une chapelle qui lui est dédiée au Grand Palais de Bangkok. Avant que les Siamois ne s'en emparent au début du XIXe siècle, cette image de cristal était le palladium du royaume laotien de Champassak .
De nombreuses et magnifiques sculptures bouddhistes laotiennes sont taillées à même la roche des grottes de Pak Ou . Près de Pak Ou (embouchure de la rivière Ou), les grottes de Tham Ting (grotte inférieure) et de Tham Theung (grotte supérieure) se situent à proximité de Luang Prabang , au Laos. Ce magnifique ensemble de grottes, accessible uniquement par bateau, se trouve à environ deux heures en amont du centre de Luang Prabang et est devenu récemment plus populaire auprès des touristes. Les grottes sont réputées pour leurs impressionnantes sculptures bouddhistes et de style laotien, taillées dans la roche, ainsi que pour les centaines de statuettes bouddhistes abandonnées , disposées sur le sol et les étagères murales. Leurs propriétaires, ne souhaitant pas les détruire, les ont déposées là, obligeant les visiteurs à entreprendre un long et difficile voyage jusqu'aux grottes pour y déposer leurs statuettes indésirables.
L'art malaisien
L'art malaisien se compose principalement d' art malais et d'art bornéen , et présente des similitudes avec d'autres styles d'Asie du Sud-Est, comme ceux de Brunei , d'Indonésie et de Singapour . L'histoire de l'art en Malaisie remonte aux sultanats malais, avec des influences chinoises , indiennes et islamiques .
L'art traditionnel malaisien est principalement axé sur la sculpture, le tissage et l'orfèvrerie. Il englobe un large éventail d'objets, allant des paniers tressés à la main dans les zones rurales aux pièces d'orfèvrerie des cours malaises. Parmi les œuvres courantes figuraient des kris ornementaux et des ensembles en noix de bétel . On y confectionne également des textiles luxueux appelés songket , ainsi que des batiks traditionnels à motifs . Les populations autochtones de Malaisie orientale sont réputées pour leurs masques en bois. L'art malaisien ne s'est développé que récemment, car avant les années 1950, les tabous islamiques concernant la représentation des personnes et des animaux étaient très forts. Des textiles tels que le batik , le songket , le pua kumbu et le tekat servent à la décoration, souvent brodés de peintures ou de motifs. Les bijoux traditionnels étaient fabriqués en or et en argent ornés de pierres précieuses et, en Malaisie orientale, le cuir et les perles étaient utilisés dans le même but.
L'art birman
L’art du Myanmar désigne l’art visuel créé au Myanmar (Birmanie). L’art birman ancien était influencé par l’Inde et était souvent de nature religieuse, allant des sculptures hindoues du royaume de Thaton aux images bouddhistes Theravada du royaume de Sri Ksetra .
La période de Bagan a connu un développement significatif dans de nombreuses formes d'art, des peintures murales et sculptures aux stucs et sculptures sur bois. Après une période de faible production artistique entre le XIVe et le XVIe siècle, les artistes ont créé des peintures et des sculptures reflétant la culture birmane. Les artistes birmans ont subi l'ingérence et la censure du gouvernement, ce qui a freiné le développement de l'art au Myanmar. L'art birman reflète les éléments bouddhistes centraux, notamment les mudras , les contes Jataka , les pagodes et les bodhisattvas .
L'art singapourien
L’histoire de l’art singapourien comprend les traditions artistiques indigènes de l’ archipel malais et les diverses pratiques visuelles des artistes itinérants et des migrants de Chine , du sous-continent indien et d’Europe .
L'art singapourien englobe les traditions sculpturales, textiles et décoratives du monde malais ; les portraits , paysages , sculptures , estampes et dessins d'histoire naturelle de la période coloniale britannique ; ainsi que les peintures de style Nanyang d'influence chinoise , l'art réaliste social , l'art abstrait et les pratiques photographiques apparues après la Seconde Guerre mondiale. Aujourd'hui, il comprend les pratiques artistiques contemporaines de Singapour post-indépendance, telles que l'art de la performance , l'art conceptuel , l'art de l'installation , l'art vidéo , l'art sonore et l'art des nouveaux médias . L'émergence de l'art moderne singapourien, ou plus précisément, « l'émergence d'une expression artistique consciente de soi » est souvent associée à l'essor des associations artistiques, des écoles d'art et des expositions au XXe siècle, bien que cette notion ait depuis été élargie pour inclure des formes plus anciennes de représentation visuelle, notamment celles issues des périodes historiques de Singapour.
Actuellement, l' art contemporain singapourien rayonne à l'international grâce aux biennales et autres grandes expositions internationales. À Singapour, il explore les thèmes de l'hypermodernité et de l'environnement bâti, de l'aliénation et de l'évolution des mœurs, ainsi que des identités postcoloniales et du multiculturalisme . L'exploration de la performance et du corps performatif constitue un fil conducteur commun à ces différentes tendances . Singapour possède une riche histoire en matière d' art performatif , le gouvernement ayant par le passé interdit tout financement de cette forme d'art de 1994 à 2003, suite à une performance controversée présentée à l' espace artistique 5th Passage
l'art thaïlandais
L'art thaïlandais, et notamment les arts visuels, était traditionnellement et principalement bouddhiste et royal. La sculpture représentait presque exclusivement des images de Bouddha , tandis que la peinture se limitait à l' illustration de livres et à la décoration des édifices, principalement les palais et les temples. Les images de Bouddha thaïlandaises de différentes périodes présentent une variété de styles distinctifs. L'art thaïlandais contemporain combine souvent des éléments traditionnels thaïlandais avec des techniques modernes .
Les peintures thaïlandaises traditionnelles représentaient les sujets en deux dimensions , sans perspective . La taille de chaque élément reflétait son importance. La principale technique de composition consistait à répartir les espaces : les éléments principaux étaient isolés les uns des autres par des éléments de transformation spatiale. Ceci éliminait le plan intermédiaire, qui impliquerait autrement la perspective. La perspective n'a été introduite qu'au milieu du XIXe siècle, sous l'influence occidentale.
Les sujets narratifs les plus fréquents en peinture étaient ou sont encore : les histoires Jataka , des épisodes de la vie du Bouddha , les cieux et les enfers bouddhistes et des scènes de la vie quotidienne.
La période de Sukhothaï débuta au XIVe siècle dans le royaume de Sukhothaï . Les images du Bouddha de cette époque se caractérisent par leur élégance, avec des corps sinueux et des visages ovales et fins. Ce style mettait l'accent sur la dimension spirituelle du Bouddha, en omettant de nombreux détails anatomiques . Cet effet était renforcé par la pratique courante de la fonte des images en métal plutôt que de leur sculpture . C'est durant cette période qu'apparut la posture du « Bouddha marchant ».
Les artistes de Sukhothai s'efforçaient de suivre les marques distinctives canoniques d'un Bouddha, telles qu'elles sont décrites dans les anciens textes pali :
- Une peau si lisse que la poussière ne peut y adhérer ;
- Des jambes comme un cerf ;
- Des cuisses comme un banian ;
- Des épaules aussi massives qu'une tête d'éléphant ;
- Des bras ronds comme une trompe d'éléphant, et assez longs pour toucher les genoux ;
- Des mains comme des lotus sur le point d'éclore ;
- Le bout des doigts replié comme des pétales ;
- Tête en forme d'œuf ;
- Des cheveux comme les dards d'un scorpion ;
- Menton comme un noyau de mangue ;
- Un nez en forme de bec de perroquet ;
- Lobes d'oreilles allongés par les boucles d'oreilles royales ;
- Des cils comme ceux d'une vache ;
- Des sourcils comme des nœuds dessinés.
Sukhothai produisait également une grande quantité de céramiques émaillées de style Sawankhalok , qui étaient commercialisées dans toute l'Asie du Sud-Est.
l'art timorais
L’art a commencé à se populariser au Timor oriental depuis les violences survenues lors de la crise de 2006. Les enfants du pays ont commencé à recouvrir les murs de graffitis pour créer des fresques de paix .
La Société des arts du Timor oriental promeut l'art dans la région et abrite de nombreuses œuvres d'art produites dans le pays.
l'art vietnamien
L'art vietnamien est issu de l'une des plus anciennes cultures artistiques d'Asie du Sud-Est. Son riche patrimoine artistique remonte à la préhistoire et comprend la peinture sur soie, la sculpture, la poterie, la céramique, la gravure sur bois, l'architecture, la musique, la danse et le théâtre.
L'art traditionnel vietnamien désigne l'art pratiqué au Vietnam ou par des artistes vietnamiens, depuis l'Antiquité (notamment les tambours Đông Sơn , aux motifs élaborés ) jusqu'à l'art postérieur à la domination chinoise , fortement influencé par l'art bouddhique chinois , ainsi que par d'autres philosophies comme le taoïsme et le confucianisme . L'art du Champa et l'art français y ont également joué un rôle, dans une moindre mesure, par la suite.
L'influence chinoise sur l'art vietnamien se manifeste dans la poterie et la céramique , la calligraphie et l'architecture traditionnelle. Actuellement, les peintures laquées vietnamiennes connaissent un grand succès.
La dynastie Nguyễn , dernière dynastie régnante du Vietnam (env. 1802-1945), a connu un regain d'intérêt pour la céramique et l'art de la porcelaine. Les cours impériales de toute l'Asie importaient des céramiques vietnamiennes.
Malgré le haut niveau de développement des arts du spectacle (tels que la musique et la danse de la cour impériale) sous la dynastie Nguyễn, certains considèrent que d'autres domaines artistiques ont commencé à décliner durant la dernière partie de cette dynastie.
À partir du XIXe siècle, l'art moderne et les influences artistiques françaises se sont répandus au Vietnam. Au début du XXe siècle, l'École supérieure des Beaux-Arts de l'Indochine a été fondée pour enseigner les méthodes européennes et a exercé son influence principalement dans les grandes villes, telles que Hanoï et Hô Chi Minh-Ville .
Les restrictions de voyage imposées aux Vietnamiens durant les 80 ans de domination française sur le Vietnam et la longue guerre d'indépendance ont fait que très peu d'artistes vietnamiens ont pu se former ou travailler à l'étranger. Seuls quelques artistes issus de milieux aisés ont eu l'opportunité de se rendre en France et d'y faire carrière. Parmi eux, on peut citer Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang et Pham Tang.
Les artistes vietnamiens modernes ont commencé à utiliser les techniques françaises avec de nombreux matériaux traditionnels tels que la soie, la laque, etc., créant ainsi un mélange unique d'éléments orientaux et occidentaux.
calligraphie vietnamienne
La calligraphie vietnamienne possède une longue histoire, ayant autrefois utilisé le Chữ Hán et le Chữ Nôm . Cependant, la plupart des calligraphies vietnamiennes modernes utilisent désormais le Chữ Quốc Ngữ , basé sur les caractères romains , qui s'est avéré très populaire.
Autrefois, bien que l'alphabétisation dans les anciens systèmes d'écriture vietnamiens à caractères fût réservée aux lettrés et aux élites, la calligraphie conservait une place importante dans la vie vietnamienne. Lors d'occasions spéciales comme le Tết Nguyên Đán , les gens se rendaient chez le maître ou le lettré de leur village pour commander une calligraphie (souvent des poèmes, des proverbes ou même des mots isolés). Ceux qui ne savaient ni lire ni écrire commandaient également des prières à des lettrés, qu'ils brûlaient ensuite dans les sanctuaires des temples.
l'art d'Asie du Sud
l'art bouddhiste
L'art bouddhique est né dans le sous-continent indien, quelques siècles après la vie du Bouddha historique, Gautama, entre le VIe et le Ve siècle avant notre ère. Au contact d'autres cultures, il s'est ensuite diffusé dans le reste de l'Asie et du monde. L'art bouddhique a voyagé avec les croyants au fur et à mesure que le dharma se propageait, s'adaptant et évoluant dans chaque nouveau pays. Il s'est développé vers le nord, à travers l'Asie centrale et l'Asie de l'Est, donnant naissance à la branche septentrionale de l'art bouddhique, et vers l'est, jusqu'en Asie du Sud-Est, formant la branche méridionale. En Inde, l'art bouddhique a prospéré et a même influencé le développement de l' art hindou , jusqu'à ce que le bouddhisme disparaisse presque complètement du pays vers le Xe siècle de notre ère, en partie à cause de l'expansion vigoureuse de l'islam parallèlement à celle de l'hindouisme .
Le mandala est un motif visuel courant dans l'art bouddhique . Du point de vue du spectateur, il représente schématiquement l'univers idéal. Dans diverses traditions spirituelles, les mandalas peuvent être utilisés pour focaliser l'attention des aspirants et des adeptes, comme outil d'enseignement spirituel, pour établir un espace sacré et comme aide à la méditation et à l'induction de la transe . Sa nature symbolique peut aider à « accéder à des niveaux de plus en plus profonds de l'inconscient, permettant ainsi au méditant d'expérimenter un sentiment mystique d'unité avec l'unité ultime d'où émerge le cosmos dans toute sa multiplicité ». Le psychanalyste Carl Jung considérait le mandala comme « une représentation du centre du moi inconscient » et pensait que ses peintures de mandalas lui permettaient d'identifier les troubles émotionnels et de travailler à l'harmonie de la personnalité.
L'art du Bhoutan
L'art bhoutanais présente des similitudes avec l' art tibétain . Tous deux sont fondés sur le bouddhisme vajrayana et son panthéon d'êtres divins.
Les principaux ordres du bouddhisme au Bhoutan sont le Drukpa Kagyu et le Nyingma . Le premier, branche de l' école Kagyu , est réputé pour ses peintures retraçant la lignée des maîtres bouddhistes et les soixante-dix Je Khenpo (chefs de l'ordre monastique bhoutanais). L'ordre Nyingma est connu pour ses représentations de Padmasambhava , à qui l'on attribue l'introduction du bouddhisme au Bhoutan au VIIe siècle. Selon la légende, Padmasambhava aurait caché des trésors sacrés destinés aux futurs maîtres bouddhistes, notamment Pema Lingpa . Les découvreurs de trésors ( tertön ) sont d'ailleurs des sujets fréquents dans l'art Nyingma.
Chaque divinité se voit attribuer des formes, des couleurs et/ou des symboles spécifiques, tels que le lotus, la conque, la foudre et le bol à aumônes. Toutes les images sacrées sont réalisées selon des spécifications précises qui sont restées remarquablement inchangées pendant des siècles.
L'art bhoutanais est particulièrement riche en bronzes de toutes sortes, collectivement appelés Kham-so (fabriqués au Kham ), bien qu'ils soient produits au Bhoutan, car la technique de leur fabrication a été initialement importée de la province orientale du Kham, au Tibet . Les peintures murales et les sculptures de ces régions s'inspirent des idéaux intemporels de l'art bouddhique. Bien que leur souci du détail provienne de modèles tibétains, leurs origines restent aisément perceptibles, malgré la profusion de broderies et d'ornements scintillants qui ornent ces figures. Dans le monde grotesque des démons, les artistes semblaient jouir d'une plus grande liberté d'expression que lorsqu'ils représentaient des êtres divins.
L'artisanat du Bhoutan , qui représente l'esprit et l'identité uniques de ce royaume himalayen, est défini comme l'art du Zorig Chosum , c'est-à-dire les treize arts et métiers du Bhoutan. Ces treize arts et métiers sont la menuiserie, la peinture, la fabrication du papier, la forge, le tissage, la sculpture et bien d'autres. L'Institut du Zorig Chosum à Thimphou est la principale institution dédiée aux arts et métiers traditionnels. Créé par le gouvernement du Bhoutan, il a pour unique objectif de préserver la richesse culturelle et traditionnelle du pays et de former les étudiants à toutes les formes d'art traditionnelles. Une institution similaire existe dans l'est du Bhoutan : Trashi Yangtse. La vie rurale bhoutanaise est également présentée au Musée du patrimoine populaire de Thimphou. Un atelier d'artistes bénévoles existe aussi à Thimphou afin d'encourager et de promouvoir ces formes d'art auprès des jeunes de la ville.
l'art indien
L'art indien se divise en périodes spécifiques, chacune reflétant des évolutions religieuses, politiques et culturelles particulières. Les exemples les plus anciens sont les pétroglyphes , comme ceux de Bhimbetka , dont certains datent d'avant 5500 avant J.-C. La production de ces œuvres s'est poursuivie pendant plusieurs millénaires.
L'art de la civilisation de la vallée de l'Indus s'est ensuite développé. Parmi les exemples plus tardifs, citons les piliers sculptés d' Ellora , dans l'État du Maharashtra . On peut également mentionner les fresques des grottes d'Ajanta et d'Ellora .
Les contributions de l' Empire moghol à l'art indien comprennent la peinture moghole , un style de peinture miniature fortement influencé par les miniatures persanes , et l'architecture moghole .
Durant le Raj britannique , la peinture indienne moderne a émergé de la fusion des styles traditionnels indiens et européens. Raja Ravi Varma fut un pionnier de cette période. L' école d'art du Bengale s'est développée à cette époque, sous l'impulsion d' Abanidranath Tagore , Gaganendranath Tagore , Jamini Roy , Mukul Dey et Nandalal Bose .
L'une des formes d'art les plus populaires en Inde est le rangoli . Il s'agit d'une technique de décoration par le sable , utilisant de la poudre blanche finement broyée et des couleurs, couramment employée devant les maisons en Inde.
Les arts visuels (sculpture, peinture et architecture) sont étroitement liés aux arts non visuels. Selon Kapila Vatsyayan , « l’architecture, la sculpture, la peinture, la littérature (kaavya), la musique et la danse de l’Inde classique ont développé leurs propres règles, conditionnées par leurs supports respectifs, mais elles partageaient non seulement les croyances spirituelles sous-jacentes de la pensée religieuse et philosophique indienne, mais aussi les procédés par lesquels les relations entre le symbole et les états spirituels étaient élaborées en détail. »
La meilleure façon de comprendre les qualités uniques de l'art indien est d'appréhender la pensée philosophique, la vaste histoire culturelle, ainsi que le contexte social, religieux et politique des œuvres d'art.
Périodes spécifiques :
- L'hindouisme , le jaïnisme et le bouddhisme de la période ancienne (3500 av. J.-C. – aujourd'hui)
- L'ascension islamique (712-1757 ap. J.-C. )
- La période coloniale (1757–1947)
- L'art moderne et postmoderne en Inde
- L'indépendance et la période postcoloniale (après 1947)
L'art népalais
La culture traditionnelle ancienne et raffinée de Katmandou , et plus largement du Népal , est une rencontre ininterrompue et exceptionnelle entre les traditions hindoue et bouddhiste pratiquées par sa population profondément religieuse. Elle a également intégré la diversité culturelle apportée par d'autres religions telles que le jaïnisme , l'islam et le christianisme .
L'art pakistanais
L'art pakistanais possède une longue tradition et une riche histoire. Il englobe diverses formes d'art, notamment la peinture , la sculpture , la calligraphie , la poterie et les arts textiles tels que le tissage de la soie. Géographiquement, il fait partie de l' art du sous-continent indien , incluant le territoire qui constitue aujourd'hui le Pakistan .
l'art d'Asie centrale
L'art en Asie centrale désigne l'art visuel créé par les peuples majoritairement turcophones du Kirghizistan , du Kazakhstan , de l'Ouzbékistan , du Turkménistan , de l'Azerbaïdjan , du Tadjikistan , de la Mongolie , du Tibet , de l'Afghanistan et du Pakistan actuels , ainsi que de certaines régions de Chine et de Russie. Au cours des derniers siècles, l'art de la région a été fortement influencé par l'art islamique . Auparavant, l'art d'Asie centrale était influencé par les arts chinois, grecs et persans, grâce à la diffusion artistique le long de la Route de la Soie . L'art scythe pouvait diffuser ses styles très rapidement sur un vaste territoire.
art populaire nomade
L’art populaire nomade constituait un aspect essentiel de l’art d’Asie centrale, reflétant le mode de vie des groupes nomades qui peuplaient la région. Cet art se caractérise notamment par l’utilisation de pierres semi-précieuses, de courtepointes, de portes sculptées et de tapis brodés.
Art d'Asie occidentale/du Proche-Orient
L'art de la Mésopotamie
l'art islamique
l'art iranien
l'art arabe
L'art d'Israël et la diaspora juive
Galerie d'art en Asie
Vase rituel à vin en bronze de la dynastie Shang (Yin), datant du XIIIe siècle avant J.-C., Chine
L' armée de terre cuite , sculpture du IIIe siècle avant J.-C., Chine
Sculpture de Bouddha debout , ancienne région du Gandhara , nord du Pakistan , Ier siècle de notre ère, Musée Guimet
Bouddha assis , Gandhara , IIe siècle de notre ère
La statue de Bouddha d'Avukana, 5e siècle, Sri Lanka
Boddhisattva de Plaosan , art Shailendra du 9e siècle , Java central, Indonésie.
Statue en or d'Agusan (IXe-Xe siècle), Philippines
Bouteille en porcelaine de la dynastie Song , à glaçure transparente incolore et pigmentée au fer, XIe siècle, Chine
Apsaras d' Angkor Vat , Cambodge du XIIe siècle
Majapahit Terracottapiggybank, 14th century East Java, Indonesia
Budha performing bhūmisparsa mudrā position. Ho Phra Kaeo temple, Vientiane, Laos
Chrysanthemum styled porcelain vase, Ming dynasty, 1368–1644 AD, Chinese
A White-Robed Kannon, Bodhisattva of Compassion,Kanō Motonobu (1476–1559), Japanese
A screen painting depicting people playing Go, Kanō Eitoku (1543–1590), Japanese
Right panel of the Pine Trees screen (松林図 屏風, Shōrin-zu byōbu) by Hasegawa Tōhaku (1539–1610), Japanese
Genji Monogatari,Tosa Mitsuoki, (1617–1691), Japanese
An underworld messenger,Joseon dynasty, Korean
Ivory carving of Christ Child with gold paint (c. 1580–1640), Philippines
After Rain at Mt. Inwang, Cheong Seon (1676–1759), Korean
Hell scene on Kertha Gosa Pavilion, Balinese art, circa 18th century, Indonesia
Virgin Mary ivory head with inlaid glass eyes (18-19th century), Philippines