Worldlex Wiki Les arts visuels regroupent des formes d'art telles que la peinture , le dessin , la gravure , la sculpture , la céramique , la photographie , la vidéo , l' image , le cinéma , le design , l'artisanat et l'architecture . De nombreuses disciplines artistiques, comme les arts du spectacle , l'art conceptuel et les arts textiles , intègrent également des aspects des arts visuels, ainsi que d'autres formes d'art. Au sein des arts visuels, on inclut également les arts appliqués , tels que le design industriel , le design graphique , le design de mode , le design d'intérieur et les arts décoratifs .
L'usage actuel du terme « arts visuels » englobe les beaux-arts ainsi que les arts appliqués, décoratifs et l'artisanat, mais cela n'a pas toujours été le cas. Avant le mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne et ailleurs au tournant du XXe siècle, le terme « artiste » était souvent réservé, depuis plusieurs siècles, à une personne travaillant dans les beaux-arts (comme la peinture, la sculpture ou la gravure), à l'exclusion des arts décoratifs, de l'artisanat ou des arts visuels appliqués. Cette distinction était mise en avant par les artistes du mouvement Arts and Crafts, qui accordaient autant d'importance aux formes d'art vernaculaires qu'aux formes savantes. Les écoles d'art faisaient une distinction entre les beaux-arts et l'artisanat, considérant qu'un artisan ne pouvait être qualifié de praticien des arts .
La tendance croissante à privilégier la peinture, et dans une moindre mesure la sculpture, par rapport aux autres arts, caractérise aussi bien l' art occidental que l'art d'Asie orientale . Dans les deux régions, la peinture a été perçue comme reposant avant tout sur l'imagination de l'artiste et comme étant l'art le plus éloigné du travail manuel ; en peinture chinoise , les styles prisés étaient ceux de la « peinture de lettré », du moins en théorie pratiquée par des amateurs de bonne famille. La hiérarchie des genres en Occident reflétait des conceptions similaires.
d’apprentissage et d’atelier, généralement sur une période de 2 à 6 ans.L'évolution de l'enseignement artistique au fil du temps a suivi des trajectoires régionales différentes. Dans de nombreux pays d'Europe et d'Amérique du Nord, les académies d'art officielles se sont transformées en universités et instituts. Sous l'influence de l'industrialisation , leur priorité s'est déplacée vers les arts appliqués au détriment des beaux-arts . À l'inverse, dans plusieurs pays d'Afrique subsaharienne, l'enseignement artistique a été dépriorisé, voire supprimé des programmes scolaires du primaire, au profit de matières professionnelles ou axées sur les sciences, la technologie, l'ingénierie et les mathématiques (STEM). Les programmes scolaires tendaient à suivre les priorités de l'État ou de la noblesse dans les régions asiatiques, bien que des pays comme Singapour aient modernisé leur approche en investissant dans les arts visuels numériques, considérés comme une composante essentielle de l' économie créative . Au Moyen-Orient, l'enseignement contemporain s'est éloigné des modèles européens du XIXe siècle pour se concentrer sur le tourisme et la préservation du patrimoine culturel .
Les conflits politiques, économiques et sociaux continuent de façonner ce qui est considéré comme l'enseignement artistique dans les écoles de plusieurs régions. Par exemple, les systèmes éducatifs, initialement restreints sous le régime colonial dans plusieurs pays d'Amérique latine, se sont tournés vers l'art contemporain pour promouvoir l'identité nationale. L'enseignement artistique mexicain reflète une histoire de tensions pédagogiques, le système ayant cherché à concilier le patrimoine artistique autochtone et les structures académiques occidentales, ce qui a souvent abouti à un paysage éducatif fragmenté.
Les musées, les galeries d'art et autres institutions culturelles servent d'instruments d'éducation artistique informelle. Grâce à leurs collections et à leur programmation publique, ces institutions offrent un contexte historique et une initiation esthétique qui complètent ou remplacent les programmes scolaires standardisés.
Dessin
Le dessin est un moyen de créer une image , une illustration ou un graphique en deux dimensions à l'aide d'une grande variété d'outils et de techniques, traditionnels et numériques. Il consiste généralement à laisser des marques sur une surface en exerçant une pression avec un outil ou en déplaçant un outil sur une surface, en utilisant des médiums secs tels que les crayons graphite , l'encre , les pinceaux encrés , les crayons de couleur à la cire , les crayons de cire , le fusain , les pastels et les feutres . Des outils numériques, notamment des stylos et des stylets , qui simulent les effets de ces derniers, sont également utilisés. Les principales techniques de dessin sont : le dessin au trait, le hachurage , le hachurage croisé, le hachurage aléatoire, l'ombrage, le gribouillage , le pointillisme et le mélange. Les artistes chinois accordent une grande importance aux Quatre Trésors de l'Étude : le pinceau, l'encre, la pierre à encre et le papier.
Le dessin remonte à des dizaines de milliers d'années et se retrouve dans toutes les cultures du monde. L'art du Paléolithique supérieur comprend des représentations figuratives datant d'au moins 40 000 ans. Les peintures rupestres non figuratives , composées de pochoirs de mains et de formes géométriques simples, sont encore plus anciennes. Des représentations rupestres paléolithiques d'animaux ont été découvertes dans des sites tels que Lascaux (France) , Altamira (Espagne) , Maros (Sulawesi, Asie) et Gabarnmung (Australie).
Dans l'Égypte antique , des tessons de poterie et des fragments de calcaire appelés ostraca étaient utilisés pour les dessins à l'encre. Les dessins sur les vases grecs , initialement géométriques, ont ensuite évolué vers la représentation de la figure humaine avec la céramique à figures noires au VIe siècle avant J.-C. Des traces de dessins et d'images sur des manuscrits en feuilles de palmier en Inde remontent aux Ve et VIe siècles.
Grâce aux marchands islamiques venus de Chine, le dessin sur papier s'est répandu au Moyen-Orient et en Europe au XIVe siècle. Adopté par des artistes européens tels que Raphaël , Michel-Ange et Léonard de Vinci , il a été considéré comme un art à part entière, et non plus comme une étape préparatoire à la peinture ou à la sculpture.
Peinture
Matériels et méthodes
surfaces rocheuses et pigments minéraux
Les plus anciennes traces de peinture consistent en des pigments naturels à base d'ocre , de craie et de charbon de bois, appliqués directement sur des surfaces rocheuses. Les outils servant à la préparation de ces pigments pour la peinture corporelle remontent à environ 200 000 ans dans des régions comme la Zambie, tandis que les peintures rupestres plus formelles , réalisées à l'aide de pinceaux en brindilles, de doigts, de plumes d'oiseaux et de poils d'animaux, datent d'au moins 50 000 ans. Ces premières techniques utilisaient de simples liants, à base d'eau ou de graisse, pour fixer le pigment sur les supports en pierre.
Supports fixes et premiers classeurs
Avec la formalisation des traditions architecturales et céramiques, les techniques picturales s'adaptèrent à de nouveaux supports. En Méditerranée et dans l'Inde ancienne, des traditions régionales développèrent les techniques de fresque et de frise pour décorer les murs en plâtre des tombeaux, des temples et autres édifices. Cette époque vit l'essor de liants tels que la tempera et l'encaustique . La tempera utilise du jaune d'œuf, de la colle animale ou du lait pour fixer les pigments sur des panneaux de bois, des poteries et des manuscrits anciens. L'art de l'encaustique utilise de la cire chaude pour fixer les pigments sur le support. La peinture à l'encre se développa comme une tradition majeure en Asie de l'Est. Elle consistait en l'application d'encre soluble dans l'eau sur des rouleaux suspendus, des rouleaux horizontaux ou des éventails en soie et en papier, intégrant la poésie et une calligraphie soignée.
Le développement de la peinture à l'huile
Pour parvenir à une représentation plus réaliste , les artistes ont progressivement mélangé des pigments aux huiles siccatives, auxquels ils ont ajouté divers additifs modifiant leurs propriétés. Les panneaux de bois ont d'abord été privilégiés comme supports , avant de céder la place à la toile tendue , les artistes recherchant une plus grande portabilité . Le temps de séchage lent de la peinture à l'huile a permis aux peintres de développer les techniques classiques existantes, les enrichissant de jeux d'ombre et de lumière pour créer des tableaux en clair-obscur , suggérant la tridimensionnalité par le jeu d'ombre et de lumière
Industrialisation et matières synthétiques
L'invention au XIXe siècle du chevalet de table et du tube de peinture pliable a permis aux artistes de peindre hors de l'atelier, en pleine nature et dans la vie moderne : c'est ce qu'on appelle la peinture en plein air . Le tube de peinture a également permis aux peintres d'utiliser des couleurs synthétiques, élargissant considérablement leur palette. L'aquarelle , qui désigne à la fois les pigments transparents en solution aqueuse et le tableau fini, était appliquée sur papier. La gouache , un médium similaire mais opaque, est utilisée dans les arts commerciaux . Au XXe siècle, la mise au point de liants acryliques synthétiques a offert une alternative à séchage rapide aux peintures à l'huile, résistante au craquelage et à la décoloration au fil du temps.
Extensions modernes et numériques
Les artistes modernes et contemporains ont encore diversifié les matériaux utilisés en peinture, intégrant à leurs œuvres des supports non traditionnels tels que la peinture industrielle pour bâtiments, des objets trouvés et le collage de journaux. À la fin du XXe et au début du XXIe siècle, l'informatique a introduit la peinture numérique , permettant aux artistes d'utiliser des techniques traditionnelles grâce à des logiciels de manipulation des pixels, s'affranchissant ainsi du recours aux pigments et liants physiques.
gravure
La gravure consiste à créer, à des fins artistiques, une image sur une matrice qui est ensuite transférée sur une surface bidimensionnelle (plane) au moyen d'encre ou d'une autre forme de pigmentation. Sauf dans le cas d'un monotype , la même matrice peut être utilisée pour produire de nombreux exemplaires de l'estampe.
Les principales techniques (ou supports) utilisées sont la gravure sur bois , la gravure au burin , la gravure à l'eau- forte , la lithographie et la sérigraphie [ et il en existe bien d'autres, notamment les techniques numériques . L'image est généralement transférée sur papier ou tissu , mais d'autres supports sont utilisés, allant du tissu et du vélin aux matériaux plus modernes
Histoire européenne
origine et pratique chinoises
Développement au Japon, 1603–1867
L’impression xylographique au Japon (en japonais : 木版画, mokuhanga) est une technique surtout connue pour son utilisation dans le genre artistique ukiyo-e ; cependant, elle était également très largement employée pour l’impression de livres illustrés à la même époque. L’impression xylographique était utilisée en Chine depuis des siècles pour l’impression de livres, bien avant l’invention des caractères mobiles, mais elle ne s’est largement répandue au Japon que durant l’ époque d’Edo (1603-1867). Bien que similaire à la gravure sur bois occidentale à certains égards, le mokuhanga s’en distingue grandement par l’utilisation d’encres à base d’eau (contrairement à la gravure sur bois occidentale, qui utilise des encres à base d’huile), permettant une large gamme de couleurs vives, de glacis et de transparences.
Après le déclin de l'ukiyo-e et l'introduction des techniques d'impression modernes, la xylographie a perduré comme méthode d'impression de textes et de production artistique, tant dans le cadre traditionnel de l'ukiyo-e que sous des formes plus radicales ou occidentales pouvant être considérées comme de l'art moderne . Au début du XXe siècle, le shin-hanga , fusionnant la tradition de l'ukiyo-e et les techniques de la peinture occidentale, a connu un essor important, et les œuvres de Hasui Kawase et Hiroshi Yoshida ont acquis une renommée internationale. Des institutions telles que l'Institut Adachi des estampes et Takezasado continuent de produire des estampes ukiyo-e selon les mêmes matériaux et méthodes qu'autrefois.
Photographie
Le mot vient du grec φῶς ''phos'' (« lumière ») et γραφή ''graphê'' (« dessin » ou « écriture »), signifiant littéralement « dessin avec la lumière ». Traditionnellement, le produit de la photographie est appelé photographie ; le terme « photo » est une abréviation et, bien que beaucoup les appellent « images », le terme « image » a de plus en plus remplacé « photographie », reflétant la capture électronique et le concept plus large de représentation graphique en optique et en informatique.
Architecture
L'architecture est le processus et le produit de la planification , de la conception et de la construction de bâtiments ou de toute autre structure. Les œuvres architecturales, sous leur forme matérielle de bâtiments, sont souvent perçues comme des symboles culturels et des œuvres d'art. Les civilisations historiques sont souvent identifiées à leurs réalisations architecturales qui nous sont parvenues.
Le plus ancien ouvrage écrit sur l'architecture qui nous soit parvenu est le De architectura , du maître romain Vitruve, datant du début du Ier siècle après J.-C. Selon Vitruve, un bon bâtiment doit satisfaire trois principes : firmitas, utilitas, venustas, que l'on peut traduire par solidité, utilité et agrément . On pourrait le traduire ainsi en français moderne :
- Durabilité – un bâtiment doit être robuste et rester en bon état.
- Utilité – il doit être adapté à l’usage auquel il est destiné.
- La beauté doit être esthétiquement plaisante.
La construction est née de la dynamique entre les besoins (abri, sécurité, culte, etc.) et les moyens ( matériaux de construction disponibles et compétences associées). Avec le développement des cultures et la formalisation des connaissances par le biais des traditions et pratiques orales, la construction est devenue un artisanat , et le terme « architecture » désigne les versions les plus formalisées de cet artisanat.
Réalisation
Art numérique
Les artistes visuels ne sont plus limités aux supports traditionnels des arts visuels . L'informatique est utilisée dans les arts visuels depuis les années 1960. Ses applications comprennent la capture ou la création d'images et de formes, l'édition de ces images (y compris l'exploration de compositions multiples ) et le rendu ou l'impression finale (y compris l'impression 3D ).
L’art numérique désigne toute œuvre dans laquelle les ordinateurs jouent un rôle dans la production ou la diffusion. Cet art peut prendre la forme d’une image, d’un son, d’ une animation , d’une vidéo , d’un CD-ROM , d’un DVD , d’un jeu vidéo , d’un site web , d’un algorithme , d’une performance ou d’une installation artistique.
De nombreuses disciplines traditionnelles intègrent désormais les technologies numériques , brouillant ainsi les frontières entre œuvres d'art traditionnelles et œuvres numériques créées par ordinateur. Par exemple, un artiste peut combiner la peinture traditionnelle avec l'art algorithmique et d'autres techniques numériques. De ce fait, définir l'art numérique par son produit final peut s'avérer complexe. Néanmoins, ce type d'art est présent dans les expositions muséales, mais il est davantage perçu comme un outil que comme une forme, à l'instar de la peinture. Par ailleurs, certaines œuvres d'art numériques s'inscrivent dans un nouveau courant conceptuel et post-numérique , prenant pour objet d'étude les mêmes technologies et leur impact social.
L'utilisation de l'ordinateur a estompé les frontières entre illustrateurs , photographes , retoucheurs photo , modélisateurs 3D et artisans. Les logiciels sophistiqués de rendu et de retouche ont permis l'émergence de développeurs d'images polyvalents. Les photographes peuvent devenir des artistes numériques . Les illustrateurs peuvent devenir des animateurs . L'artisanat peut être assisté par ordinateur ou utiliser des images générées par ordinateur comme modèle. L'utilisation d' images clipart a rendu la distinction entre arts visuels et mise en page moins évidente en raison de la facilité d'accès et de modification des images clipart lors de la pagination d'un document.
arts plastiques
Les matériaux qui peuvent être sculptés ou façonnés, tels que la pierre, le bois, le béton ou l'acier, ont également été inclus dans la définition plus restrictive, car, avec des outils appropriés, ces matériaux sont également susceptibles de modulation. Cet usage du terme « plastique » dans les arts diffère de celui de Piet Mondrian et du mouvement qu'il a nommé « néoplasticisme ».
Sculpture
La sculpture est une œuvre d'art tridimensionnelle créée en façonnant ou en combinant des matériaux durs ou plastiques , du son, du texte et/ou de la lumière, généralement de la pierre ( roche ou marbre ), de l'argile , du métal , du verre ou du bois . Certaines sculptures sont créées directement par la recherche ou la taille de matériaux ; d'autres sont assemblées, construites et cuites , soudées , moulées ou coulées . Les sculptures sont souvent peintes . Une personne qui crée des sculptures est appelée un sculpteur.
Les plus anciens exemples incontestés de sculpture appartiennent à la culture aurignacienne , qui s'est développée en Europe et en Asie du Sud-Ouest au début du Paléolithique supérieur . Outre la production de certains des plus anciens exemples d'art rupestre connus , les membres de cette culture ont mis au point des outils en pierre finement travaillés, fabriquant des pendentifs, des bracelets, des perles en ivoire et des flûtes en os, ainsi que des figurines en trois dimensions.
La sculpture, de par l'utilisation de matériaux malléables, est considérée comme un art plastique . La sculpture est l'œuvre d' art publique majoritaire. Un ensemble de sculptures regroupées dans un jardin forme un jardin de sculptures . Les sculpteurs ne travaillent plus toujours à la main. Avec le développement technologique du XXe siècle et la popularité croissante de l'art conceptuel au détriment de la maîtrise technique, de plus en plus de sculpteurs ont eu recours à la fabrication d'œuvres d' art . Dans ce cadre, l'artiste conçoit un dessin et rémunère un fabricant pour sa réalisation. Cela permet aux sculpteurs de créer des sculptures plus grandes et plus complexes à partir de matériaux comme le ciment, le métal et le plastique, qu'ils ne pourraient pas travailler manuellement. La technologie d'impression 3D permet également de réaliser des sculptures .
Les arts visuels comprennent également des œuvres monumentales qui utilisent le paysage naturel comme médium, telles que le land art et les figures de colline . Un exemple notable est le Cheval blanc de Litlington, dans l'East Sussex, en Angleterre. Ce géoglyphe du XXe siècle est une forme de sculpture en relief créée par la méthode « soustractive » consistant à retirer la tourbe pour révéler la craie blanche sous-jacente . Il nécessite un entretien régulier afin de préserver son contraste visuel avec la verdure des collines.
Définition américaine du droit d'auteur en matière d'art visuel
Aux États-Unis, la loi protégeant le droit d’auteur sur une œuvre d’art visuel donne une définition plus restrictive de « l’art visuel ».
Une « œuvre d'art visuel » est : (1) une peinture, un dessin, une estampe ou une sculpture, existant en un seul exemplaire, en édition limitée à 200 exemplaires ou moins, signés et numérotés consécutivement par l'auteur, ou, dans le cas d'une sculpture, en plusieurs sculptures coulées, taillées ou fabriquées, en nombre limité à 200 exemplaires ou moins, numérotées consécutivement par l'auteur et portant sa signature ou autre marque d'identification ; ou (2) une image photographique fixe produite à des fins d'exposition uniquement, existant en un seul exemplaire signé par l'auteur, ou en édition limitée à 200 exemplaires ou moins, signés et numérotés consécutivement par l'auteur. Une œuvre d'art visuel ne comprend pas : (A)(i) les affiches, cartes, globes, graphiques, dessins techniques , diagrammes, maquettes, œuvres d'art appliqué, films ou autres œuvres audiovisuelles, livres, magazines, journaux, périodiques, bases de données, services d'information électroniques, publications électroniques ou publications similaires ; (ii) les articles de marchandisage, les supports publicitaires, promotionnels, descriptifs, d'emballage ou les contenants. (iii) toute partie ou portion d'un élément décrit aux points (i) ou (ii); (B) toute œuvre réalisée dans le cadre d'un contrat de commande ; ou (C) toute œuvre non soumise à la protection du droit d'auteur en vertu du présent titre.