Art

L'art est un ensemble diversifié d' activités culturelles centrées sur des œuvres utilisant des talents créatifs ou imaginatifs , censées susciter une expérience enrichissante, généralement par l'expression d'une puissance émotionnelle, d'idées conceptuelles, d'une maîtrise technique ou de la beauté .

Il n'existe pas de définition généralement acceptée de ce qui constitue l'art [ et son interprétation a considérablement varié au cours de l'histoire et selon les cultures. Dans la tradition occidentale , les trois branches classiques des arts visuels sont la peinture , la sculpture et l'architecture . Le théâtre , la danse et les autres arts du spectacle , ainsi que la littérature , la musique , le cinéma et d'autres médias tels que les médias interactifs , sont inclus dans une définition plus large des « arts » Jusqu'au XVIIe siècle, le terme « art » désignait toute compétence ou maîtrise et n'était pas différencié des métiers ou des sciences . Dans l'usage moderne, après le XVIIe siècle, où les considérations esthétiques sont primordiales, les beaux-arts sont séparés et distingués des compétences acquises en général, telles que les arts décoratifs ou appliqués .

La nature de l'art et les concepts connexes, tels que la créativité et l'interprétation , sont explorés dans une branche de la philosophie connue sous le nom d'esthétique . Les œuvres d'art qui en résultent sont étudiées dans les domaines professionnels de la critique d'art et de l' histoire de l'art .

Dans la perspective de l'histoire de l'art, les œuvres artistiques existent depuis presque aussi longtemps que l'humanité : de l'art préhistorique à l'art contemporain ; cependant, certains théoriciens estiment que le concept classique d'« œuvres artistiques » est mal adapté aux sociétés non occidentales modernes. Une des premières acceptions du terme « art » est étroitement liée à son sens latin ancien, qui se traduit approximativement par « habileté » ou « savoir-faire », comme dans le mot « artisan ». Parmi les mots anglais dérivés de ce sens, on trouve « artifact » , « artificial » , « artifice » , « medical arts » et « military arts » . Il existe cependant de nombreux autres usages courants du mot, tous liés d'une manière ou d'une autre à son étymologie .

Au fil du temps, des philosophes comme Platon , Aristote , Socrate et Emmanuel Kant , entre autres, se sont interrogés sur le sens de l'art. Plusieurs dialogues de Platon abordent des questions relatives à l'art, tandis que Socrate affirme que la poésie est inspirée par les Muses et n'est pas rationnelle. Il en parle avec approbation, ainsi que d'autres formes de folie divine (l'ivresse, l'érotisme et le rêve) dans le Phèdre (265a-c), et pourtant, dans la République , il souhaite interdire le grand art poétique d' Homère , et le rire également. Dans l'Ion , Socrate ne laisse rien transparaître de la désapprobation d'Homère qu'il exprime dans la République . Le dialogue Ion suggère que l'Iliade d'Homère remplissait dans le monde grec antique la même fonction que la Bible aujourd'hui dans le monde chrétien moderne : celle d'une œuvre littéraire d'inspiration divine pouvant fournir un guide moral, pourvu qu'elle soit correctement interprétée.

Concernant les arts littéraires et musicaux, Aristote considérait l'épopée , la tragédie, la comédie, la poésie dithyrambique et la musique comme des arts mimétiques ou imitatifs, chacun variant dans son imitation par le support, l'objet et le mode d'expression. Par exemple, la musique imite par le rythme et l'harmonie, tandis que la danse imite par le rythme seul et la poésie par le langage. Ces formes diffèrent également par leur objet d'imitation. La comédie, par exemple, est une imitation dramatique d'hommes inférieurs à la moyenne, tandis que la tragédie imite des hommes légèrement supérieurs à la moyenne. Enfin, ces formes diffèrent par leur mode d'imitation : par le récit ou par les personnages, par le changement ou l'absence de changement, et par le drame ou l'absence de drame. Aristote pensait que l'imitation est naturelle à l'homme et constitue l'un de ses avantages sur les animaux.

Le sens plus récent et spécifique du mot art comme abréviation d' art créatif ou de beaux-arts est apparu au début du 17e siècle. Les beaux-arts font référence à une compétence utilisée pour exprimer la créativité de l'artiste, ou pour engager la sensibilité esthétique du public, ou pour amener le public à considérer des œuvres d'art plus raffinées ou plus fines .

Dans ce dernier sens, le mot art peut désigner plusieurs choses : (i) l’étude d’une compétence créative, (ii) le processus d’utilisation de cette compétence, (iii) le produit de cette compétence, ou (iv) l’expérience du public face à cette compétence. Les arts créatifs ( l’art en tant que discipline) regroupent des disciplines qui produisent des œuvres ( l’art en tant qu’objets) animées par une motivation personnelle (l’art en tant qu’activité) et qui transmettent un message, une ambiance ou un symbolisme que le spectateur est invité à interpréter (l’art en tant qu’expérience). L’art stimule les pensées, les émotions, les croyances ou les idées d’un individu par le biais des sens. Les œuvres d’art peuvent être explicitement créées à cette fin ou interprétées à partir d’images ou d’objets. Pour certains penseurs, comme Kant, on peut distinguer les sciences et les arts en considérant les sciences comme le domaine de la connaissance et les arts comme le domaine de la liberté d’expression artistique.

Souvent, lorsqu'une compétence est utilisée de manière courante ou pratique, on la considère comme un artisanat plutôt que comme un art. De même, si elle est utilisée à des fins commerciales ou industrielles, on la qualifie d' art commercial plutôt que de beaux-arts. Par ailleurs, l'artisanat et le design sont parfois considérés comme des arts appliqués . Certains amateurs d'art ont avancé que la différence entre beaux-arts et arts appliqués relève davantage des jugements de valeur portés sur l'œuvre que d'une distinction définitionnelle claire. Cependant, même les beaux-arts poursuivent souvent des objectifs qui dépassent la simple créativité et l'expression de soi. Les œuvres d'art peuvent avoir pour but de communiquer des idées, comme dans le cas de l'art à motivation politique, spirituelle ou philosophique ; de créer un sentiment de beauté (voir esthétique ) ; d'explorer la nature de la perception ; de procurer du plaisir ; ou de susciter des émotions fortes . Il se peut aussi que leur finalité soit apparemment inexistante.

La nature de l'art a été décrite par le philosophe Richard Wollheim comme « l'un des problèmes traditionnels les plus insaisissables de la culture humaine » . L'art a été défini comme un véhicule d'expression ou de communication des émotions et des idées, un moyen d'explorer et d'apprécier les éléments formels pour eux-mêmes, et comme une forme de mimésis ou de représentation . L'art comme mimésis trouve ses racines dans la philosophie d'Aristote . Léon Tolstoï identifiait l'art comme un usage de moyens indirects pour communiquer d'une personne à une autre . Benedetto Croce et R.G. Collingwood ont défendu l' idée idéaliste que l'art exprime des émotions et que l'œuvre d'art existe donc essentiellement dans l'esprit de son créateur La théorie de l'art comme forme trouve ses racines dans la philosophie de Kant et a été développée au début du XXe siècle par Roger Fry et Clive Bell . Plus récemment, des penseurs influencés par Martin Heidegger ont interprété l'art comme le moyen par lequel une communauté se forge un médium d'expression et d'interprétation de soi. George Dickie a proposé une théorie institutionnelle de l'art qui définit une œuvre d'art comme tout artefact auquel une ou plusieurs personnes qualifiées, agissant au nom de l'institution sociale communément appelée « le monde de l'art », ont conféré « le statut de candidat à l'appréciation ». Larry Shiner a décrit les beaux-arts comme « non pas une essence ou une fatalité, mais quelque chose que nous avons créé. L'art, tel que nous l'avons généralement compris, est une invention européenne vieille d'à peine deux siècles. »

L’art peut être caractérisé en termes de mimésis (sa représentation de la réalité), de narration (l’art de raconter des histoires), d’expression, de communication des émotions ou d’autres qualités. Durant la période romantique , l’art fut considéré comme « une faculté particulière de l’esprit humain, à classer au même titre que la religion et la science »

Une coquille gravée par Homo erectus a été datée entre 430 000 et 540 000 ans. Un ensemble de huit serres d’aigle à queue blanche, vieilles de 130 000 ans, porte des marques de découpe et d’abrasion indiquant une manipulation par les Néandertaliens, peut-être pour en faire des bijoux. Une série de minuscules coquilles d’escargots percées, vieilles d’environ 75 000 ans, ont été découvertes dans une grotte d’Afrique du Sud. Des récipients ayant probablement servi à contenir des peintures ont été mis au jour et datent d’il y a 100 000 ans.

La plus ancienne œuvre d'art découverte en Europe est le Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , datant de 51 000 ans et réalisée par les Néandertaliens.

Des sculptures, des peintures rupestres , des peintures sur roche et des pétroglyphes du Paléolithique supérieur datant d'environ 40 000 ans ont été découverts, mais la signification précise de cet art est souvent contestée car on sait très peu de choses sur les cultures qui les ont produits.

Les premières sculptures incontestées et autres œuvres d'art similaires, comme la Vénus de Hohle Fels , sont les nombreux objets découverts sur le site du patrimoine mondial de l'UNESCO des grottes et de l'art de l'âge glaciaire du Jura souabe . C'est là que les plus anciennes œuvres d'art non statiques jamais découvertes ont été mises au jour, sous forme de figurines sculptées d'animaux et d'humanoïdes, ainsi que les plus anciens instruments de musique exhumés à ce jour. Ces artefacts datent de 43 000 à 35 000 av. J.-C., faisant de ce site le premier centre de l'art humain.

De nombreuses grandes traditions artistiques trouvent leur origine dans l'art des grandes civilisations antiques : l'Égypte ancienne , la Mésopotamie , la Perse , l'Inde, la Chine, la Grèce antique, Rome, ainsi que les civilisations inca , maya et olmèque . Chacun de ces centres de civilisation a développé un style artistique unique et caractéristique. Du fait de l'étendue et de la durée de ces civilisations, un plus grand nombre de leurs œuvres d'art ont survécu et leur influence s'est largement diffusée à d'autres cultures et à des époques ultérieures. Certaines ont également fourni les premiers témoignages sur les techniques artistiques. Par exemple, cette période de l'art grec a vu une vénération de la forme humaine et le développement de compétences équivalentes permettant de représenter la musculature, l'équilibre, la beauté et des proportions anatomiquement correctes.

Dans l'art byzantin et médiéval du Moyen Âge occidental, une grande partie des œuvres s'attachait à exprimer des sujets liés à la culture biblique et religieuse, et employait des styles illustrant la splendeur du monde céleste, comme l'utilisation de l'or en arrière-plan des tableaux ou du verre dans les mosaïques et les vitraux, qui présentaient également des figures aux formes idéalisées et stylisées. Néanmoins, une tradition réaliste classique persistait dans les petites œuvres byzantines, et le réalisme se développait progressivement dans l'art de l' Europe catholique .

L'art de la Renaissance a mis l'accent de manière beaucoup plus marquée sur la représentation réaliste du monde matériel et de la place de l'homme dans celui-ci, reflétée dans la corporéité du corps humain et le développement d'une méthode systématique de perspective graphique pour représenter la récession dans un espace pictural tridimensionnel.

À l'est, le rejet de l'iconographie par l'art islamique a conduit à une prédominance des motifs géométriques , de la calligraphie et de l'architecture . Plus à l'est encore, la religion a également influencé les styles et les formes artistiques. En Inde et au Tibet, la sculpture peinte et la danse ont été particulièrement mises en valeur, tandis que la peinture religieuse empruntait de nombreuses conventions à la sculpture et privilégiait les couleurs vives et contrastées, avec une emphase sur les contours. La Chine a vu s'épanouir de nombreuses formes d'art : la sculpture sur jade, le travail du bronze, la céramique (dont la remarquable armée de terre cuite de l'empereur Qin ), la poésie, la calligraphie, la musique, la peinture, le théâtre, la fiction, etc. Les styles chinois varient considérablement d'une époque à l'autre et chacun porte traditionnellement le nom de la dynastie régnante. Ainsi, par exemple, les peintures de la dynastie Tang sont monochromes et épurées, privilégiant les paysages idéalisés, tandis que celles de la dynastie Ming sont foisonnantes et colorées, et s'attachent à raconter des histoires à travers le décor et la composition. Le Japon nomme également ses styles d'après les dynasties impériales et a lui aussi connu une forte interaction entre les styles de calligraphie et de peinture. L'impression sur bois est devenue importante au Japon après le XVIIe siècle.

Au XVIIIe siècle, le Siècle des Lumières occidental a vu émerger des représentations artistiques des certitudes physiques et rationnelles de l' univers mécanique , ainsi que des visions politiquement révolutionnaires d'un monde post-monarchiste, comme la représentation de Newton en géomètre divin par Blake ou les peintures propagandistes de David . Ceci a conduit au rejet de ces conceptions par les romantiques , qui ont privilégié les représentations de la dimension émotionnelle et de l'individualité humaine, illustrées par les romans de Goethe . La fin du XIXe siècle a ensuite vu l'émergence de nombreux mouvements artistiques , tels que l'art académique , le symbolisme , l'impressionnisme et le fauvisme, entre autres

L'histoire de l'art du XXe siècle est celle d'une infinité de possibilités et d'une quête permanente de nouvelles normes, chacune étant successivement remise en question par la suivante. Ainsi, les paramètres de l'impressionnisme , de l' expressionnisme , du fauvisme , du cubisme , du dadaïsme , du surréalisme , etc., ne peuvent se maintenir longtemps après leur apparition. L'intensification des échanges internationaux à cette époque a permis aux autres cultures d'influencer l'art occidental. Ainsi, les estampes japonaises (elles-mêmes influencées par le dessin de la Renaissance occidentale) ont exercé une influence considérable sur l'impressionnisme et son développement ultérieur. Plus tard, Picasso et, dans une moindre mesure, Matisse se sont inspirés de la sculpture africaine . De même, aux XIXe et XXe siècles, l'Occident a profondément marqué l'art oriental, notamment grâce à des idées initialement occidentales comme le communisme et le postmodernisme .

Le modernisme , cette quête idéaliste de la vérité, a cédé la place, dans la seconde moitié du XXe siècle, à la prise de conscience de son inaccessibilité. Theodor W. Adorno affirmait en 1970 : « On considère désormais comme acquis que plus rien en matière d’art ne peut être tenu pour acquis : ni l’art lui-même, ni l’art dans son rapport à l’ensemble, ni même le droit de l’art à exister. » Le relativisme s’est imposé comme une vérité incontournable, donnant naissance à l’ art contemporain et à la critique postmoderne , où les cultures du monde et de l’histoire sont perçues comme des formes changeantes, qu’il convient d’appréhender et d’explorer avec scepticisme et ironie. Par ailleurs, la frontière entre les cultures s’estompe et certains estiment qu’il est désormais plus pertinent de raisonner en termes de culture globale plutôt que régionale.

Dans L'Origine de l'œuvre d'art , Martin Heidegger, philosophe allemand et penseur majeur, décrit l'essence de l'art à travers les concepts d'être et de vérité. Il soutient que l'art n'est pas seulement un moyen d'exprimer la vérité au sein d'une culture, mais aussi le moyen de la créer et de fournir un tremplin permettant de révéler « ce qui est ». Les œuvres d'art ne sont pas de simples représentations de la réalité, mais contribuent à la construction d'une compréhension partagée par une communauté. Chaque fois qu'une nouvelle œuvre d'art s'intègre à une culture, le sens même de l'existence s'en trouve fondamentalement modifié.

Historiquement, l'art, les savoir-faire et les idées artistiques se sont souvent diffusés par le biais du commerce. La Route de la Soie en est un exemple , où se sont mêlées les influences hellénistiques, iraniennes, indiennes et chinoises. L'art gréco-bouddhiste est l'un des exemples les plus frappants de cette interaction. La rencontre de différentes cultures et visions du monde a également influencé la création artistique. On peut citer en exemple la métropole portuaire multiculturelle de Trieste au début du XXe siècle, où James Joyce a rencontré des écrivains d'Europe centrale, ainsi que le développement artistique de New York, véritable creuset culturel.

Les arts créatifs sont souvent divisés en catégories plus spécifiques, généralement selon des critères perceptuellement distincts tels que les supports , les genres, les styles et les formes. La forme artistique désigne les éléments d'une œuvre d'art indépendants de son interprétation ou de sa signification. Elle englobe les méthodes employées par l'artiste et la composition physique de l'œuvre, principalement ses aspects non sémantiques (c'est-à-dire les figures ), tels que la couleur , le contour , la dimension , le support, la mélodie , l'espace , la texture et la valeur . La forme peut également inclure des principes de composition , tels que l'agencement, l'équilibre , le contraste , l'accentuation , l'harmonie , la proportion , la proximité et le rythme.

De manière générale, on distingue trois écoles de philosophie de l'art, qui s'intéressent respectivement à la forme, au contenu et au contexte. Le formalisme extrême soutient que toutes les propriétés esthétiques de l'art sont formelles (c'est-à-dire inhérentes à la forme artistique). La quasi-totalité des philosophes rejettent cette conception et affirment que les propriétés et l'esthétique de l'art dépassent le cadre des matériaux, des techniques et de la forme. Malheureusement, il existe peu de consensus sur la terminologie désignant ces propriétés informelles. Certains auteurs parlent de sujet et de contenu – c'est-à-dire de dénotation et de connotation – tandis que d'autres privilégient des termes comme signification et importance.

L'intentionnalisme extrême soutient que l'intention de l'auteur joue un rôle déterminant dans la signification d'une œuvre d'art, en véhiculant le contenu ou l'idée principale essentielle, tandis que toutes les autres interprétations peuvent être écartées. Il définit le sujet comme la personne ou l'idée représentée, et le contenu comme l'expérience qu'a l'artiste de ce sujet. Par exemple, la composition représentant Napoléon Ier sur son trône impérial est en partie inspirée de la statue de Zeus à Olympie . Comme l'indique le titre, le sujet est Napoléon , et le contenu est la représentation qu'en fait Ingres comme « Empereur-Dieu au-delà du temps et de l'espace ». À l'instar du formalisme extrême, les philosophes rejettent généralement l'intentionnalisme extrême, car l'art peut revêtir de multiples significations ambiguës et l'intention de l'auteur peut être inconnaissable et donc sans pertinence. Son interprétation restrictive est « socialement malsaine, philosophiquement irréaliste et politiquement imprudente ».

Enfin, la théorie post-structuraliste en plein essor étudie la signification de l'art dans un contexte culturel, notamment les idées, les émotions et les réactions qu'il suscite. Le contexte culturel se réduit souvent aux techniques et aux intentions de l'artiste, auquel cas l'analyse suit une approche similaire au formalisme et à l'intentionnalisme. Cependant, dans d'autres cas, des conditions historiques et matérielles peuvent prédominer, telles que les convictions religieuses et philosophiques, les structures sociopolitiques et économiques, voire le climat et la géographie. La critique d'art continue de se développer parallèlement à l'art lui-même.

L’art peut évoquer une habileté acquise ou une maîtrise d’un médium . Il peut également désigner l’utilisation élaborée et efficace d’un langage pour transmettre un sens avec immédiateté ou profondeur. L’art peut être défini comme un acte d’expression de sentiments, de pensées et d’observations.

La manipulation de la matière permet d'acquérir une compréhension qui facilite la réflexion. On considère généralement que l' épithète « art » , notamment dans son acception la plus élevée, requiert de l'artiste un certain niveau d'expertise créative, qu'il s'agisse de démonstration de maîtrise technique, d'originalité stylistique, ou d'une combinaison des deux. Traditionnellement, la maîtrise de l'exécution était perçue comme une qualité indissociable de l'art et donc nécessaire à son succès ; pour Léonard de Vinci , l'art, au même titre que ses autres activités, était une manifestation de son talent. L'œuvre de Rembrandt , aujourd'hui louée pour ses vertus éphémères, était surtout admirée par ses contemporains pour sa virtuosité. Au tournant du XXe siècle, les performances adroites de John Singer Sargent étaient tour à tour admirées et considérées avec scepticisme en raison de leur aisance manuelle, pourtant, presque au même moment, l'artiste qui allait devenir l'iconoclaste le plus reconnu et le plus itinérant de l'époque, Pablo Picasso , achevait une formation académique traditionnelle dans laquelle il excellait.

Une critique contemporaine fréquente de certains actes d'art moderne porte sur le manque apparent de compétences ou de savoir-faire requis pour la production de l'œuvre. Dans l'art conceptuel, la Fontaine de Marcel Duchamp figure parmi les premiers exemples d'œuvres où l'artiste a utilisé des objets trouvés (« ready-made ») sans recourir aux techniques artistiques traditionnelles. My Bed de Tracey Emin et The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living de Damien Hirst s'inscrivent dans cette lignée. Emin a dormi (et s'est adonnée à d'autres activités) dans son lit avant d'exposer le résultat dans une galerie comme œuvre d'art. Hirst a conçu le concept de l'œuvre, mais a laissé la majeure partie de sa réalisation à des artisans. La notoriété de Hirst repose entièrement sur sa capacité à produire des concepts provocateurs. La production proprement dite de nombreuses œuvres d'art conceptuel et contemporain consiste en un assemblage d'objets trouvés. Cependant, de nombreux artistes modernistes et contemporains continuent d'exceller dans le dessin et la peinture, et de créer des œuvres d'art de manière manuelle .

L’art a rempli de nombreuses fonctions différentes au cours de son histoire, ce qui rend sa finalité difficile à abstraire ou à quantifier en un seul concept. Cela ne signifie pas que la finalité de l’art soit « vague », mais qu’elle ait été motivée par de multiples raisons, uniques et diverses. Certaines de ces fonctions sont présentées ci-après. Les différentes finalités de l’art peuvent être regroupées en deux catégories : celles qui sont non motivées et celles qui sont motivées ( Lévi-Strauss ).

Les finalités non motivées de l'art sont celles qui sont intrinsèquement liées à l'être humain, qui transcendent l'individu ou qui ne répondent à aucun but extérieur précis. En ce sens, l'art, en tant que créativité, est une activité inhérente à la nature humaine (aucune autre espèce ne crée d'art) et se situe donc au-delà de toute utilité.

1. L'instinct humain fondamental pour l'harmonie, l'équilibre et le rythme . L'art, à ce niveau, n'est ni une action ni un objet, mais une appréciation intérieure de l'équilibre et de l'harmonie (la beauté), et donc un aspect de l'être humain qui transcende l'utilité.

   L’imitation est donc un instinct de notre nature. Vient ensuite l’instinct d’harmonie et de rythme, les mètres étant manifestement des sections rythmiques. Les individus, partant de ce don naturel, développaient par degrés leurs aptitudes particulières, jusqu’à ce que leurs improvisations rudimentaires donnent naissance à la poésie. – Aristote

2. L'expérience du mystère. L'art offre un moyen de se percevoir en relation avec l'univers. Cette expérience peut souvent survenir spontanément, par exemple lorsqu'on apprécie l'art, la musique ou la poésie.

   La plus belle chose que nous puissions expérimenter est le mystère. Il est la source de tout art et de toute science véritables. – Albert Einstein

3. L'art est l'expression de l'imagination. Il permet d'exprimer son imagination de manière non grammaticale, affranchie des contraintes du langage parlé ou écrit. Contrairement aux mots, qui s'organisent en séquences et possèdent chacun une signification précise, l'art offre une gamme de formes, de symboles et d'idées dont le sens est malléable.

   L’aigle de Jupiter [comme exemple d’art] n’est pas, à l’instar des attributs logiques (esthétiques) d’un objet, le concept de la sublimité et de la majesté de la création, mais plutôt autre chose – quelque chose qui incite l’imagination à déployer son envol sur une multitude de représentations apparentées, suscitant une réflexion plus profonde que ne le permet l’expression d’un concept déterminé par les mots. Elles fournissent une idée esthétique, qui sert à l’idée rationnelle susmentionnée de substitut à la présentation logique, mais avec la fonction propre d’animer l’esprit en lui ouvrant la perspective d’un champ de représentations apparentées s’étendant au-delà de sa connaissance. – Emmanuel Kant

4. Fonctions rituelles et symboliques. Dans de nombreuses cultures, l'art est utilisé dans les rituels, les spectacles et les danses comme ornement ou symbole. Bien que ces pratiques n'aient souvent pas de finalité utilitaire précise, les anthropologues savent qu'elles remplissent fréquemment une fonction sémantique au sein d'une culture donnée. Cette signification n'est pas l'œuvre d'un seul individu, mais résulte souvent de nombreuses générations d'évolution et d'une relation cosmologique propre à la culture.

   La plupart des chercheurs qui étudient les peintures rupestres ou les objets provenant de contextes préhistoriques qui ne peuvent être expliqués en termes utilitaires et qui sont donc classés comme décoratifs, rituels ou symboliques, sont conscients du piège que représente le terme « art ». – Silva Tomaskova

Les finalités motivées de l'art renvoient aux actions intentionnelles et conscientes de l'artiste ou du créateur. Il peut s'agir de susciter un changement politique, de commenter un aspect de la société, de transmettre une émotion ou une humeur particulière, d'aborder la psychologie personnelle, d'illustrer une autre discipline, de vendre un produit (dans le cas des arts commerciaux) ou de servir de forme de communication.

1. Communication. L'art, dans sa forme la plus simple, est une forme de communication. La plupart des formes de communication ayant une intention ou un but dirigé vers autrui, il s'agit d'une finalité motivée. Les arts illustratifs, tels que l'illustration scientifique, sont une forme d'art en tant que communication. Les cartes en sont un autre exemple. Cependant, le contenu n'a pas besoin d'être scientifique. Les émotions, les humeurs et les sentiments sont également communiqués par l'art.

   [L'art est un ensemble d'] artefacts ou d'images ayant une signification symbolique comme moyen de communication. – Steve Mithen

2. L’art comme divertissement . L’art peut chercher à susciter une émotion ou une humeur particulière, dans le but de détendre ou de divertir le spectateur. C’est souvent la fonction des industries artistiques du cinéma et des jeux vidéo.
3. L'avant-garde. L'art au service du changement politique. L'une des fonctions essentielles de l'art du début du XXe siècle a été d'utiliser l'image pour susciter un changement politique. Les mouvements artistiques qui poursuivaient cet objectif — le dadaïsme , le surréalisme , le constructivisme russe et l'expressionnisme abstrait , entre autres — sont collectivement désignés sous le terme d' avant-garde .

   En revanche, l’attitude réaliste, inspirée par le positivisme, de saint Thomas d’Aquin à Anatole France, me paraît clairement hostile à tout progrès intellectuel ou moral. Je la déteste, car elle est faite de médiocrité, de haine et d’une vaine prétention. C’est cette attitude qui engendre aujourd’hui ces livres ridicules, ces pièces insultantes. Elle se nourrit sans cesse des journaux et y puise sa force, et elle stérilise la science et l’art en flattant assidûment les goûts les plus vils ; une clarté frôlant la stupidité, une vie de chien. – André Breton (Le Surréalisme)

4. L’art comme « zone de liberté » , à l’abri de la censure sociale. Contrairement aux mouvements d’avant-garde, qui visaient à effacer les différences culturelles pour produire de nouvelles valeurs universelles, l’art contemporain a renforcé sa tolérance envers ces différences ainsi que ses fonctions critiques et libératrices (enquête sociale, activisme, subversion, déconstruction, etc.), devenant un espace plus ouvert à la recherche et à l’expérimentation.
5. L'art au service de la contestation sociale, de la subversion ou de l'anarchie. Proche de l'art engagé, l'art subversif ou déconstructiviste peut chercher à interroger certains aspects de la société sans but politique précis. Dans ce cas, l'art peut servir à critiquer un aspect de la société. Le graffiti et autres formes d' art urbain sont des graphismes et des images peints à la bombe ou au pochoir sur des murs, des bâtiments, des bus, des trains et des ponts accessibles au public, généralement sans autorisation. Certaines formes d'art, comme le graffiti, peuvent être illégales lorsqu'elles contreviennent à la loi (il s'agit alors de vandalisme).
6. L’art au service des causes sociales. L’art peut être utilisé pour sensibiliser le public à une grande variété de causes. De nombreuses activités artistiques visaient à sensibiliser le public à l’ autisme [ , au cancer à la traite êtres humains et à divers autres sujets, tels que la protection des océans , les droits humains au Darfour [ , les femmes autochtones assassinées et disparues [93], personnes âgées et la pollution [95]. » , qui consiste à créer des vêtements à partir de déchets, pratiqué par des artistes comme Marina DeBris, un exemple d’utilisation de l’art pour sensibiliser à la pollution.
7. L’art à des fins psychologiques et thérapeutiques. Les art-thérapeutes, les psychothérapeutes et les psychologues cliniciens utilisent également l’art-thérapie . La série de dessins diagnostiques , par exemple, sert à déterminer la personnalité et le fonctionnement émotionnel d’un patient. L’objectif principal n’est pas le résultat final, mais plutôt un processus de guérison par la création artistique. L’œuvre qui en résulte peut aussi éclairer les difficultés rencontrées par le sujet et suggérer des pistes de réflexion pour des thérapies psychiatriques plus conventionnelles.
8. L’art à des fins de propagande ou de commercialisation. L’art est souvent utilisé comme forme de propagande et peut ainsi influencer subtilement les conceptions ou l’humeur du public. De même, l’art destiné à vendre un produit influence également l’humeur et les émotions. Dans les deux cas, le but de l’art est de manipuler subtilement le spectateur afin de susciter une réaction émotionnelle ou psychologique particulière face à une idée ou un objet donné.
9. L'art comme indicateur de réussite. Il a été avancé que les capacités du cerveau humain dépassent largement celles nécessaires à la survie dans l'environnement ancestral. Une explication issue de la psychologie évolutionniste est que le cerveau humain et les traits qui y sont associés (tels que les aptitudes artistiques et la créativité) sont l'équivalent humain de la queue du paon . On a soutenu que la queue extravagante du paon mâle avait pour but d'attirer les femelles (voir aussi le principe de l'emprise fisherienne et le principe du handicap ). Selon cette théorie, une maîtrise artistique supérieure était importante d'un point de vue évolutif car elle permettait d'attirer des partenaires.

Les fonctions de l'art décrites ci-dessus ne sont pas mutuellement exclusives, car nombre d'entre elles peuvent se recouper. Par exemple, l'art à vocation de divertissement peut également viser à vendre un produit, comme un film ou un jeu vidéo.

L’art peut être divisé en un nombre quelconque d’étapes, selon les arguments avancés. Cette section divise le processus créatif en trois grandes étapes, mais il n’existe pas de consensus sur un nombre exact.

Dans un premier temps, l'artiste conçoit l'œuvre dans son esprit. En imaginant à quoi elle ressemblera, il entame le processus de sa création. La préparation de l'œuvre peut impliquer l'étude et la recherche du sujet. L'inspiration artistique est l'un des principaux moteurs de l'art et peut être considérée comme puisant sa source dans l'instinct, les impressions et les sentiments.

Dans un second temps, l'artiste réalise son œuvre. La création d'une œuvre peut être influencée par des facteurs tels que l'humeur , l'environnement et l'état mental de l'artiste . Par exemple, les Peintures noires de Francisco de Goya , créées à la fin de sa vie, sont considérées comme si sombres en raison de son isolement et de son expérience de la guerre. Il les a peintes directement sur les murs de son appartement en Espagne et, très probablement, ne les a jamais partagées avec qui que ce soit. Les Beatles ont déclaré que des drogues comme le LSD et le cannabis avaient influencé certains de leurs plus grands succès, comme Revolver . L'expérimentation est considérée comme une partie intégrante du processus de création.

La dernière étape est l'appréciation artistique , qui comprend la critique. Dans une étude, plus de la moitié des étudiants en arts visuels ont convenu que la réflexion est une étape essentielle du processus artistique. Selon des revues pédagogiques, la réflexion sur l'art est considérée comme une composante essentielle de l'expérience. Cependant, un aspect important de l'art est que d'autres peuvent également le voir et l'apprécier. Si beaucoup s'intéressent à savoir si les spectateurs, les auditeurs, etc., considèrent l'œuvre comme bonne ou réussie, l'art possède une valeur profonde qui dépasse son succès commercial, en tant que vecteur d'information et de bien-être pour la société. Le plaisir artistique peut susciter un large éventail d'émotions grâce à la beauté . Certaines œuvres d'art sont conçues pour être pratiques, leur analyse étant approfondie, afin de stimuler le débat.

Depuis l'Antiquité, une grande partie des œuvres d'art les plus raffinées a représenté une démonstration délibérée de richesse ou de pouvoir, souvent obtenue par l'utilisation d'œuvres monumentales et de matériaux coûteux. De nombreuses œuvres ont été commandées par des dirigeants politiques ou des institutions religieuses, les versions plus modestes étant réservées aux plus riches de la société.

Néanmoins, à de nombreuses époques, l'art de très grande qualité était accessible à une large partie de la société, notamment grâce à des supports bon marché comme la poterie, qui se conserve dans le sol, et des supports périssables comme les textiles et le bois. Dans de nombreuses cultures, les céramiques des peuples autochtones des Amériques sont retrouvées dans une grande variété de tombes, ce qui indique clairement qu'elles n'étaient pas réservées à une élite sociale , contrairement à d'autres formes d'art. Les techniques de reproduction telles que les moules ont facilité la production en série et ont permis de diffuser largement la poterie romaine antique de grande qualité et les figurines grecques de Tanagra . Les sceaux-cylindres, à la fois artistiques et pratiques, étaient très répandus parmi ce que l'on peut appeler la classe moyenne du Proche-Orient ancien . Avec la généralisation de la monnaie , celle-ci est également devenue une forme d'art qui a touché la plus grande partie de la société

Une autre innovation importante survint au XVe siècle en Europe, avec l'apparition de la gravure sur bois , principalement à sujet religieux. Ces gravures, souvent de très petite taille et coloriées à la main, étaient abordables même pour les paysans qui les collaient aux murs de leurs maisons. Les livres imprimés étaient initialement très chers, mais leur prix baissa progressivement jusqu'à ce qu'au XIXe siècle, même les plus pauvres puissent s'en procurer avec des illustrations. Depuis des siècles, des estampes populaires de toutes sortes ornent les maisons et autres lieux.

En 1661, la ville de Bâle , en Suisse , inaugura le premier musée d'art public au monde, le Kunstmuseum Basel . Aujourd'hui, sa collection se distingue par une impressionnante étendue historique, du début du XVe siècle à nos jours. La diversité de ses thématiques lui confère une renommée internationale et en fait l'un des musées les plus importants du genre. Celles-ci comprennent : des peintures et des dessins d'artistes actifs dans la région du Haut-Rhin entre 1400 et 1600, ainsi que des œuvres d'art des XIXe et XXIe siècles.

Les édifices et monuments publics , laïques et religieux, s'adressent par nature à l'ensemble de la société et aux visiteurs, et la présentation au public a longtemps constitué un facteur important dans leur conception. Les temples égyptiens en sont un exemple typique : les décorations les plus vastes et les plus somptueuses étaient placées sur les parties visibles du public, et non dans les zones réservées aux prêtres. De nombreuses parties des palais royaux, des châteaux et des demeures de l'élite étaient souvent accessibles au public, et une grande partie des collections d'art de ces personnes pouvait être admirée, soit par tous, soit par ceux qui pouvaient s'acquitter d'une somme modique, soit par ceux qui portaient la tenue appropriée, indépendamment de leur statut social. Au château de Versailles , par exemple, il était possible de louer dans les boutiques extérieures les accessoires nécessaires (boucles de chaussures en argent et épée).

Des dispositions spéciales furent prises pour permettre au public de découvrir de nombreuses collections royales ou privées exposées dans des galeries, comme la Collection d'Orléans, principalement conservée dans une aile du Palais-Royal à Paris et ouverte au public pendant la majeure partie du XVIIIe siècle. En Italie, le tourisme artistique du Grand Tour devint une activité économique majeure à partir de la Renaissance, et les gouvernements et les villes s'efforcèrent de rendre leurs œuvres majeures accessibles. La Collection royale britannique demeure distincte, mais d'importants dons, tels que l' ancienne Bibliothèque royale, furent transférés au British Museum , fondé en 1753. La Galerie des Offices à Florence ouvrit ses portes entièrement en tant que galerie en 1765, bien que cette fonction ait progressivement pris le pas sur les bureaux des fonctionnaires d'origine depuis longtemps. Le bâtiment aujourd'hui occupé par le Prado à Madrid fut construit avant la Révolution française pour l'exposition publique d'une partie de la collection royale d'art, et des galeries royales similaires, ouvertes au public, existaient à Vienne , Munich et dans d'autres capitales. L'ouverture du musée du Louvre pendant la Révolution française (en 1793) en tant que musée public pour une grande partie de l'ancienne collection royale française a certainement marqué une étape importante dans le développement de l'accès du public à l'art, transférant la propriété à un État républicain, mais s'inscrivait dans la continuité de tendances déjà bien établies.

La plupart des musées publics modernes et des programmes d'éducation artistique destinés aux enfants dans les écoles trouvent leur origine dans cette volonté de rendre l'art accessible à tous. Cependant, les musées ne se contentent pas d'offrir un accès à l'art ; ils influencent également la perception qu'en a le public, comme l'ont démontré plusieurs études. Ainsi, le musée n'est pas seulement un lieu d'exposition, mais joue un rôle actif et essentiel dans la perception globale de l'art au sein de la société contemporaine.

Aux États-Unis, les musées sont souvent des dons des plus riches aux masses. ( Le Metropolitan Museum of Art de New York, par exemple, a été créé par John Taylor Johnston , un dirigeant de compagnie ferroviaire dont la collection d'art personnelle a permis de financer le musée.) Mais malgré tout cela, l'une des fonctions importantes de l'art au XXIe siècle demeure celle de marqueur de richesse et de statut social.

Des artistes ont cherché à créer des œuvres inaccessibles aux plus fortunés comme objets de prestige. L'une des principales motivations de l'art de la fin des années 1960 et des années 1970 était précisément de créer des œuvres invendables. « Il est nécessaire de présenter plus que de simples objets » , affirmait Joseph Beuys , figure majeure de l'art allemand d'après-guerre . Cette période a vu l'émergence de mouvements tels que la performance, l'art vidéo et l'art conceptuel . L'idée était que si l'œuvre était une performance éphémère ou une idée, elle ne pouvait être achetée ni vendue. « Les préceptes démocratiques qui s’articulent autour de l’idée qu’une œuvre d’art est une marchandise ont impulsé l’innovation esthétique qui a germé au milieu des années 1960 et a porté ses fruits tout au long des années 1970. Les artistes largement identifiés sous la rubrique de l’art conceptuel… substituant des activités de performance et d’édition à l’engagement avec les préoccupations matérielles et matérialistes de la forme peinte ou sculpturale… [ont] cherché à saper l’objet d’art en tant qu’objet. »

Au cours des décennies suivantes, ces idées se sont quelque peu perdues, le marché de l'art ayant appris à vendre des DVD en édition limitée d'œuvres vidéo , des invitations à des performances artistiques exclusives et les objets issus d'œuvres conceptuelles. Nombre de ces performances créent des œuvres qui ne sont comprises que par une élite, initiée à la notion d'art à partir d'une idée, d'une vidéo ou d'un objet apparemment sans valeur. Le marqueur de statut social devient alors la compréhension de l'œuvre plutôt que sa possession, et l'art reste une activité réservée aux classes aisées. « Avec la généralisation de la technologie d'enregistrement DVD au début des années 2000, les artistes et le système des galeries, dont les profits proviennent de la vente d'œuvres d'art, ont acquis un moyen important de contrôler la vente d'œuvres vidéo et numériques en édition limitée aux collectionneurs. »

L'art a longtemps été source de controverses, c'est-à-dire de désapprobation par certains spectateurs, pour des raisons très diverses. Cependant, la plupart des controverses prémodernes sont mal documentées, voire totalement oubliées de nos jours. L'iconoclasme consiste à détruire les œuvres d'art désapprouvées pour diverses raisons, notamment religieuses. L'aniconisme , ou aversion générale pour toutes les images figuratives, ou souvent seulement pour les images religieuses, a été un thème récurrent dans de nombreuses grandes religions. Il a joué un rôle crucial dans l'histoire de l'art islamique , où les représentations de Mahomet demeurent particulièrement controversées. Nombre d'œuvres ont été désapprouvées simplement parce qu'elles représentaient ou symbolisaient des dirigeants, des partis ou d'autres groupes impopulaires. Les conventions artistiques ont souvent été conservatrices et prises très au sérieux par les critiques d'art , mais beaucoup moins par le grand public. Le contenu iconographique de l'art pouvait susciter la controverse, comme en témoignent les représentations, à la fin du Moyen Âge, du nouveau motif de l' évanouissement de la Vierge dans les scènes de la crucifixion de Jésus . Le Jugement dernier de Michel-Ange a suscité la controverse pour diverses raisons, notamment des atteintes à la bienséance dues à la nudité et à la pose du Christ semblable à celle d'Apollon .

Le contenu de nombreuses œuvres d'art savantes, à travers l'histoire, était dicté par le mécène ou le commanditaire plutôt que par l'artiste lui-même. Cependant, avec l'avènement du romantisme et les mutations économiques de la production artistique, la vision de l'artiste devint le principal facteur déterminant du contenu de son œuvre, multipliant les controverses, même si leur importance s'en trouvait souvent réduite. La forte incitation à rechercher l'originalité et la notoriété encouragea également les artistes à susciter la polémique. Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault ( vers 1820 ) était en partie un commentaire politique sur un événement récent. Le Déjeuner sur l'herbe d'Édouard Manet (1863) fut considéré comme scandaleux non pas à cause de la nudité féminine, mais parce que la femme est assise à côté d'hommes entièrement vêtus à l'époque, et non en habits antiques. Le tableau de John Singer Sargent, Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), a suscité une controverse en raison de la couleur rose rougeâtre utilisée pour colorer le lobe de l'oreille de la femme, jugée beaucoup trop suggestive et susceptible de nuire à la réputation du modèle mondain. L'abandon progressif du naturalisme et la représentation réaliste de l'apparence physique des sujets aux XIXe et XXe siècles ont engendré une controverse persistante qui a duré plus d'un siècle.

Au XXe siècle, Guernica (1937) de Pablo Picasso utilise des techniques cubistes saisissantes et des huiles monochromes austères pour dépeindre les conséquences tragiques d'un bombardement contemporain sur une petite ville basque historique. Interrogation III (1981) de Leon Golub représente une femme nue, une détenue cagoulée attachée à une chaise, les jambes écartées dévoilant ses organes génitaux, entourée de deux tortionnaires vêtus de vêtements ordinaires. Piss Christ (1989) d'Andrés Serrano est une photographie d'un crucifix, symbole sacré de la religion chrétienne et représentant le sacrifice et les souffrances ultimes du Christ , immergé dans un verre d'urine de l'artiste. Le tollé suscité par cette œuvre a provoqué des débats au Sénat américain sur le financement public des arts.

Avant le modernisme, l'esthétique de l'art occidental s'attachait principalement à trouver un juste équilibre entre les différents aspects du réalisme, ou de la fidélité à la nature, et l' idéal ; la conception de cet équilibre a fluctué au fil des siècles. Cette préoccupation est largement absente des autres traditions artistiques. Le théoricien de l'esthétique John Ruskin , qui défendait ce qu'il considérait comme le naturalisme de J. M. W. Turner , voyait dans l'art la communication, par l'artifice, d'une vérité essentielle que l'on ne trouve que dans la nature.

La définition et l'évaluation de l'art sont devenues particulièrement problématiques depuis le XXe siècle. Richard Wollheim distingue trois approches pour évaluer la valeur esthétique de l'art : l'approche réaliste , selon laquelle la qualité esthétique est une valeur absolue indépendante de tout point de vue humain ; l'approche objectiviste , selon laquelle il s'agit également d'une valeur absolue, mais dépendante de l'expérience humaine générale ; et l' approche relativiste , selon laquelle il ne s'agit pas d'une valeur absolue, mais qu'elle dépend de l'expérience humaine et varie en fonction de celle-ci.

L'avènement du modernisme à la fin du XIXe siècle a entraîné une rupture radicale dans la conception de la fonction de l'art , puis à nouveau à la fin du XXe siècle avec l'émergence du postmodernisme . L'article de Clement Greenberg , « Modernist Painting » (1960), définit l'art moderne comme « l'utilisation des méthodes caractéristiques d'une discipline pour critiquer la discipline elle-même » . Greenberg a initialement appliqué cette idée au mouvement expressionniste abstrait et l'a utilisée pour comprendre et justifier la peinture abstraite plane (non illusionniste).

L’art réaliste et naturaliste avait dissimulé le médium, utilisant l’art pour masquer l’art ; le modernisme, lui, a utilisé l’art pour attirer l’attention sur l’art. Les limitations inhérentes au médium pictural – la surface plane, la forme du support, les propriétés du pigment – ​​étaient considérées par les maîtres anciens comme des facteurs négatifs qu’il était impossible de reconnaître autrement que de manière implicite ou indirecte. Avec le modernisme, ces mêmes limitations furent perçues comme des atouts et reconnues ouvertement.

Après Greenberg, plusieurs théoriciens de l'art importants ont émergé, tels que Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin et Griselda Pollock, entre autres. Bien qu'initialement conçue pour comprendre un ensemble spécifique d'artistes, la définition de l'art moderne proposée par Greenberg est essentielle à de nombreuses conceptions de l'art au sein des différents mouvements artistiques du XXe siècle et du début du XXIe siècle.

Des artistes pop comme Andy Warhol sont devenus à la fois remarquables et influents grâce à des œuvres incluant, et peut-être critiquant , la culture populaire ainsi que le monde de l'art . Les artistes des années 1980, 1990 et 2000 ont étendu cette technique d'autocritique au-delà de l'art savant à toute la production d'images culturelles, y compris les images de mode, les bandes dessinées , les panneaux d'affichage et la pornographie .

Duchamp a un jour proposé que l'art soit toute activité, quelle qu'elle soit. Cependant, la classification actuelle de certaines activités comme étant de l'art est une construction sociale. Il existe des preuves que cette affirmation recèle une part de vérité. Dans * The Invention of Art: A Cultural History* , Larry Shiner examine la construction du système moderne des arts, c'est-à-dire des beaux-arts. Il constate que l'ancien système des arts, antérieur au nôtre (les beaux-arts), considérait l'art comme toute activité humaine qualifiée ; par exemple, la société grecque antique ne possédait pas le terme « art » , mais celui de « technè » . La technè ne peut être comprise ni comme de l'art ni comme de l'artisanat, car les distinctions entre art et artisanat sont des constructions historiques apparues plus tard dans l'histoire de l'humanité. La technè englobait la peinture, la sculpture et la musique, mais aussi la cuisine, la médecine, l'équitation , la géométrie , la menuiserie, la divination et l'agriculture, etc.

Après Duchamp, durant la première moitié du XXe siècle, un tournant majeur s'est opéré vers une théorie esthétique générale, cherchant à appliquer cette théorie aux différentes formes d'art, notamment les arts littéraires et les arts visuels. Ce mouvement a donné naissance au New Criticism et au débat sur le sophisme intentionnel . La question centrale était de savoir si les intentions esthétiques de l'artiste lors de la création de l'œuvre, quelle que soit sa forme spécifique, devaient être prises en compte dans la critique et l'évaluation de l'œuvre finale, ou si, au contraire, l'œuvre devait être évaluée pour ses propres mérites, indépendamment des intentions de l'artiste.

En 1946, William K. Wimsatt et Monroe Beardsley publièrent un essai classique et controversé du New Critical intitulé « The Intentional Fallacy », dans lequel ils s’opposaient fermement à la pertinence de l’ intention de l’auteur , ou « sens voulu », dans l’analyse d’une œuvre littéraire. Pour Wimsatt et Beardsley, seuls les mots sur la page importaient ; l’importation de significations extérieures au texte était considérée comme non pertinente, voire source de distraction.

Dans un autre essai, « Le sophisme affectif », qui faisait écho à « Le sophisme intentionnel », Wimsatt et Beardsley rejetaient également la réaction personnelle et émotionnelle du lecteur face à une œuvre littéraire comme moyen valable d’analyse. Ce sophisme serait par la suite réfuté par les théoriciens de la réception . Ironie du sort, l’un des principaux théoriciens de ce courant, Stanley Fish , avait lui-même été formé par les Nouveaux Critiques. Fish critique Wimsatt et Beardsley dans son essai de 1970, « La littérature chez le lecteur ».

Comme le résument Berys Gaut et Paisley Livingston dans leur essai « La Création de l’art » : « Les théoriciens et critiques structuralistes et post-structuralistes ont vivement critiqué de nombreux aspects du New Criticism, à commencer par l’accent mis sur l’appréciation esthétique et la prétendue autonomie de l’art. Ils ont toutefois réitéré leur critique de l’hypothèse, propre à la critique biographique, selon laquelle les activités et l’expérience de l’artiste constituaient un sujet d’étude privilégié. » Ces auteurs affirment que : « Les anti-intentionnalistes, tels que les formalistes, soutiennent que les intentions qui sous-tendent la création artistique sont sans pertinence, voire périphériques, à une interprétation correcte de l’œuvre. Ainsi, les détails de l’acte de création, bien que potentiellement intéressants en eux-mêmes, n’ont aucune incidence sur la bonne interprétation de l’œuvre. »

Gaut et Livingston définissent les intentionnalistes comme distincts des formalistes, affirmant que : « Les intentionnalistes, contrairement aux formalistes, soutiennent que la référence aux intentions est essentielle pour établir l’interprétation correcte des œuvres. » Ils citent Richard Wollheim qui déclare : « La tâche de la critique est la reconstruction du processus créatif, lequel processus doit être considéré comme quelque chose qui ne s’arrête pas avant, mais se termine sur l’œuvre d’art elle-même. »

La fin du XXe siècle a suscité un vaste débat en philosophie de l'art, connu sous le nom de controverse du tournant linguistique ou de « débat sur le regard innocent ». Ce débat portait sur la manière dont la rencontre avec l'œuvre d'art est déterminée par la mesure dans laquelle la rencontre conceptuelle avec l'œuvre d'art domine la rencontre perceptive avec l'œuvre d'art.

L'influence d'une autre tradition, à savoir le structuralisme de Ferdinand de Saussure et le poststructuralisme qui en a découlé , a été déterminante dans le débat sur le tournant linguistique en histoire de l'art et en sciences humaines. En 1981, l'artiste Mark Tansey a créé l'œuvre « The Innocent Eye » (L'Œil innocent ), une critique du climat de désaccord qui régnait en philosophie de l'art à la fin du XXe siècle. Parmi les théoriciens influents, on peut citer Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault et Jacques Derrida . Hayden White a exploré le pouvoir du langage, et plus précisément de certaines figures de style, dans l'histoire de l'art et le discours historique. Une philosophie du langage d'un tout autre ordre , issue des travaux de Johann Georg Hamann et Wilhelm von Humboldt , a mis en lumière le fait que le langage n'est pas un médium transparent de la pensée . Dans leur ouvrage * Languages ​​of Art: An Approach to a Theory of Symbols*, Ernst Gombrich et Nelson Goodman ont soutenu que, durant les années 1960 et 1970, la rencontre conceptuelle avec l'œuvre d'art prédominait exclusivement sur la rencontre perceptive et visuelle. Cette thèse fut contestée par les travaux du psychologue Roger Sperry, prix Nobel de psychologie, qui affirmait que la rencontre visuelle humaine ne se limitait pas aux seuls concepts représentés par le langage (le tournant linguistique) et que d'autres formes de représentations psychologiques de l'œuvre d'art étaient tout aussi valables et démontrables. La conception de Sperry finit par s'imposer à la fin du XXe siècle, des philosophes de l'esthétique comme Nick Zangwill défendant avec vigueur un retour à un formalisme esthétique modéré, parmi d'autres alternatives.

Les débats relatifs à la classification d'une œuvre comme œuvre d'art sont appelés controverses de classification artistique. Au XXe siècle, ces controverses ont concerné des œuvres cubistes et impressionnistes , la Fontaine de Duchamp , le cinéma, les imitations magistrales de billets de banque par J.S.G. Boggs , l'art conceptuel et les jeux vidéo . Le philosophe David Novitz a soutenu que les désaccords sur la définition de l'art sont rarement au cœur du problème. En réalité, « les préoccupations et les intérêts passionnés que les êtres humains investissent dans leur vie sociale » sont « intrinsèquement liés à toutes les controverses de classification artistique ». Selon Novitz, ces controverses portent davantage sur les valeurs et les aspirations de la société que sur la théorie proprement dite. Par exemple, lorsque le Daily Mail a critiqué le travail de Hirst et d' Emin en affirmant : « Depuis mille ans, l'art est l'une de nos plus grandes forces civilisatrices. Aujourd'hui, des moutons marinés et des lits souillés menacent de faire de nous tous des barbares », il ne s'agit pas d'avancer une définition ou une théorie de l'art, mais de remettre en question la valeur du travail de Hirst et d'Emin. En 1998, Arthur Danto a proposé une expérience de pensée montrant que « le statut d'œuvre d'art d'un artefact résulte des idées qu'une culture lui attribue, plutôt que de ses qualités physiques ou perceptibles intrinsèques. L'interprétation culturelle (une forme quelconque de théorie de l'art) est donc constitutive de la valeur artistique d'un objet. »

L’anti-art est un terme désignant un art qui remet intentionnellement en question les paramètres et les valeurs établis de l’art ; il est associé au dadaïsme et attribué à Marcel Duchamp juste avant la Première Guerre mondiale, alors qu’il créait des œuvres à partir d’objets trouvés . L’une d’elles, Fontaine (1917), un urinoir ordinaire, a acquis une notoriété et une influence considérables sur l’art. L’anti-art est une caractéristique du travail de l’Internationale situationniste , du mouvement Mail art lo-fiet des Young British Artists , bien qu’il s’agisse d’une forme encore rejetée par les Stuckistes , qui se définissent comme anti-anti-art .

L’architecture est souvent considérée comme un art visuel ; cependant, à l’instar des arts décoratifs ou de la publicité, elle implique la création d’objets où les considérations pratiques d’utilisation sont essentielles, contrairement à ce qui se passe généralement dans une peinture, par exemple.

Dans un certain rapport avec ce qui précède, le mot « art » est également employé pour formuler des jugements de valeur, comme dans des expressions telles que « ce repas était une œuvre d'art » (le cuisinier est un artiste) ou « l'art de la tromperie » (le haut niveau de compétence atteint par le trompeur est loué). C'est cet usage du mot comme mesure de haute qualité et de grande valeur qui lui confère sa connotation subjective. Porter des jugements de valeur exige un fondement critique. Au niveau le plus simple, une façon de déterminer si l'impact de l'objet sur les sens répond aux critères de l' art est de savoir s'il est perçu comme attrayant ou repoussant. Bien que la perception soit toujours influencée par l'expérience et soit nécessairement subjective, il est généralement admis que ce qui n'est pas esthétiquement satisfaisant ne peut être considéré comme de l'art. Cependant, l'art « réputé » n'est pas toujours, ni même régulièrement, esthétiquement attrayant pour la majorité des spectateurs. Autrement dit, la motivation première d'un artiste n'est pas nécessairement la recherche de l'esthétique. De plus, l'art représente souvent des images terribles, créées pour des raisons sociales, morales ou pour susciter la réflexion. Par exemple, le tableau de Francisco Goya représentant les fusillades espagnoles du 3 mai 1808 est une représentation saisissante d'un peloton d'exécution exécutant plusieurs civils implorant grâce. Pourtant, simultanément, cette imagerie horrible témoigne du talent artistique exceptionnel de Goya en matière de composition et d'exécution, et suscite une indignation sociale et politique justifiée. Ainsi, le débat persiste quant au mode de satisfaction esthétique, s'il en est un, nécessaire pour définir l'« art ».

L'adoption de nouvelles valeurs ou la remise en question des notions admises de supériorité esthétique n'impliquent pas nécessairement un abandon total de la recherche de l'attrait esthétique. Bien souvent, c'est même le contraire : la révision des critères esthétiques communément admis permet un renouveau de la sensibilité esthétique et une nouvelle appréciation des exigences de l'art lui-même. De nombreuses écoles ont proposé leurs propres définitions de la qualité, mais elles semblent toutes s'accorder sur un point : une fois leurs choix esthétiques acceptés, la valeur de l'œuvre d'art se mesure à sa capacité à transcender les limites de son médium, à toucher une corde sensible universelle, soit par la rareté du talent de l'artiste, soit par sa juste expression de l' esprit du temps . L'art vise souvent à susciter des émotions humaines. Il peut éveiller des sentiments esthétiques ou moraux et être perçu comme un moyen de les communiquer. Les artistes expriment quelque chose qui touche leur public, même inconsciemment. L'art peut être considéré comme une exploration de la condition humaine . c’est-à-dire, ce que signifie être humain.

Par extension, Emily L. Spratt a soutenu que le développement de l'intelligence artificielle générative , notamment en ce qui concerne l'art généré par l'IA , exige une réévaluation de la théorie esthétique en histoire de l'art contemporaine et une reconsidération des limites de la créativité humaine. La musique et l'intelligence artificielle ont suivi une voie similaire. Il en va de même pour l'utilisation de grands modèles de langage dans la génération de textes créatifs.

Les contrefaçons d'œuvres d'art , le plagiat , les répliques et les œuvres fortement inspirées d'autres œuvres d'art constituent un enjeu juridique essentiel .

Le droit de la propriété intellectuelle joue un rôle important dans le monde de l'art. La protection du droit d'auteur est accordée aux artistes pour leurs œuvres originales, leur conférant des droits exclusifs de reproduction, de distribution et d'exposition de leurs créations. Cette protection permet aux artistes de contrôler l'utilisation de leurs œuvres et de se prémunir contre toute copie ou contrefaçon non autorisée.

Le commerce des œuvres d'art ou leur exportation peuvent être soumis à des réglementations légales. À l'échelle internationale, d'importants efforts sont déployés pour protéger les œuvres d'art créées. L' ONU , l'UNESCO et Bouclier Bleu International s'efforcent d'assurer une protection efficace au niveau national et d'intervenir directement en cas de conflits armés ou de catastrophes. Ces situations peuvent affecter particulièrement les musées, les archives, les collections d'art et les sites archéologiques. Il s'agit également de préserver les fondements économiques d'un pays, d'autant plus que les œuvres d'art revêtent souvent une importance touristique. Le président fondateur de Bouclier Bleu International, Karl von Habsburg , a expliqué un lien supplémentaire entre la destruction des biens culturels et les exodes de population lors d'une mission au Liban en avril 2019 : « Les biens culturels font partie intégrante de l'identité des populations d'un lieu. Détruire leur culture, c'est détruire leur identité. Nombreux sont ceux qui se retrouvent déracinés, souvent sans perspectives d'avenir, et qui, de ce fait, fuient leur pays. » Afin de préserver la diversité de l’identité culturelle , l’UNESCO protège le trésor humain vivant grâce à la Convention pour la sauvegarde du patrimoine culturel immatériel .