Arts du spectacle

Les arts du spectacle sont des arts tels que la musique , la danse et le théâtre qui sont présentés devant un public. Ils se distinguent des arts visuels , qui produisent des objets physiques ou statiques . Les arts du spectacle englobent un ensemble de disciplines pratiquées devant un public, notamment le théâtre, la musique et la danse. Les représentations peuvent avoir lieu dans des bâtiments spécialement conçus à cet effet, comme les théâtres et les opéras, mais aussi lors de festivals en plein air, dans la rue, et sous forme d'enregistrements tels que le cinéma ou la télévision.

Les arts du spectacle sont présents dans toutes les sociétés. La musique et la danse remontent à la préhistoire , tandis que les formes théâtrales apparaissent dans la Grèce antique, en Inde et en Chine. Le spectacle remplissait des fonctions religieuses, cérémonielles et de divertissement. Des traditions telles que le nô et le kabuki japonais , ainsi que la danse classique indienne, sont reconnues par l'UNESCO comme patrimoine culturel immatériel de l'humanité.

L'histoire des arts du spectacle occidentaux s'étend de la tragédie et de la comédie grecques antiques aux mystères médiévaux, en passant par l'émergence de l'opéra et du ballet à la Renaissance et l'essor romantique du grand opéra. Lors des révolutions modernistes du début du XXe siècle, des figures telles qu'Isadora Duncan, Constantin Stanislavski et Sergueï Diaghilev ont repensé les principes de la danse et du théâtre. La performance postmoderne remet de plus en plus en question les frontières entre les disciplines.

Les spectacles vivants devant un public constituent une forme de divertissement. Le développement de l' enregistrement audio et vidéo a permis la consommation privée des arts du spectacle. Dans les spectacles narratifs, les personnages expriment des émotions.

Le théâtre est la branche des arts du spectacle qui consiste à mettre en scène des histoires devant un public, en utilisant une combinaison de parole, de gestes, de musique, de danse et de mise en scène. Il est lié au rituel dans les cultures anciennes du monde entier.

La forme de théâtre la plus connue est la pièce écrite , dans laquelle des acteurs incarnent des personnages dans un récit qui se déroule en temps réel devant un public. Le théâtre s'est diversifié en comédies musicales intégrant chant et danse et en opéra, où tous les mots sont mis en musique. Dans le théâtre d'improvisation , les acteurs inventent du contenu au lieu de suivre un texte préétabli, tandis que l'art de la performance explore d'autres disciplines pour comprendre les intersections culturelles.

La relation entre les artistes et le public a varié, allant des productions formelles et distantes à l'italienne à des formats plus intimes, notamment les scènes avancées , les théâtres expérimentaux , le théâtre en espace ouvert , et même les espaces aménagés dans des lieux non théâtraux. L'aménagement spatial influence la nature d'une performance.

Dans le contexte des arts du spectacle, la danse désigne généralement le mouvement humain , typiquement rythmé et accompagné de musique, utilisé comme forme de divertissement pour le public lors d'une représentation. Les définitions de la danse sont culturellement dépendantes et vont des formes fonctionnelles telles que la danse folklorique aux techniques virtuoses codifiées telles que le ballet .

La chorégraphie est l’art de composer des danses et les chorégraphes déterminent comment le mouvement transmet du sens. La danse remplit des fonctions à la fois sociales et artistiques. Elle est présente dans les cérémonies, les rituels, les coutumes et les célébrations. Dans les communautés noires et autochtones, la danse est souvent indissociable de la musique et des rituels communautaires.

La danse moderne est apparue au XXe siècle en réaction aux contraintes du ballet , mettant l'accent sur une plus grande liberté de mouvement et d'expression personnelle . Les formes ultérieures, telles que le hip-hop , la danse contemporaine et la danse postmoderne, continuent d'élargir la définition de la danse et la diversité des interprètes

La musique est une forme d'art qui combine timbre , hauteur , rythme et dynamique pour créer un son. Elle peut être interprétée à l'aide de divers instruments et styles et se divise en genres tels que le folk , le jazz , le hip-hop , la pop et le rock, etc. En tant que forme d'art, la musique peut être jouée en direct ou enregistrée, et peut être planifiée ou improvisée.

Le jazz combine arrangements écrits et improvisation, tandis que dans la musique classique occidentale, l'interprétation fidèle de la partition est primordiale. L'improvisation est essentielle aux traditions musicales du monde entier, notamment la musique classique indienne et le chant des griots d'Afrique de l'Ouest. En pratique, rares sont les genres musicaux entièrement composés ou improvisés.

Depuis le kinétoscope de Thomas Edison dans les années 1890, le cinéma est devenu un média de masse grâce au système des studios hollywoodiens . Le jeu d'acteur au cinéma diffère du jeu théâtral, car il s'adresse à une caméra plutôt qu'à un public. La performance est ensuite structurée et assemblée au montage . Jouer devant une caméra exige souvent plus de subtilité que la projection requise sur scène.

Le terme « film » englobe désormais le cinéma et la télévision, et différentes cultures cinématographiques à travers le monde sont accessibles grâce aux services de streaming. Des cultures cinématographiques distinctes en Asie du Sud, en Asie de l’Est et ailleurs touchent un large public.

À l'opéra, le drame est principalement véhiculé par le chant accompagné d'un orchestre. Il combine musique, drame et spectacle en une seule forme d'art. L'opéra est né en Italie à la fin du XVIe siècle et s'est répandu dans le monde entier, devenant le divertissement de prestige de la société aristocratique puis bourgeoise.

Le genre englobe aussi bien les opéras-comiques de petite envergure que les grands opéras spectaculaires . Les opéras de Mozart , Verdi , Wagner et Puccini demeurent parmi les plus joués. Le concept d'œuvre d'art totale (Gesamtkunstwerk) de Wagner a influencé la scène moderne, les artistes cherchant à créer un théâtre qui sollicite tous les sens.

Les arts du cirque comprennent le clown , l'acrobatie , les numéros aériens et la manipulation d'objets . Des représentations de l'Égypte antique témoignent de l'acrobatie, qui était pratiquée lors de fêtes. Le cirque contemporain est une forme de spectacle interdisciplinaire intégrant des éléments circassiens à la narration, le Cirque du Soleil en étant un exemple largement reconnu.

Le vaste domaine des arts du spectacle comprend le théâtre musical , la magie , le mime , le slam , le théâtre de marionnettes , l'art de la performance , l'improvisation et le stand-up . Le théâtre musical, et en particulier la comédie musicale de Broadway , est devenu une forme théâtrale dominante au XXe siècle. Le théâtre de marionnettes englobe des traditions allant du théâtre d'ombres indonésien au Bunraku japonais, jusqu'aux utilisations contemporaines comme dans Le Roi Lion. Le stand-up a émergé comme une forme distincte, se développant à partir des spectacles de variétés et investissant les clubs, suscitant d'importantes réactions du public. L'art de la performance est né des mouvements d'avant-garde, utilisant le corps et la présence de l'artiste pour créer une œuvre qui défie les conventions.

Dès le XIXe siècle avant notre ère, une grande cérémonie religieuse en Égypte comportait probablement des éléments théâtraux. Le plus ancien texte de pièce de théâtre connu est le papyrus dramatique de Ramesseum, datant du XXe siècle avant notre ère.

Des dramaturges grecs tels qu'Eschyle , Sophocle et Euripide ont développé la tragédie au Ve siècle avant notre ère , tandis qu'Aristophane , Cratinus et Ménandre ont développé la comédie . Le théâtre grec se jouait dans des auditoriums en plein air , avec des acteurs masqués .

L'Inde a développé une tradition des arts du spectacle. Le Natya Shastra est un traité sanskrit de dramaturgie qui a formulé la théorie et la pratique théâtrales indiennes. Attribué à Bharata , il aurait été compilé entre 200 av. J.-C. et 200 apr. J.-C. Des dramaturges tels que Bhāsa , Kalidasa et Bhavabhuti ont laissé un riche héritage de littérature dramatique. Les épopées sanskrites du Ramayana et du Mahabharata sont populaires en Inde et dans une grande partie de l'Asie du Sud-Est.

En Chine, la tradition dramatique remonte à la dynastie Shang (env. 1600-1046 av. J.-C.) et intègre la musique et le théâtre. Le théâtre d'ombres apparaît sous la dynastie Han (202 av. J.-C. - 220 apr. J.-C.). Sous la dynastie Tang (618-907 apr. J.-C.), l'empereur Xuanzong fonde le Jardin des Poiriers pour former des musiciens et des artistes. Sous la dynastie Yuan (1271-1368), le Zaju , théâtre de variétés, atteint son apogée et donne naissance à l'opéra de Pékin .

Au Moyen Âge, en Europe, le théâtre était étroitement lié à l' Église chrétienne , les mystères adaptant des récits bibliques et mettant en scène des sermons. Les divertissements profanes comprenaient des artistes ambulants comme les jongleurs , qui combinaient chant, blagues, clowneries, jongleries, acrobaties ou tours de magie.

En Afrique de l’Ouest, les griots transmettaient l’histoire orale à travers la musique et les récits, en récitant la généalogie et en se spécialisant dans les instruments de musique. Ils jouaient également des rôles sociaux, comme celui de conseillers politiques.

Dans le monde islamique médiéval, les ta'ziyeh étaient des spectacles de marionnettes d'ombres racontant des épopées religieuses, les ta'ziyeh chiites étant centrées sur la mort de Husayn ibn Ali . Les ta'ziyeh ont perduré jusque dans les années 1930, date à laquelle elles ont été interdites en Iran.

La Renaissance, qui débute en Italie au XVe siècle et se répand à travers l'Europe, a vu une renaissance des formes classiques, ainsi que des innovations théâtrales. On attribue à Domenico da Piacenza la première utilisation du terme « ballo » pour décrire les danses de cour chorégraphiées. Ce terme est devenu par la suite « ballet » . Le premier ballet à proprement parler est considéré comme étant le Ballet Comique de la Reine (1581) de Balthasar de Beaujoyeulx .

Au milieu du XVIe siècle, la commedia dell'arte connut une grande popularité en Europe. Cette forme d'improvisation, jouée par des professionnels, mettait en scène des personnages types , tels que des serviteurs, des vieillards et des amoureux. Une industrie théâtrale professionnelle émergea également en Angleterre, offrant un cadre institutionnel aux pièces de William Shakespeare à la fin du XVIe siècle.

En 1597, le premier opéra, Dafne, fut joué et tout au long du 17e siècle, l'opéra devint rapidement le divertissement de choix de l' aristocratie dans la majeure partie de l'Europe, et finalement pour un grand nombre de personnes vivant dans les villes et les villages de toute l'Europe.

L’utilisation d’ un arc de scène et d’un rideau en Italie au XVIIe siècle a instauré la forme théâtrale traditionnelle qui perdure encore aujourd’hui. En Angleterre, les puritains ont interdit les représentations théâtrales jusqu’en 1660, date à laquelle les femmes ont commencé à jouer dans les pièces. Les Français ont introduit l’enseignement formel de la danse à la fin du XVIIe siècle.

L'introduction de l' opéra bouffe populaire a permis au grand public de découvrir l'opéra grâce à une forme de spectacle accessible. Les Noces de Figaro et Don Giovanni de Mozart sont des œuvres marquantes du XVIIIe siècle.

Au début du XIXe siècle, le mouvement romantique mettait l'accent sur l'expression individuelle, la sincérité des émotions et les énergies nationalistes. À l'opéra, cela a donné lieu aux grands opéras spectaculaires de Giacomo Meyerbeer puis aux drames musicaux de Giuseppe Verdi . Le Gesamtkunstwerk (œuvre d'art totale) de Richard Wagner unissait la danse, la musique et la poésie en une seule expression. Parmi les ballets influents du répertoire figurent Giselle (1841) et Le Lac des cygnes (1877). Le ballet romantique accordait une place plus importante au corps féminin et au travail sur pointes .

Le XIXe siècle a également vu l'essor des arts du spectacle populaires, stimulé par l'urbanisation et la croissance du divertissement commercial. Les spectacles de variétés , le vaudeville et le burlesque offraient des divertissements à la classe ouvrière. L'éclairage au gaz, puis l'éclairage électrique, ont transformé la perception visuelle du théâtre.

La danse moderne est née à la fin du XIXe et au début du XXe siècle en réaction aux contraintes du ballet traditionnel. Les pionnières Isadora Duncan et Loïe Fuller ont privilégié les mouvements naturels et expressifs au détriment de la technique conventionnelle. L'arrivée des Ballets russes de Serge Diaghilev (1909-1929) a révolutionné le ballet. La collaboration de Diaghilev a réuni chorégraphes, danseurs, compositeurs, écrivains, artistes visuels et créateurs de mode . De nouvelles compagnies de ballet, fortes d'une identité nationale affirmée, ont vu le jour dans toute l'Europe à partir des années 1930.

Le « Système » de Konstantin Stanislavski a révolutionné le jeu d'acteur au début du XXe siècle en introduisant le réalisme psychologique. Les exercices de la méthode Stanislavski sont enseignés dans de nombreuses écoles d'art dramatique.

Le cinéma a été inventé dans les années 1890 et s'est développé en un marché de masse mondial après la Première Guerre mondiale. Le système des studios hollywoodiens a créé des acteurs de cinéma et façonné l'image des stars. Le développement ultérieur de la radio et de la télévision a influencé la diversité des performances.

Après la Seconde Guerre mondiale, l'opéra et le ballet se sont développés grâce au soutien de l'État. Le postmodernisme dans les arts du spectacle a été un phénomène majeur des années 1970 et 1980, remettant en question les frontières entre les formes artistiques. Dans les arts du spectacle contemporains, les technologies numériques s'intègrent au spectacle vivant.

L’animation , la capture de mouvement et l’interactivité en temps réel ont élargi le champ des possibles sur scène. Pendant les confinements liés à la COVID-19, les théâtres du monde entier ont produit des spectacles en streaming et des formats hybrides, stimulant l’innovation et les débats sur l’avenir du spectacle vivant et des technologies numériques.

L’Afrique présente une grande diversité culturelle, avec plus de trois mille groupes ethniques. De nombreuses traditions artistiques africaines autochtones intègrent la danse, le chant, la musique et le mime. Les spectacles étaient communautaires, les conteurs et le public interagissant et participant à un système d’appel et de réponse , caractérisé par un chanteur qui entonne une phrase à laquelle les autres interprètes et/ou le public répondent par une nouvelle phrase.

Les griots sont des musiciens de tradition familiale spécialisés dans l'histoire orale, les généalogies et les chants de louange, dont les responsabilités dépassent largement le simple divertissement. Leur prestation associe généralement la virtuosité instrumentale, notamment à la kora , au chant ou à la récitation.

En Iran, il existe d'autres formes de spectacles tels que le naqqali (contes), le ta'ziyeh , le ru-howzi , le siyah-bazi , le parde-khani et le ma'rekeh-giri . Avant le XXe siècle, le conte était la forme de divertissement la plus répandue, bien que certaines formes subsistent encore aujourd'hui. Le naghali, par exemple, était traditionnellement joué dans les cafés où les conteurs, ou naghals (ou naqqāls), ne récitaient que des fragments d'histoire à la fois, fidélisant ainsi leur clientèle. Ces histoires s'inspiraient d'événements historiques ou religieux importants et faisaient souvent référence à des poèmes du Shahnameh . Elles étaient fréquemment adaptées à l'ambiance ou à l'humeur du public.

Les formes de danse classique Bharatanatyam , Kathak , Odissi , Manipuri , Kuchipudi , Kathakali , Mohiniattam et Sattriya sont chacune associées à des traditions régionales distinctes, à des philosophies incarnées et à des histoires de renaissance. Le Koodiyattam du Kerala compte parmi les plus anciennes traditions théâtrales encore vivantes et l'UNESCO l'a déclaré chef-d'œuvre du patrimoine mondial en 2001.

Le théâtre populaire indien combine des éléments tels que la musique, la danse, la pantomime, la poésie, le conte, les arts visuels, la religion et les festivals. Bollywood , l'industrie cinématographique de langue hindi basée à Mumbai, a, depuis le milieu du XXe siècle, synthétisé la danse, la musique et le théâtre pour devenir l'une des industries du divertissement les plus prolifiques et influentes au monde.

On trouve des références à des spectacles théâtraux en Chine dès 1500 av. J.-C., sous la dynastie Shang ; ils impliquaient souvent de la musique, des clowns et des numéros acrobatiques.

Sous la dynastie Tang , l'empereur Xuanzong de Tang a formé une école d'art dramatique connue sous le nom des Enfants du Jardin des Poiriers pour produire une forme de théâtre principalement musicale.

Sous la dynastie Song , de nombreuses pièces populaires mêlaient acrobaties et musique. Celles-ci évoluèrent sous la dynastie Yuan vers une forme plus sophistiquée, structurée en quatre ou cinq actes. Le théâtre Yuan se répandit dans toute la Chine et se diversifia en de nombreuses formes régionales, dont la plus connue est l'opéra de Pékin, toujours populaire aujourd'hui.

En Thaïlande , il existe une tradition, remontant au Moyen Âge, de mettre en scène des pièces inspirées d'épopées indiennes. En particulier, la version théâtrale du Ramakien , épopée nationale thaïlandaise et adaptation du Ramayana indien , demeure populaire en Thaïlande encore aujourd'hui.

Le Japon a produit plusieurs formes théâtrales distinctes et sophistiquées. Au XIVe siècle, Kan'ami et son fils Zeami Motokiyo développèrent le théâtre nô sous le patronage du shogun Ashikaga Yoshimitsu [ combinant jeu masqué, chants, musique instrumentale et drame stylisé . L'esthétique du nô, selon Zeami, inclut le yugen ou « élégance raffinée »

Le Bunraku est une forme de théâtre de marionnettes développée au XVIIe siècle, associée au dramaturge Chikamatsu Monzaemon . Il utilise de grandes marionnettes manipulées par des marionnettistes visibles, avec des chants et un accompagnement de shamisen .

Le kabuki , apparu peu après le bunraku, est une forme plus accessible qui intègre des costumes élaborés, du maquillage et des mécanismes scéniques. Initialement interprété par des femmes, le kabuki est devenu une forme exclusivement masculine ; les onnagata ont développé des techniques spécifiques pour la représentation féminine. Le nô, le bunraku et le kabuki sont reconnus par l’UNESCO comme patrimoine culturel immatériel de l’humanité.

À l’ époque précolombienne , les civilisations indigènes des Amériques avaient établi des traditions artistiques, avant l’arrivée des Européens. Celles-ci comprenaient des rituels et des cérémonies aztèques et mayas , qui impliquaient souvent des danses élaborées, de la musique et des représentations théâtrales.

Chez les Mexicas (Aztèques) du centre du Mexique, les spectacles servaient de vecteur d'intégration sociale, intégrant une dimension religieuse. Le calendrier rituel du tonalpohualli marquait les dates importantes par des cérémonies impliquant danseurs, chanteurs et musiciens. Le huehuetlatolli, ou « parole des anciens », transmettait l'art oratoire de génération en génération. Les cérémonies publiques dans la cour du Templo Mayor pouvaient rassembler des milliers de danseurs disposés en cercles concentriques, accompagnés de tambours, de flûtes et de hochets.

Les rituels et festivals incas comportaient également de la musique, des danses et des représentations théâtrales de mythes et de légendes. Les cultures de la côte nord-ouest, telles que les Haïdas , les Tlingits et les Kwakwaka'wakw , avaient des traditions de contes, de sculpture de masques et de danses cérémonielles. Lors du potlatch , les masques kwakwaka'wakw peuvent être ouverts pour révéler un masque animal lors de transformations spectaculaires.

La période coloniale a entraîné une fusion des influences culturelles européennes et indigènes. Les Espagnols et les Français ont écrit et mis en scène des productions théâtrales. Les peuples indigènes ont intégré des éléments de leurs arts du spectacle traditionnels dans les productions de l'époque coloniale.

Les arts du spectacle distinguent les modèles économiques commerciaux de la musique populaire des modèles principalement à but non lucratif pour des organisations comme les orchestres et les compagnies de ballet. Les maisons de disques tirent profit de la vente de billets de concert, de produits dérivés, de l'édition musicale et des contrats de sponsoring. À l'inverse, les orchestres européens bénéficient de subventions publiques relativement importantes, tandis qu'aux États-Unis, ils dépendent d'une combinaison de recettes de billetterie, de subventions étatiques et municipales, de subventions publiques et de dons.

Les établissements de formation transmettent les pratiques des arts du spectacle. Les conservatoires privilégient la formation professionnelle et exigent un haut niveau d'excellence en matière de performance, de professionnalisme et de talent artistique. Les universités associent la pratique artistique aux études académiques. Dans les traditions non occidentales, le savoir-faire stylistique se transmet de génération en génération. L'accès à l'enseignement artistique influe sur la diversité des professionnels des arts du spectacle.

Les lieux de spectacles vont des opéras construits à cet effet aux amphithéâtres en plein air, en passant par les espaces numériques. La conception architecturale de ces lieux influence les représentations qui s’y déroulent, notamment l’acoustique et l’interaction avec le public. La construction d’infrastructures modulables pour les arts du spectacle permet une programmation diversifiée afin d’attirer un large public.

Les technologies numériques ont transformé la création et la diffusion de l'art. Dans les œuvres multimédias, la capture de mouvement combine les mouvements des acteurs avec le son et la vidéo pour élargir les possibilités, permettant même des installations interactives qui brouillent la frontière entre public et interprète. La conception sonore enveloppe le public dans une spatialité sonore tridimensionnelle . La relation entre la performance en direct et la médiation numérique a évolué avec la technologie.

La pandémie de COVID-19 a accéléré l'expérimentation des formats numériques pour maintenir l'engagement du public. Parmi les défis rencontrés figuraient l'accès inégal à Internet et l'autonomie des spectateurs. Les formats numériques peuvent attirer un public qui, autrement, ne pourrait pas assister à un spectacle en raison de contraintes géographiques, d'horaires ou autres. L'économie du spectacle vivant continue d'évoluer à long terme.